La viñamarina ex-integrante de “Rojo Fama Contrafama” pasa por uno de los momentos más difíciles de su vida: lucha contra un cáncer a la tiroides.

El año pasado, Monserrat Bustamante sacó un single con su respectivo video dirigido por Alterado Producciones llamado “Lo Mismo Que Yo”. Este tema venía siendo lo más nuevo presentado por ella públicamente después de lanzar su único disco “La Chica de Rojo” el año 2003 bajo el alero del programa de TVN. Para la promoción del nuevo tema se le vio apareciendo en programas como matinales de distintos canales cantando el single. Sin embargo, tras una o dos semanas regresó a México, lugar en el cual se radicaba desde el 2007.

Después de tal visita, no se supo nada más de ella hasta el fin de semana pasado donde en medios nacionales apareció hablando de su lucha contra un cáncer a la tiroides. Monserrat presentó malestares en su garganta tras haber terminado su nuevo disco, no pudo promocionarlo para estar en tratamiento. El cáncer en la tiroides estaba ramificado y se le informó que posiblemente perdería la voz, noticia que a ella la desplomó tras pensar lo peor.

Sin embargo, Monserrat ha estado cuidándose, con el apoyo de un nuevo pololo mexicano con quien se proyecta y retomando su vida normal. “Renací porque no me quería morir”-señaló a Las Últimas Noticias. De esta manera, está entusiasmándose con el nuevo disco que esperamos que venga a promocionar con toda la fuerza y carisma que la caracterizó en Rojo, el programa que la vio surgir, crecer y ser una de las favoritas de la gente.

Si no se hubiera producido el terremoto, este artículo habría sido escrito hace un mes exacto. Con el afán de terminar la tarea que quedó inconclusa con la tragedia, analizaré el 5º día y haré el recuento del festival.

Dia 05): La Noche y Arjona hicieron temblar a la Quinta.

Animadores (6,0): Se notaron afiatados. Soledad Onetto lució más preciosa que nunca con ese vestido brilloso. Además manejó con maestría al público que quería doble Gaviota para “La Noche”. Camiroaga, en lo suyo.

La Noche (6,3): Tocaron un día después de la exultante actuación de Américo. La comparación era inevitable, y a la vez injusta. Si bien no pudieron repetir el fenómeno del ariqueño, tuvieron un muy buen desempeño. “La Noche” es una muy buena banda de música, con un líder carismático y de buena voz, un muy buen sonido y canciones pegajosas. Estrenaron dos temas: uno sobre el embarazo adolescente y el tema cantado en asociación con DJ Méndez. Al final, se ganaron el triple Pack y se dieron el gusto de cerrar con un karaoke masivo al son de “Que nadie se entere”.

Ricardo Arjona (6,5): Durante ese día, muchos lo estábamos criticando de lo lindo por su tardía petición de no cerrar el show, pues lo considerábamos como un acto de divismo y una falta de respeto para las competencias y para Fanny Lu, quien tuvo que hacer su show en un escenario donde “penaban las ánimas”. Al día siguiente, todo Chile estaba prendiéndole velitas a “San Arjona” por su providencial idea, pues con ello tuvimos a la Quinta Vergara desalojada de público a la hora del terremoto, con lo que se evitó un desastre de proporciones. Volviendo al show, el “placer culpable” de Fito Páez mostró un show completo, con una escenografía especialmente pensada para él, con sus clásicos monólogos de “trovador” que tanto molestan a los fanáticos de Serrat, Sabina y otros, y sus canciones de letra pretendidamente inteligente. Se llevo doble antorcha y doble gaviota, al igual que Américo.

Lo demás (–): Estaba durmiendo, inconscientemente guardando fuerzas para lo que se venía.

Recuento

Lo bueno:

La idea de que los humoristas abran el show: Fue un rotundo éxito, tanto con Coco Legrand como con Bombo Fica. Un gran predecente para futuras ediciones. Además, los dos estuvieron muy bien.

La consagración del “Sound 2.0”: Américo y La Noche lograron vestir con traje de gala a la música sound. Antes de ellos, la popularidad de grupos como “American Sound” y “Adrían y Los Dados Negros” no fue suficiente para que llegaran al Festival. Antes vinieron artistas de la llamada “movida tropical” a Viña, pero todos argentinos: Comanche, Ráfaga (2 veces) y Antonio Ríos. ¿Cuál es la diferencia? Simple, creo yo: el ariqueño y los chicos de Catemu son más profesionales y, además en sus composiciones se nota que saben de música. Las canciones de ambos están a años luz de la típica canción sound con letras superficiales y tontas, ritmos repetitivos, orquestaciones llenas de sintetizadores y músicos con pinta de barristas bravos.

Los clásicos siempre deben estar: Paul Anka y Raphael la rompieron. Dictaron cátedra de calidad en el escenario. Lo del canadiense fue el mayor lujo del festival desde Tom Jones.

Animadores consolidados: Soledad y Felipe funcionaron mucho mejor que el año pasado. Es una pena que esta gran dupla se vaya a desarmar.

Lo malo:

Las competencias no existieron: La única razón por la que se habló de ellas fue para criticar la calidad de los cantantes. Además, la idea de hacer competir canciones de diferentes épocas y estilos fue muy “tirada de las mechas” ¿Cómo se hace competir “La flor de la canela”, “El día que me quieras” y “Satisfaction”?

El reggaeton arrugó: Don Omar no fue lo mismo que la vez anterior y Tito el Bambino echó todo a perder por su estúpida actitud de pedir a gritos los premios. Por este año, el sound se llevó las palmas.

Faltó rock: Que el más rockero de este año haya sido Paul Anka (uno de los “pretty faces”, respuesta conservadora a los primeros rocanroleros) es un muy mal síntoma. Eché de menos a Los Bunkers.

Ranking de lo peor:

1º) Tito el Bambino: “Tito el Mendigo”, “Tito el Pedigüeño”, etc. Las antorchas y gaviotas no se exigen, se ganan. Hasta sus fans lo criticaron por su actitud.

2º) Anahí. Aunque llore, chille y patalée en México. Mal gusto y chabacanería. Si es por artistas teen, prefiero mil veces a la Feña.

3º) Fanny Lu: La primera damnificada del terremoto… antes del terremoto.

4º) Reik: Muy poco repertorio para la Quinta.

Ranking de lo mejor:

1º) Paul Anka: Simplemente un lujo. Un tipo con clase.

2º) Américo: Si se maneja tan bien como hasta ahora, sus proyecciones son muy grandes.

3º) Raphael: Una presentación a la altura de su legendario status.

4º) Ricardo Arjona: Guste o no, es uno de los grandes del pop en Latinoamérica.

Menciones Honrosas: La Noche, Coco Legrand, Bombo Fica.

                                                                                  
Un público prendido y con ganas de bailárselo todo. Haga lo que haga Tito el Bambino, ésta fue la noche de Américo. La segunda mejor noche, sólo superada por la inaugural.
 
Obertura (6,6): Típico montaje del Bafochi. Como siempre, muy bien logrado.
 
Animadores (6,5): Inteligente Felipe al hacer cantar al público al comienzo. Supieron manejar bien el fenómeno que provocó Américo.
 
Américo (7,0): Simplemente memorable. Una puesta en escena digna de una gran estrella internacional. Una voz espectacular. Canciones muy buenas, tanto las propias como los covers. Esta música es la misma que uno escucha en radios como Carnaval, Colo-Colo, Corazón y Festival, pero estilizada y con un gran tonelaje artístico. No es el típico sound ultra ramplón con letras bobas, ritmos repetitivos y una banda compuesta por una batería de porquería y un sintetizador de segunda mano. Aquí hay “know-how” artístico del bueno Aquí hay valor agregado. No es cualquier cosa que un artista de música tropical logre una acogida tan apasionada en el público ABC1, y que reconocidas “pelolais” como Mónica Pérez, Tonka Tomicic y Fernanda Hansen bailen y canten como calcetineras desatadas en la platea. No estamos acostumbrados a que un artista chileno muestre este nivel de profesionalismo, y quizás es eso lo que se confunde con “divismo”, más allá del tema de las supuestas “peticiones excéntricas” (que no me lo compro, y que me huelen a vulgar chaqueteo). Me parecen algo mezquinos los premios: las dos Gaviotas de Plata más las dos antorchas. Ahora lo que viene es internacionalizarse, y creo que ya en esta actuación insinuó el camino que va a tomar: pasar del “sound” a la salsa.
 
Petrosyans (5,0): Buen reemplazo de Felo. En todo caso, hubo un número muy similar en un festival anterior. Muy bueno el truco con Soledad, que salió con un precioso vestido blanco. Pasaron sin pena ni gloria, en todo caso.
 
 Tito el Bambino (-): Tengo que laburar temprano mañana. No lo vi. Lo siento
 
Competencias: En la Internacional, mis favoritos: Chile, Perú, Cuba, España y Estados Unidos. Clasificaron: Chile, Italia, Cuba, Argentina y Estados Unidos. En el folklore: Chile, Argentina y Bolivia. Clasificaron Chile, Argentina y México.

Subió claramente el nivel respecto a la noche anterior. Volvieron los artistas sólidos y con algo que mostrar.

Obertura (4.5): La más baja hasta ahora. Le dieron ocasión a Horacio Saavedra para lucirse con un recorrido por las cortinas musicales festivaleras. Echo de menos un homenaje a Sandro.

Animadores (6,6): Muy bien en general. Soledad regia con su vestido de gitana y Felipe presentando a Raphael con una pasión inusitada. Al final, buenas las ideas de abrir con Bombo Fica y de presentar el backstage y las competencias antes del kilométrico show de Raphael. Con ello se redujeron los “daños colaterales” que dejó la kilométrica presentación de “er niño”

Bombo Fica (6,7): Actuación consagratoria del humorista nacido en Purén. Una rutina basada en chistes conocidos, pero contados de manera inteligente, muy bien hilada, entretenida y a un ritmo vertiginoso. A diferencia de Coco Legrand el lunes, jamás guateó. El público estuvo absorto en toda su rutina. En el fondo, no es tanto problema el contar chistes viejos, mientras éstos no saturen la pantalla (Coco también lo hizo), sino que tener una rutina saturada y predecible, como le llegó a pasar a Alvaro Salas con tanta repetición y tan poca renovación. Lo de Bombo era conocido en su mayoría, pero como no sale a cada rato en TV, no era predecible. Un merecido premio a un humorista talentoso, de brillante carrera, que ha sido sometido a duras pruebas durante su vida (estafa, incendio de su restaurant, robo de celular antes de su actuación), pero que ha sabido salir airoso.

Raphael (6.9): Parece ser que éste va a ser el festival de los “viejos cracks”. Tal como Paul Anka el lunes, Raphael sacó a relucir toda su cancha de 50 años de carrera. Un repertorio lleno de recuerdos y covers, con duetos con la fallecidas Rocío Durcal y Rocío Jurado y Joaquín Sabina (en video) y la presencia en vivo de Beto Cuevas, quien con jopo a lo “Grease Brillantina” hizo una brillante labor como partner del natural de Linares. La puesta en escena fue comparable a la de Paul Anka (los videos pixelados le dieron aire futurista). Se merecía el triple pack y mucho más. No le pongo un 7.0 porque, una vez más, el insoportable divismo del español atentó contra los tiempos del evento. Creo que debieron ponerlo cerrando el espectáculo.

Miranda! (–): Al igual que sus compatriotas Babasónicos el 2005, fueron al sacrificio, víctimas del divismo y la falta de empatía profesional de Raphael. No son de mi gusto, pero no se merecen ellos ni sus fans comenzar a actuar a las 3 AM. Obviamente, no los vi, así que no puedo opinar.

Competencias: En lo internacional, me tincan Chile y España. Deberían poner de jurado a algunos agentes de la Brigada de Homicidios por la cantidad de “asesinatos musicales” que se están produciendo. Una cosa es que haya poca plata, pero no me cabe en la cabeza que no hayan podido hallar intérpretes mejores que éstos. En la folklórica, me gusta Bolivia.

(Nota importante: este comentario lo hago con mucho cariño, pero no es más que un “hobbie” de verano. Aunque suene feo decirlo, nadie me está pagando por esto. Además, a la mañana siguiente tengo que levantarme temprano a trabajar como todo el mundo. Me quedo hasta el final solamente si considero que el artista que va en ese horario vale la pena ese esfuerzo. Paul Anka y Raphael lo valían, pero Don Omar y Miranda! no)

 
La diferencia de nivel con la primera noche de festival fue del cielo a la tierra. A ratos la jornada llegó a ser aburrida para los que no teníamos interés en algún artista en particular.
 
Obertura (6.4): Espectacular número de los “Magic Twins”, merecidamente premiado con Antorcha de Plata. Un número que no tenía nada que envidiarle a David Copperfield, y que insinuó un nivel de calidad que no se mantuvo después.
 
Animadores (6,4): En general se mantuvieron en su nivel. Camiroaga se equivocó feo al anunciar a la “Coty” como alcaldesa de Santiago. Sole, como siempre, regia aunque esté vestida con un trapero. No tuvieron grandes sobresaltos.
 
Reik (5,5): Sonaron sumamente bien. Fueron pragmáticos. Hicieron un show corto solamente con sus hits radiales (todos fácilmente reconocibles) Obtuvieron lo que merecían (doble antorcha) y se fueron. Son buenos, pero les falta repertorio.
 
Anahí (4,0): Bella, simpática, entusiasta… pero demasiado estridente y desafinada al cantar. Su única canción conocida fue un cover del clásico ochenteno de Amanda Miguel “Él me mintió”. Muy de mal gusto eso del cuchillo y la sangre de utilería (además de ser más viejo que el hilo negro y, según se dijo en Twitter, un plagio descarado a Lady GaGa). Ni antorcha sacó, a pesar de tener a sus fans gritando. Pasó sin pena ni gloria, como Fey, Belinda y tantas otras colegas suyas.
 
Don Omar (–): No me pronuncio, porque no lo vi. Estaba pegado en la almohada a esa hora. Por lo que leí, pasó lo esperado. Hizo “perrear” al monstruo y se llevó el Triple Pack.
 
Competencias: En lo internacional, para mi Perú y Cuba deben clasificar sí ó sí. Notable el desplante de la peruana y el atrevimiento artístico de la versión de “La Flor de la Canela”. Del resto, no me gustó la versión de “Satisfaction”, la cantante francesa asesinó “la vié en rose” y existen canciones más representativas de Estados Unidos que “Rock around the clock”. En el folklore mejoró la cosa. Me gustó la cueca chora chilena y la balada tipo “Los Nocheros” de Argentina.

La primera jornada fue el sueño dorado de los auditores de Radio Oasis. Por el tipo de artistas y el público que asistió, parecía más una gala del Casino que el Festival de Viña del Mar. Será con toda certeza la noche más fuerte desde el punto de vista de calidad artística. 
Obertura (6.0): La mejor de los últimos años. Por fin se les ocurrió poner al BAFOCHI. Una puesta en escena cargada al nacionalismo, ad hoc con el Bicentenario. La canción de Juan Carlos Duque me recordó los himnos de propaganda de gobierno de la década de los 80.
 
Animadores (6.3): Mucho más relajados que el año pasado. Se mostraron hasta lúdicos. Por fin salió a relucir el Felipe Camiroaga chacotero y pelusa del “Buenos Días a Todos”. Notable la talla a los dos calvos gerentes de los canales de TV. Soledad Onetto sólida como siempre, y regia como nunca con ese vestido magenta del final de la jornada. No se los puede culpar de apurar la entrega de premios. Lo tienen que hacer para lograr que todo fluya más rápido. No se mandan solos. Camiroaga se tomó con humor la talla de la moto “Fernanda”
 
Coco Legrand (6.8): Si un humorista tenía que abrir el Festival, era el gran Coco. Su actuación estuvo de acuerdo con su legendario status. Nos hizo reír y pensar, al igual que en su recordada actuación el 2006. Además de Pilar Sordo, Legrand se basó en Paul Johnso y en Fernando Vigorena, un verdadero “gurú” del emprendimiento. Merecidos, aunque algo apresurados, los cuatro premios ganados. Un triunfo del verdadero maestro del “Stand Up” en Chile.
 
Valentín Trujillo (6,5): Un momento emotivo. Un justo reconocimiento en vida a uno de los personajes más queridos, respetados y entrañables del espectáculo chileno. Todo fue emocionante: el saludo de Don Francisco; el duelo de pianos con sus hijos y nietos; el otro nieto (la versión rubia de Américo) cantando al estilo Michael Bublé. Si bien los premios fueron más por la trayectoria y el cariño que le tiene el público, su performance demuestra que talento y pericia le queda todavía. Ojalá pueda estar muchos años más deleitándonos con su arte.
 
Paul Anka (7.0): Partió a la 1:30 AM, y de una manera sorprendentemente transgresora. Desde “El Malo” en el 2000 que un artista no salía al escenario desde el público. Sus dos primeras canciones “Diana” y “You are my destiny” las cantó en la platea. Una vez instalado en el escenario, Anka hizo gala de toda su “cancha”. Me recuerda la inolvidable performance de Tom Jones el 2007. Al igual que el “Tigre de Gales”, se ve en excelentes condiciones físicas y de voz para su edad. El canadiense vino con una orquesta de lujo (se mandó un solo de miedo), y un repertorio repleto de canciones clásicas. Las hizo todas: rindió emotivos homenajes a Michael Jackson, Sammy Davis Jr y Frank Sinatra. Mostró sus extraordinarias versiones “swing” de temas rockeros como “Jump” de Van Halen y “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana. Hizo versiones propias de temas de The Beatles (“Twist & Shout”) y Creedence Clearwater Revival (“Proud Mary”). Faltando 10 minutos para las 3 de la mañana, nadie se quería ir. El triple pack es muy poco para su calidad. Con el debido respeto al resto de los artistas, está más que claro cuál va a ser el mejor show de este año. Y si no es el mejor show de la historia del Festival, está dentro de los tres primeros, junto con Tom Jones el 2007 y Simply Red el 2009.
 
Competencias: En la internacional, bien los Difuntos Correa. De las otras, me gustó la versión con variante rapera de “Eres tú”. La versión de “El día que me quieras” era copiada a la de Luis Miguel, y el cantante mexicano realmente insufrible. En el folklore: fuera de la bella cantante colombiana, nada rescatable.

Estamos ad-portas de un nuevo Festival de Viña del Mar. Nada menos que el Festival del Bicentenario. Muchos esperábamos, dado lo especial de la fecha, una mayor inversión y la venida de artistas de primer nivel. Lamentablemente, las expectativas no quedaron satisfechas. Salvo la primera noche, el festival transita entre lo repetido y lo desechable. Hay artistas muy buenos, pero también muchos que se “repiten el plato”. Razones hay muchas: artistas top que cobran muy caro o que no aceptan participar en un show televisado, la resaca de la crisis económica, falta de creatividad de los organizadores, etc. Incluso hay menos artistas para este año. Por primera vez desde que yo recuerde hay dos artistas en el show en dos de las noches. 
Animadores: Se repiten el plato.
Felipe Camiroaga: Llega a su segundo festival consecutivo convertido en uno de los rostros más importantes de la TV chilena. Con la experiencia adquirida el 2009, y el gran fiato que alcanzó con Soledad, tengo fe en que tendrá un gran desempeño.
Soledad Onetto: La verdadera reina del festival llega con el aval de su bien evaluado desempeño del 2009. A pesar de ser la encarnación del “arquetipo ideal” de animadora para Canal 13 (rubia, flaca, bonita y católica) ha demostrado tener méritos propios que van más allá de su apariencia: profesionalismo, encanto, simpatía. Confío ciegamente en ella para este año.

Lunes 22: Noche de Clásicos
Paul Anka: Candidato serio a superar la marca dejada por Tom Jones el 2007 y Simply Red el año pasado. Una verdadera leyenda de la música popular, con un repertorio para dar y regalar, como “My Way”, “Diana”, “She’s a Lady”, “Let me Try Again”, “Puppy Love”, “Put your head on my shoulder”, “You are My Destiny”, etc. 
Coco Legrand: El comediante más importante nacido en esta bicentenaria tierra continuó creando después de su exitosa aparición en Viña el 2006. Se espera que presente un extracto de “Los Coquitos Dicen”, obra en la que actúa con su hijo Matías Gonzalez. Coco ha trascendido del simple humor, y se ha transformado en el “Pepe Grillo” de nuestro país. Además, la jornada es propicia para él, con un público más bien adulto. Está todo dado para otro éxito del gran Coco.

Martes 23: Perreo asegurado
Reik: Grupo pop mexicano, muy de la línea de Natalino y Sin Bandera, con muchos éxitos radiales en el bolsillo, como ”Un día más”, “Mi pecado”, “Más cerca de ti”, etc. Además, llegan con un Grammy y un premio MTV: Es el típico grupo de moda que llega a Viña precedido de éxitos radiales.
Anahí: Es algo así como la María José Quintanilla de México. Actriz y cantante de larga trayectoria a pesar de sus 26 años. Fue parte de dos de los grandes fenómenos televisivos del país azteca: Carrusel (“Paty”) y Rebelde (“Mía Colucci”). Fue integrante del grupo RBD, surgido de esta última serie. En principio, se ve como la típica cantante como Fey, Belinda u otras, con música pensada para sonar en las radios y vender discos. Habrá que verla.
Don Omar: Uno de los “cabrones” máximos del reggaeton, en encarnizada disputa con Daddy Yankee. Se repite el plato, luego de su exitosa aparición el 2007, con temas como “Dale Don Dale”, “Dile”, “El señor de la noche” y otros que hacen furor en el público. Nos guste o no, el reggaeton se ha transformado en un género musical por mérito propio. Recuerdo haber visto un ranking musical en la revista Vea, donde de las 20 canciones rankeadas, 17 ó 18 eran de reggaeton. Con ese antecedente, se justifica la traída de estos artistas a Viña.

Miércoles 24: ¿Miranda! competirá con los matinales?
Raphael: Otro clásico, con amplio repertorio y una barra incondicional. Problema: es de esos artistas con aires de divo que alargan innecesariamente en sus espectáculos, echando por la borda toda la planificación de la jornada y obligando a los artistas que cantan después de él a iniciar su actuación en plena madrugada, como le pasó a Babasónicos la última vez que “er niño” cantó en la Quinta.
Bombo Fica: Hace rato que merecía una oportunidad en la Quinta. Humorista de la generación de Paulo Iglesias, Gigi Martin y Mauricio Flores, con amplio recorrido en programas de TV y festivales de diversos pelajes. Es su momento para consagrarse.
Miranda!: Banda argentina de pop plástico, que ya tuvo un paso exitoso por el Festival el 2006, cuando hacían furor con la mentada “Guitarra de Lolo”. Ahora tienen nuevas canciones para mostrar. Si van sus fans (y si éstas tienen el aguante para soportar el kilométrico show de Raphael), tiene  éxito asegurado.

Jueves 25: La noche “popular”
Américo: El fenómeno del 2009 tiene su soñada y merecida oportunidad. Un premio a una carrera esforzada y a un trabajo profesional por parte del hombre de “Embrujo” y “Que levante la mano”, hits del año pasado. El oriundo de Arica ha tenido el mérito de darle categoría y elegancia a la música “sound”, muy al estilo de lo que hizo Mark Anthony con la salsa. Le subió el pelo en todo sentido: en lo musical (buenas canciones y melodías interesantes, lejos de la música ramplna y básica de grupos como “American Sound”), en la presentación (primer grupo de ese género donde los integrantes no parecen barristas, cogoteros o narcotraficantes) y en el trabajo profesional. Esto ha posibilitado que, al igual que “La Noche”, tengan un inesperado arrastre en el público “cota mil”. Además, en su visita a “El Hormiguero” demostró excelentes cualidades vocales al cantar en inglés. Puede ser su punto de partida para una carrera internacional.
Tito el Bambino: El gran reggaetonero que faltaba por venir. “El Patrón” llega dispuesto a tener a la Quinta perreando toda la noche. Tuvo un exitoso concierto en Santiago a finales del 2009. Éxito seguro y hormonas en ebullición.

Nota aparte: la deserción de Felo: De haberse presentado, Felo era candidato fijo a ser devorado por el monstruo. 1) Tuvo un mal paso en el Festival Palmenia Pizarro de San Felipe, donde se fue pifiado y se peleó con un reportero de farándula; 2) Reconoció que no tiene una buena rutina para Viña ni ganas de ir, pues está bajoneado por la reciente muerte de un amigo; 3) La jornada donde estaba programado no podía menos propicia para su estilo de humor, pues compartía escenario con artistas de gusto claramente popular. Los Dinamita Show hubieran calzado perfecto. Felo es más para escenarios íntimos, y para un público pensante, dispuestos a seguirle su rutina. En consecuencia, estimo sabia su decisión de no ir este año. Humorista que huye sirve para otro festival. Se anunció una “varieté” para reemplazarlo. 
 
Viernes 26: Noche de repetidos
Ricardo Arjona: Enésima vez que el “Serrat de los camioneros” se aparece en la Quinta. ¿Habrá superado a Juan Gabriel en número de venidas? Es cierto, tiene muchas canciones importantes y ha logrado mantenerse vigente, pero ya está muy repetido.
Fanny Lu: Cantante colombiana muy conocida y premiada en Latinoamérica, pero poco conocida en Chile. Una gran incógnita.
La Noche: Se repiten el plato por segundo año consecutivo. En mi opinión, no se justifica. Su gran año fue el 2008. El año pasado, aunque siguieron actuando con mucho éxito, fueron completamente eclipsados por el fenómeno Américo. Además, no sé si tienen algo nuevo que mostrar. Al igual que el ariqueño, le han subido el pelo a la música tropical. El inefable Leo Rey, el “Sandro de Catemu” podrá lucir su nariz operada y su voz trabajada con técnicas. 

Sábado 27: Viejas glorias para cerrar
Los Jaivas: Primera vez que vienen después de la muerte del Gato Alquinta. En lo personal, siento que les pena demasiado. Mario Mutis no canta bien ni hacer olvidar al recordado vocalista. Lo más probable es que los aplaudan y premien porque son de la zona y es una de las grandes bandas chilenas, pero sin el Gato no son lo mismo.
Los Fabulosos Cadillacs: Vicentico vuelve a la Quinta, pero ahora acompañado con sus viejos compañeros de andanzas. Una pena que no hayan venido en la gloriosa época de “Matador” y “Mal Bicho”, pero más vale tarde que nunca.
Beto Cuevas: Primera vez que viene como solista. Beto no ha logrado despegar en solitario, y para muchos sigue siendo el vocalista de La Ley. Podría pasarle lo de Ana Torroja, que tiene que basar sus actuaciones en canciones de Mecano. Habrá que verlo.

Los artistas que echaré de menos este año
Algún  artista en boga: Se echa de menos algún artista como Tom Jones (nota: fui a su 2º recital en Viña del Mar. ¡¡Es de otro nivel!! Me sentí en Las Vegas) o Nelly Furtado (otra nota: la vi en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno en Vancouver ¡¡Qué belleza de mujer!!). No se pudo traer a Beyoncé pues exigía no transmitir su show completo, y Alicia Keys fue desestimada por el comité organizador. Lamentablemente, la globalización juega en contra en este sentido. Como ya la venta de discos no da plata producto de la piratería y la proliferación de música en MP3, los conciertos en vivo se han transformado en la principal fuente de ingresos de los artistas. Y, en ese escenario, resulta hasta obvio que la transmisión masiva de sus recitales resulta inconveniente para sus intereses. Los grandes artistas saben cuidar su producto de la saturación, y por eso cobran un adicional muy importante por conciertos televisados y repeticiones. Un gran ejemplo para sus colegas nacionales, a los que los repiten hasta el cansancio, con lo que saturan al público, lo que al final los perjudica más de lo que los ayuda. Para los humoristas esto es más grave, pues les “queman” las rutinas. Lo vivieron en carne propia Alvaro Salas, Stefan Kramer y Dinamita Show.
Algún grupo anglo del recuerdo: Paul Anka es excelente, pero creo que había espacio (no sé si $$$) para otro más. Han demostrado ser apuestas seguras en los festivales anteriores. Casi todos los que han venido, incluso los con menos pergaminos como Roger Hogdson o KC & The Sunshine Band han resultado grandes aciertos.
José Luis Rodríguez: El Puma es uno de los clásicos del festival. Además, hubiera permitido hacerle un homenaje a Sandro, pues el venezolano lanzó un disco tributo al fallecido “gitano” llamado “Mi amigo el Puma”.
Los Bunkers: La están rompiendo en México. Sus canciones son cada vez mejores. Son una banda de nivel internacional. Ya es hora de que los traigan de nuevo. 
Stefan Kramer: El genio de las imitaciones no quiere desgastar su espectáculo. En ese sentido, resulta comprensible y hasta inteligente su ausencia. Pero igual da pena, porque es garantía de espectáculos divertidos y de gran calidad.

Conmoción en internet causaron las declaraciones que realizó el concejal viñamarino, Andrés Celis, a “Primer Plano” (Chilevisión) donde aseguró que quien decide la parrilla programática del evento es la alcaldesa Virginia Reginato, la “tía Coty”, y que rechazó a artistas como Beyoncé y Alicia Keys.

El concejal Celis aseguró que Beyoncé cobraba 400 mil dólares y Alicia Keys, 350 mil dólares, pero que fueron rechazadas. La indignación entre los usuarios de Fotech.cl ante estas declaraciones no se hizo esperar y cuestionaron las decisiones de la alcaldesa de Viña, especialmente por tener en la parrilla a Ricardo Arjona, quien se repite el plato por cuarta vez, y que cobra más de 700 mil dólares.

Cuando Celis iba a seguir con sus descargos, el programa farandulero de Chilevisión lo interrumpió para dar paso a las peripecias de Faloon Larraguibel, de Yingo.

La reina del pop, Madonna, quien se ha declarado fanática de la serie Glee, ha cedido los derechos de sus canciones a la producción. La idea es tener un capítulo especial con algunos de los grandes éxitos de la diva.

Glee es una exitosa comedia musical estadounidense que transmite el canal Fox y que trata la historia de un profesor, Will Schuester (Matthew Morrison), que se hace cargo de un coro escolar en el High School de Lima, Ohio, y que se empeña en llevarlos a la gloria.

Las canciones de Madonna que serían interpretadas por Rachel (Lea Michele), Finn (Cory Monteith), Kurt (Chris Colfer), Mercedes (Amber Riley), Quinn (Dianna Agron) y el resto de los personajes, serían: Borderline, Open Your Heart, Burning Up, 4 Minutes, Crazy For You, Like A Virgin, Like A Prayer, What It Feels Like For A Girl, Vogue y Express Yourself, que se sumarían a Papa Don’t Preach, que apareció en el episodio 11 de la primera temporada.

El exitoso cantante japonés Miyavi le hace un espacio a Chile en su gira mundial titulado Neo Tokyo Samurai Black World Tour 2009, el cual incluye países como Italia, Francia e Inglaterra. carokage, representante del foro de Cómics en Fotech.cl, nos cuenta su experiencia en el concierto realizado en el Teatro Teletón.

Por segundo año consecutivo el exitoso cantante japonés Miyavi nos deleita con su presencia en Chile al presentar su nuevo Tour 2009 Neo Tokyo Samurai Black World Tour 2009, el cual incluye países como Italia, Francia e Inglaterra, en el cual desarrolló un nuevo concepto menos visual y más musical, con una banda 100% de soporte y acordes mucho más rockeros que su predecesor Neo Visualizm. Realizó su concierto sin disco nuevo que le precediera, tras unos meses de silencio y luego de su decisión de dejar la compañía que lo vio nacer PS Company, Miyavi decidió lanzarse como artista con sello independiente y propio. A pesar de su comentado matrimonio y el nacimiento de su primera hija, se dio el tiempo de planificar esta gira mundial y llevarla a cabo, ya casi en su totalidad (aún queda México, USA y el cierre en Japón). Llegó con algunos problemas físicos (se cayó en Francia y venía con problemas musculares tratados con fármacos) apenas pudiendo tocar en Brasil y Argentina, sin embargo afortunadamente no se suspendió ninguna fecha en Sudamérica.

El recinto elegido para este concierto fue nuevamente el Teatro Teletón, lugar donde no está de más mencionar que es uno de los más grandes en donde Miyavi ha tocado fuera de Japón, con las entradas más caras vendidas en su totalidad, incluyendo un stock de 60 entradas exclusivas que doblaron el precio de la más cara vendida el año pasado, y que se vendieron en tan sólo un día y además con toda la expectativa de ver nuevamente al cantante, productor y guitarrista japonés. Afortunadamente, el público supo agradecer su presencia en Chile con una gran concurrencia y participación en el recinto antes mencionado.

¿Y qué tenía Miyavi para ofrecer este año? Esta gira surgió más por la necesidad de complacer a sus fans que por promocionar su nuevo trabajo, casi como una deuda pendiente. Es ya conocida la complicidad casi única que tiene este cantante con sus fans y la comunicación estrecha y directa que mantiene con ellos, sobre todo por internet.

En cuanto al público asistente, en su mayoría estuvo compuesto por fieles fans y admiradores, los cuales en su mayoría eran mujeres adolescentes, aunque también se vieron algunos devotos seguidores más adultos y otros bastante más que adultos, porque de todo hay en la villa de Miyavi. Los fans esperaron pacientemente largas horas tras la entrada al recinto, la cual fue una hora más tarde de lo que anunció inicialmente la productora. Sin ningún tipo de disturbio y de forma ordenada, todos los asistentes comenzaron a ingresar al Teatro Teletón aproximadamente a las 19:00 horas, cuando ya comenzaba a correr un viento helado, y el público se estaba empezando a desesperar por el frío.

A eso de las 20:00 hrs. salió a tocar el grupo telonero Trick, un grupo chileno de covers de bandas japonesas del cual honestamente poco se sabía y poca expectativa había por ver, incluso circularon fuertes rumores de que la razón de su presencia tenía más que ver con la ya conocida “pitutocracia” que con méritos propios; algo que no puedo afirmar o desmentir. Como sea, tocaron alrededor de cuatro temas entre una que otra pifia, y terminaron dignamente sin que nadie saliera herido. En mi opinión, su aparición fue innecesaria y de baja calidad; si bien el público no tenía ni una pizca de ganas por verlos, tuvo el tino y el respeto de contenerse y no pifiar abiertamente una pobre presentación, casi totalmente fuera de contexto, que se den con una piedra en el pecho por ello.

Y comenzó el concierto…

Pasado las 21:00 horas, por fin sale a escena Miyavi, con un escenario sencillo: un telón de fondo promocional de su nueva gira, una banda soporte (que realmente fue solo eso, de hecho, ni siquiera fueron presentados) y Miyavi como protagonista absoluto, con una imagen más sobria, vistiendo un traje negro, pelo corto y sin ningún piercing, tan solo acompañado de su guitarra. Su entrada también fue sencilla, con una sombrilla realizó un silencioso e indirecto homenaje a Michael Jackson, saliendo hacia el escenario con su conocido paso hacia atrás “Moon walk”, ante el vitoreo de todo el público.

Su performance se basó básicamente en temas de su anterior disco, uno que otro tema nuevo y algunos más antiguos. Sin el toque de su anterior banda acompañante Kavki Boys, el sonido se tornó más rockero y pesado que su tour predecesor, lo que permitió apreciar un poco más la faceta musical inicial con la cual Miyavi se dio a conocer. También realizó varios solos de guitarra, donde se pudo observar nuevamente la gran influencia que el soul y el funk han tenido en su carrera y que sin duda, lejos de toda la pose visual que tanto les importa vender a los japoneses, también nos permitió encontrar un más que decente guitarrista, que dejó bien en claro que si de algo no adolece, es de frescura y ganas de innovar.

Temas como “Are you Ready to Rock”, “Shouri No Vrock”, “Neo visualizm” y “What a wonderful World” fueron los temas más coreados y esperados por un público anhelante de participar, cantar y bailar todos sus temas, y hacer saber que Chile es una audiencia de peso, que cualquier artista debería desear conocer en vivo.

También hubo momentos emotivos, con “kimi ni negai wo”, coreada por casi todos los asistentes, donde un conmovido Miyavi se quebró por momentos, ante la gran muestra de afecto y devoción de los fans presentes. Con mucha más interacción que el año pasado, Miyavi habló en varias ocasiones con el público, rompiendo la barrera del idioma con el inglés y una que otra frase en español, ante un público que le entendía todo y que estaba expectante ante cada frase que pronunciaba el artista.

El final llegó con sus hits del año pasado “What a wonderful world” y “Neo visualizm” , y una nueva promesa de regresar a tierras chilenas. El público terminó eufórico ante un show sencillo pero intenso, lleno de música y complicidad fan-artista, como en muy contadas ocasiones se suele dar. Un show que para alguien que no sepa nada del movimiento musical japonés podría resultarle atractivo y refrescante, sobre todo si es cercano a los términos dinamismo e innovación.

Tristeza se respira en Latinoamérica: a sus setenta y cuatro años, falleció en Buenos Aires la cantautora argentina Mercedes Sosa. “La Negra”, como la apodaban, no resistió a una falla renal que la tuvo internada en el hospital desde el 18 de septiembre de este año, y que durante la madrugada del día de hoy, logró terminar con la vida de esta gran artista.

Varias personalidades estuvieron acompañando a Mercedes en sus últimos días, entre los que se destacan el músico Víctor Heredia, con quién mantenía una buena amistad y quién destacó: “Nos dio su ejemplo de lucha para que podamos tener más justicia, más derechos, más democracia”. A su vez, Teresa Parodi, también cantautora argentina homenajeaba a la cantante y señaló que “Mercedes no se muere, siempre cantarás en nuestras almas”.

La trayectoria musical de Mercedes Sosa reconoce más de cuarenta años de trabajo, iniciándose en lo que se conocío como el Nuevo Cancionero Argentino, donde trabajó codo a codo con Facundo Cabral, el Cuarteto Zupay, Víctor Heredia, entre otros. “La Negra” trabajaba el folklore “revolucionario” argentino, siendo contraria a la dictadura de Videla, llevándola al autoexilio en 1976.
 
Dentro del repertorio musical de Mercedes se encuentran más de cuarenta discos, en los que reafirma su ideología y expresa sus ganas de unión latinoamericana como de justicia social. Dentro de sus interpretaciones más conocidas están “Gracias a la Vida”, de Violeta Parra; “Cancion con todos”, de Armando Tejada Gómez y César Isella; “Alfonsina y el mar”, de Ariel Ramírez y Félix Luna; y “Sólo le pido a Dios” de Leon Gieco. Mercedes compartió escenario con cantantes de la talla de Luciano Pavarotti e íconos del pop como Shakira y Fito Páez, entre otros. En nuestro país, participó en el Festival De Viña, así como también fue condecorada por la presidenta Michele Bachelet con el mérito Bernardo O’Higgins.

Latinoamérica ha perdido a una voz de potencia social muy importante, se apagó la voz de una grande, y como ella misma homenajeó en su oportunidad a Alfonsina Storni, igualmente decimos: “Y te vas hacia allá como en sueño, dormida Alfonsina, vestida de mar”.

La música pop perdió a su nombre más grande: el legendario Michael Jackson murió tras sufrir un paro cardíaco en Los Angeles, a los 50 años de edad.

La noticia fue dada a conocer por el sitio web de espectáculos TMZ, aunque aún no es confirmada po todos los medios. Ahí se asegura que el Rey del Pop estaba sin respiración cuando los paramédicos llegaron hasta su casa, tras un llamado de emergencia al 911.

El ídolo de los 80 estaba a punto de relanzar su carrera con una serie de conciertos en Londres, que habían alcanzado un gran éxito de ventas.

Jackson estuvo por única vez en Chile en octubre de 1993, en el marco de su gira mundial Dangerous, dando forma a uno de los primeros megaeventos musicales en nuestro país.

Rusia presentó el espectáculo no deportivo más grande y más visto del mundo: Eurovision Song Contest 2009. Meses de espera para saber quién será el ganador. Cuarenta y dos países se han presentado en una lucha por conquistar Europa musicalmente, de los cuales sólo veinticinco llegaron a la final… Y el ganador fue Noruega, con Alexander Rybak interpretando “Fairytale”.

Con un escenario espectacular, algo que ya quisiéramos en el Festival de Viña algún día, el Cirque du Soleil comenzó la obertura, seguido por quien ganó en Serbia el año pasado, el ruso Dima Bilan con “Believe” en playback dando un show bastante bueno. Posterior al circo francés y del ruso, entran los animadores: la cantante Alsou (quién obtuvo un segundo lugar en el 2000) e Ivan Urgant, un famoso actor ruso.

Comienzan los participantes con el representante de Lituania, Sasha Son, quién nos trajo una emocionante interpretación en inglés y ruso de su tema “Love” (“Amor”). Impacta al final de su presentación con una llama de fuego en su mano, representando la esperanza. Seguido por la famosa Noa y Mira Awad de Israel, un complemento perfecto que se nota en la pantalla, cantando en inglés, hebreo y árabe, tratan de conquistar a Europa con su mensaje de paz de “There must be another way” (“Debe haber otra forma”). Complicidad hay mucha y se nota por la pantalla.

Es el turno de Patricia Kaas, la diva francesa con su tema “Et s’il fallait le faire” (“Y si fuera necesario”). Diva total, elegantísima, creo que merecería un gran resultado final, incluso ganar. No hay más palabras, simplemente genial. La primera gran ovación de la noche, todo el mundo de pie aplaude a esta señora.

Suecia, el país que se toma más en serio Eurovisión. La mezzosoprano Malena Ernman trae “La Voix” (“La Voz”) en inglés y francés, un tema que mezcla el pop, el dance y la ópera. Acompañada de cinco coristas, la señora de las nieves obtiene grandes aplausos, no logrando ser opacada por Francia. También logra grandes aplausos, pero no tanto como Patricia anteriormente.

Croacia trae la balada “Lijepa Tena•” (“Bella tena”), una interpretación correcta de un guapo chico con una guapa acompañante y tres guapas coristas. Abunda lo físico acompañado de buenas voces. Puede que este sea uno de los mejores Festivales de Eurovision en la historia, hasta ahora nadie decepciona, pero es quien ha tenido una reacción más baja junto a Israel.

Los portugueses son los siguientes en escena. El grupo Flor-de-Lis traen la canción “Todas as ruas do amor” (“Todas las calles del amor”), presentando la actuación mas alegre de este festival. Puede que le vaya bien, pero no mucho como para ganar.

Yohanna, la cantante que representa a Islandia trae el baladón “Is it true?” (“Es verdad?”), el cual recibió grandes aplausos de recibimiento. Prefecta interpretación vocal, una hermosa presentación que nos deja claros que Islandia es de los favoritos para llevarse a casa el triunfo y hacer el festival en casa el 2010. El veterano Sakis Rouvas, quién representó a Grecia el 2004 logrando un tercer lugar busca llevarse a Atenas el premio, como ya lo hizo Helena Paparizou el 2005. Un espectacular show con una no tan buena interpretación vocal (a veces no se le escucha la voz). A pesar de esto, logra una enorme ovación, la mayor de la noche hasta ahora. “This is our night” (“Esta es nuestra noche”) parece un mensaje subliminal anunciando que les toca ya volver a ganar como “My Number One” (Mi Número Uno”) hace cuatro años.

Dos hermanas de Armenia cantan “Jan-Jan”, en su lenguaje natal y en inglés, el cual presenta un folk-pop bastante entretenido en escena. Lucen bien en pantalla, buenas voces, pero no da para un tema ganador. A pesar de eso, se les vería arriba en la tabla de posiciones. Los anfitriones de Rusia traen a la ucraniana Anastasija Prikhodko cantando “Mamo” (“Mamá”), un tema dedicado a las progenitoras. Grandes y esperables aplausos del público para la representante rusa, quién se presenta en escena con un vestido blanco y 5 coristas vestidos de negro y rojo. De fondo, en las pantallas se ve como la chica va envejeciendo, desde sus actuales 20 años hasta llegar a los 70. Un muy buen trabajo.

Azerbaiyán, uno de los grandes favoritos con la joven AySel y el famoso productor iraní-sueco Arash y el tema “Always” (“Siempre”), un tema muy pop que podría pegar en las radios chilenas sin lugar a dudas. Una presentación simple pero efectivista. Pueden ganar claramente, es muy potente lo que presentan. Grandes aplausos, pero aún nadie supera los aplausos franceses. El grupo Regina entra con el tema “Bistra Voda” (“Agua clara”) para el país de Bosnia & Herzegovina. Un tema rock con toques clásicos de ese país y una presentación algo épica y bastante profesional, el cual podría ser efectivista con los países balcánicos al momento de las votaciones.

Luego de un break de descanso, Moldavia con la cantante Nelly Ciobanu y la canción “Hora din Moldova” (“Danza de Moldavia”), quien logra equiparar la felicidad de los portugueses. Invitan a bailar y a votar por ellos, esperando que resulte para superar los resultados del año pasado.
Otra que se repite el plato, Chiara de Malta ha obtenido el segundo y tercer lugar en años anteriores, ahora busca ganar con el tema “What If We” (“Y si nosotros”), el cual parece ser la última parte de una trilogía compuesta además de sus dos temas anteriores. Una voz sorprendentemente potente y dulce con unos perturbadores movimientos de cuellos pueden asustar o encantar al público.

Estonia trae “Rändajad” (“Los Nómadas”) con Urban Symphony, un grupo compuesto por cuatro chicas quienes están acompañadas de 2 coristas. Profesionalismo puro. Señores, estamos en el ESC más fuerte de la historia, todas las presentaciones podrían ganar. Dinamarca trae a Brinck con el tema compuesto por el famoso irlandés Ronan Keating. “Believe again” (“Volver a creer”) parece un tema más del disco de Ronan, pasando sin pena ni gloria entre las demás canciones.

Alex Christensen y Oscar Loya, actúan con “Miss Kiss Kiss Bang” (“Muchacha Beso Beso Bang”) junto a la stripper de Estados Unidos y novia de Marilyn Manson, Dita von Teese. Regular, pero mejor que el año pasado. La belga Hadise trae “Düm Tek Tek”, un tema muy popero que nos recuerda a las muchas canciones de este estilo que han pasado por el festival. Vocalmente mejor que en la semifinal, sigue siendo deficiente. Siendo más apoyada por los coros que Kalomira el año pasado, puede lograr mucho, dado a la gran cantidad de inmigrantes turcos en toda Europa. Sinceramente, me temo que puede ganar. Grandes aplausos representan esto. Y hablando de Kalomira, usando el mismo coreógrafo que la estadounidense ocupó para representar a Grecia el año pasado, Kejsi Tola presenta “Carry Me In Your Dreams” (“Llévame en tus sueños”). Es como que Kalomira hubiera aprendido a cantar y representara a Albania, pero con menos capacidades de baile. Muchos la ven en el fondo de la tabla, pero no es de las peores. Canta, que es lo importante y da un buen show además.

Llegó el gran favorito de las apuestas y de casi todos, el bielorruso Alexander Rybak representando a Noruega con la canción del cuento de hadas, “Fairytale”. Un buen show, una voz normal y una canción perfecta. Ovación total al inicio y al final de la canción.

Volvió el Cirque du Soleil pero con una modelo de Morandé con Compañía o de discotheque capitalina. Ucrania con Svetlana y su “Be my Valentine! (Anti-Crisis Girl)” “Sé mi Valentín (Chica Anti-Crisis) con un show digno del circo actúan en escena. Chabacano, pero con buena voz y canción oreja, puede lograr mucho, aunque muchos no queremos eso. Ella, al lado de Dita von Teese, parece stripper más barata y de peor clase.

Las hadas de Rumania junto a Elena Georghe (pareciera ser a quien Rybak le dedicó la canción) nos traen “The Balkan Girls” (“Las chicas balcánicas”), con una buena voz, un show bonito que se ve excelente en pantalla y decentísimo, un dulce al lado de lo anterior. No logrará mucho, dado que la canción es baratísima.

Otra de las grandes favoritas, Jade Ewen de Reino Unido con el temazo “It’s My Time” (“Es mi turno”), compuesto por los famosos y reconocidos Sir Andrew Lloyd Webber (quién estuvo en escena tocando el piano)  y Diane Warren. Excelente interpretación vocal, puesta en escena elegante y para nada sobrecargada, ovacionada por el público tanto o más que la señora francesa y el noruego, es la apuesta más grande de Reino Unido desde hace muchísimo tiempo. Potencial ganadora.

Waldo’s People (de Finlandia) y su tema “Lose Control” (“Pierde el control”) dan un cambio radical de la tranquilidad inglesa al movimiento nórdico. Buena presentación. España y la “triunfita” Soraya Arnelas cierra esta edición con “La noche es para mí”. El juego de cámaras no le favorece, como tampoco el vestuario ni la coreografía. Su voz impecable. Con Soraya desapareciendo mágicamente, España se la juega en esta edición para superar sus malos resultados de los cuatro años anteriores. A pesar de ser bastante aplaudida, esta joven necesita clases de dicción urgente.

Finalmente el triunfo es de Noruega con históricos 387 puntos, así que el próximo año tendremos en Oslo, capital de ese país, la nueva versión del Festival. En segundo lugar Islandia, tercero Azerbaiyán, cuarto Turquía y quinto el Reino Unido. Mientras tanto, España ha quedado en el lugar 24 de 25 participantes.

Ayer fue estrenado oficialmente “Causa y Efecto“, el primer single del último disco de Paulina Rubio, que saldrá al mercado el 23 de junio, y que se convertirá en el regreso de la chica dorada a los escenarios musicales.

El lanzamiento del nuevo álbum se realizará en forma simultánea en América Latina, Estados Unidos y España, y tendrá algunas canciones compuestas por la propia Paulina, así como de Coti, Aleks Synteks, Estéfano y Gian Marco. Paulina Rubio estrenará esta nueva producción el 23 de abril de este año, cuando se presente en los Premios Billboard de la Música Latina 2009, que transmite Telemundo.

“Causa y Efecto”, el primer sencillo, fue compuesto por Mario Domm, cantautor e integrante del grupo mexicano Camila, en colaboración con Mónica Vélez, y producido por el ganador del Grammy Latino, Cachorro López.


Paulina Rubio – Causa y Efecto

Quieres gobernar mi corazón,
mi silencio y mi respiración.
Piensas que ni en sueños lograré vivir sin ti.
Te lo aviso, no funciona así.

Mientes y te crees tan especial,
sueñas que me vuelves de cristal.
Corre más de prisa a kilómetros de aquí.
Hoy decir adios me toca a mí.

Sabes que aunque te creías perfecto,
por la ley de causa y efecto,
hoy pagas por cada error.
Mira que mi amor te enciende y te enfría
como una ilusión que te espía
y te enreda por diversión.

Cambia de estrategia por favor,
que no me llevo bien con el dolor.
Creo en la energía que se mueve en espiral
y vivir en guerra me hace mal.

Sabes que aunque te creías perfecto,
por la ley de causa y efecto,
hoy pagas por cada error.
Mira que mi amor te enciende y te enfría
como una ilusión que te espía
y te enreda por diversión.

En este duelo de piel contra piel
giró la suerte y te toca perder.
Que aunque te creías perfecto,
por la ley causa y efecto,
hoy pagas por cada error.

Mira que mi amor te enciende y te enfría
como una ilusión que te espía
y te enreda por diversión.

Sabes que aunque te creías perfecto,
por la ley de causa y efecto
hoy pagas, hoy pagas…
por cada error.

La estrella de High School Musical y ex-chica Disney, Ashley Tisdale, siempre se ha destacado por su imagen intachable y alejada de los escándalos, a lo cual ella siempre alude la importancia de su familia y los valores inculcados desde pequeña. Tisdale, la cual comenzó su carrera a principios de los 90’s con pequeños roles en películas como “Donnie Darko”, musicales en Broadway y una participación en diferentes series de televisión, dentro de las que se destacan Beverly Hills 90210, 7th Heaven, Still Standing, Charmed y Boston Public, consiguiendo por esta última su primera nominación a los premios “Young Artist Award”. En junio de este año, regresa a los escenarios musicales con un nuevo disco llamado “Guilty Pleasure”.

Ashley Tisdale logró el despegue de su carrera el 2004, con reconocidos personajes en la Serie “Zack & Cody: Gemelos en Acción” y en el fenómeno de “High School Musical” como Sharpay Evans, todos bajo el alero de Disney. Durante el 2007 no sólo se conformó con su ascendente carrera como actriz, y aprovechando el suceso de HSM, Tisdale lanzó su primer álbum titulado “Headstrong” el cual consiguió ubicarse en el Top 5 de la lista Billboard 200 en los Estados Unidos, convirtiéndose en uno de los más altos ingresos por un artista de Disney. Sin embargo, la escasa promoción provocó que las ventas no se mantuvieran y no fueran las esperadas, además de recibir comentarios de todo tipo, como los señalados por algunos críticos musicales, los cuales lo llamaron “un perfecto disco de pop” o tan sólo como un simple álbum “anacrónico” por poseer un sonido que hacía recordar a la antigua época de Britney Spears. En un plano más local, en países como Chile y Brasil, Tisdale se ha convertido en un fenómeno, alcanzando altas ventas, y sus sencillos tales como “He Said She Said” y “Be Good To Me” se mantuvieron por meses dentro de las primeras ubicaciones radiales.

Hoy, después de casi dos años y medio de espera para sus seguidores, finalmente ella regresa a los escenarios musicales con un nuevo material, llamado “Guilty Pleasure” a la venta el próximo mes de junio, y según sus propias palabras, es un trabajo totalmente diferente con un sonido más “rock y maduro” y con una estética que deja totalmente olvidada la imagen más dulce y angelical de la otrora chica Disney. Tisdale ha comentado que en este álbum verán una imagen diferente más “ruda y rebelde”. “Ahora tengo veintitrés años, por lo que estoy creciendo, y yo quería algo más maduro y fuerte. Estoy empezando a mostrar una parte de mí misma que los hombres no conocen. La gente que me conoce por mis personajes piensan que soy sólo una chica rubia, por lo que ahora están por ver otra parte de mí”, dice Tisdale.

Su primer sencillo será “It’s Alright, It’s OK”, el cual contiene elementos pop rock y con una clara inspiración en artistas como P!nk y Katy Perry, tal como nos cuenta Ashley: “He sido una gran fan de P!nk desde sus inicios. Me encanta el sentido del humor de Perry y su onda Pop/Rock. Pat Benatar es también mi inspiración. Adoro su música”. El sencillo será lanzado durante los primeros dias de abril, con lo cual nos dará una primera probada de lo que se viene en esta producción. Con este trabajo, Ashley se ha dejado ver más comprometida que en su anterior “Headstrong”, y esto se puede observar en como ahora ha incursionado en la producción de las canciones como también en la composición.

Con esta nueva placa, ¿logrará su consolidación en el medio musical?,  ¿el año 2009, será el año de la señorita Tisdale, sumado a sus otros proyectos con su productora de televisión y proyecto cinematográficos?, ¿o simplemente será un nuevo fracaso y con lo cual demostrará que fue y seguirá siendo Sharpay, la chica malvada de High School Musical?, estigma que sufren muchos artistas reconocidos fuertemente por un único personaje. Esto lo veremos después del próximo 16 de junio, cuando “Guilty Pleasure” debute en las tiendas del mundo. Y te informamos que Ashley Tisdale es la artista destacada del Foro de Música Internacional en la primera quincena de abril, por lo que te invitamos a ingresar al sub-foro de Artistas Internacionales, en donde sus fans estarán realizando secciones especialmente para dar a conocer a Ashley Tisdale.

Nuevamente el trío británico Keane se presentó en Chile el pasado jueves 05 de marzo en Movistar Arena para brindar un concierto de aquellos, pero antes de referirme al evento, dejo en claro que me es difícil ser objetivo cuando estas en presencia del show de la banda de tu vida, de la banda que te entrega tanto en tres minutos de canción. Es fácil decir “fue el mejor concierto de mi vida, no hay mejor banda que ésta”, pero intentaré ser lo más imparcial posible. Dentro de lo que pueda.

Gracias a muchas personas tuve la oportunidad de estar más cerca de ellos, de poder conversar y cruzar palabras con los tres integrantes: Tom Chaplin (vocalista, guitarrista), Tim Rice-Oxley (Pianista) y Richard Hughes (baterista). Ese momento lo esperé durante tres años y debo decir que son las personas más normales que puedan existir. Disponibilidad tenían para sacarse fotos, para que autografiar tu disco, para cruzar unas palabras o simplemente para decir: “Tim, you’re master, thanks for your songs”. Con esa simple molestia de parte de ellos, lograron afianzar mi fanatismo hacia esta banda.

Muchos se preguntaron cuando vieron los afiches pegados en las calles ¿un concierto íntimo?, ¿en el Arena Santiago?… Y así fue… Todo partió a las 21:00 Horas. Los seis mil asistentes, y los que agotaron la cancha vip, se ponen de pie para comenzar a vivir uno de los shows mas entrañables que tenga memoria el Arena Santiago. Tom Chaplin se encargó de dar esa cuota de privacidad. Abren el fuego con “The Lovers Are Losing”. Tom Chaplin parado en el escenario con una guitarra eléctrica y la ovación todo el público asistente a este show. “Deja Tus Problemas Afuera” fue la frase que abrió la canción “Everybody’s Changing”, un himno de la banda que fue coreada por todos los presentes, y “Nothing in my way”, single de su segunda placa Under The Iron Sea. Luego de esta seguidilla de hits, es el turno de “Again and Again”, un tema que hace recuerdo a la época de los 80’s, con los sintetizadores a cargo del maestro Tim Rice-Oxley, dándole así un punto alto de energía al show.

Pronto vendría uno de los momentos más especiales. Se comienza a escuchar los primeros acordes de “A Bad Dream” y se escucha el grito de las seis mil almas presentes. Le sigue a esto “This is The last Time”, otro hit de la banda de Sussex, y “Spiralling”, el primer single de su nueva placa Perfect Symmetry. Después de la ovación merecida hasta ese momento del show, se apagan las luces. Un foco apuntando a Tom Chaplin que se para en el extremo izquierdo del escenario, con la chupalla que le regalaron los fans chilenos y una guitarra acústica. El grito no se hace esperar y Tom Chaplin hace reverencia con el obsequio y dice: “Ahora me siento como un verdadero chileno, esta canción es mía y de ustedes”. Comienza a tocar en acústico “Playing Along”. Luego viene el turno de “Try Again” y “Sunshine” (canción del primer disco que no tocaban desde hace mucho tiempo), completando así el triunvirato de canciones que hicieron de este concierto, el más íntimo al cual he asistido.

Luego de esto, llegarían “You Haven’t Told me Anything” y “Bend and Break”, canciones con las cuales Tom Chaplin logra la euforia de todas sus fans mediante movimientos y personificaciones en cada canción. “You Don’t See Me” fue la antesala de la bomba de hits que se aproximaban, siendo ésta, según palabras del propio Tom Chaplin: “la canción más hermosa que han grabado”.

Después de este momento romántico, comienzan los temas más conocidos del trío británico. “Perfect Symmetry” fue la primera canción que hizo retumbar al Arena Santiago, demostrando la “Perfecta Simetría” con la interpretación. Le sigue “Somewhere only we know”, que fue coreada por todos los asistentes, y “Crystal ball”, para así salir detrás del escenario dejando a todos los asistentes pidiendo más y más. Llega el momento de las tres últimas canciones del show. Ahora empieza Jesse Quinn con su bajo, comienzan a sonar los primeros acordes de “Under Pressure”, cover que lanzaron el 2007 de la mítica banda Queen. Le sigue uno de sus famosos singles “Is it Any Wonder?” en donde la cancha VIP, a pesar que era con asientos numerados, no fue impedimento para que todos comenzáramos a saltar. Y llegó el final del show, Tom Chaplin dando las gracias por la atmosfera que se creó y ese sentimentalismo que sólo él sabe lograr: “Esta canción es para ti, Chile”. “Hasta pronto, Santiago” y comienzan los acordes de “Bedshaped” y el grito de los seis mil asistentes que, a esas alturas, estaban en una “Perfecta Simetría”.

Con una puesta en escena sobria, un juego de luces íntimo y una pantalla gigante detrás del baterista Richard Hughes, fue como Keane conquistó con sus melódicas canciones y es así, como una banda logra una intimidad en un recinto tan grande para esta banda, como lo es el Arena Santiago. Ahora, el sonido quizás no fue el mejor al principio, Tom Chaplin desafinó cuando cantó “Under Pressure” y aunque no es una banda del gusto de todos, Keane creció desde su primera visita en el 2007, y como su fan, estaré esperando nuevamente que se cumpla la frase que mencionó al comenzar “Bedshaped”: “Hasta pronto, Santiago”.

Cinco años de larga espera han llegado a su fin. Como diría Danja, “nuestra muy propia princesita, ahora Reina del Pop” da el puntapié inicial a lo que es su primer tour desde hace cinco largos años. El tan esperado “The Circus Starring: Britney Spears Tour”. Desde el 06 de Junio del año 2004, que fue la última fecha del último tour mundial de Britney Spears, el “The Onyx Hotel Tour”, los fans de Spears han esperado este momento… el momento en que comience su séptimo tour cronológico y su cuarto tour mundial. Esta gira abarcará sus 8 trabajos discográficos ya lanzados, promocionando principalmente “Circus“, el último cd de la chica de 27 años nacida en McComb, Estados Unidos. Britney no puede llegar en mejor momento al inicio de su tour, ya que cuenta con dos #1 en las listas radiales de USA con sus dos primeros singles de su último trabajo, y además con un #1 y un #3 en Billboard Hot 100, la lista más importante de los Estados Unidos.

Según fuentes oficiales, Spears en este tour se mostrará mucho más diva que en las giras anteriores, pero no dejando de lado sus bailes profesionales y sus provocativos atuendos. El tour estará basado mayoritariamente en el mundo circense, con un escenario de tres rings gigantescos de circo y mucha pirotecnia, por lo que un gran show de luces nos espera. Con la gran mayoría de sus conciertos Sold-Out, Britney espera deslumbrar en un show que, desde que se anunció el año pasado, se ha convertido en el más esperado del año 2009. Mas que mal, es el gran “regreso” de Britney Spears. La princesa del pop quiere hacer un show entretenido, lleno de momentos emocionantes, con bailes y una mezcla de temas conocidos mundialmente y sus nuevos hits de su último álbum musical, destacando que, según ella misma dijo en una entrevista, quiere que sus dos pequeños hijos, Sean Preston (3) y Jayden James (2), la vean como una superhéroe. Dentro del tour nos encontraremos con grandes sorpresas, tales como una coreografía inspirada 100% en Bollywood, una coreografía con artes marciales y mucha, pero mucha magia.

El director general del tour de Britney es el ya consagrado Jamie King, quien ha realizado algunos de los más exitosos tours a nivel mundial, realizando conciertos de Madonna, Spice Girls, Christina Aguilera, Celine Dion y Avril Lavigne, entre muchos otros. King ya había trabajado con Britney, realizando su primera gira mundial, el “Oops!… I Did It Again World Tour” en el año 2000. El “Circus Tour” tiene ya agendados 36 conciertos en Norte América y 9 en Europa. En este último continente se realizarán los 9 conciertos en un sólo país hasta el momento, UK, y tiene sus 9 fechas con la totalidad de sus entradas vendidas. Sin duda algo insólito e increible para un artista. Se espera que una vez avanzadas las fechas se vayan agregando más, y según todo indica, hay muchas posibilidades de que el Circo llegue a nuestro continente sudamericano muy pronto. Sólo nos queda esperar y tener mucha confianza y mucha paciencia.

Sin duda el día de hoy quedará marcado en el calendario de los fans de Britney, ya que a las 20.00 horas de USA aproximadamente, en el New Orleans Arena de New Orleans en Estados Unidos, el “Circo” abrirá sus puertas al mundo, y nos contagiará de buena música y un gran espectáculo de esos que sólo Britney sabe hacer. Ya han salido oficialmente imágenes exclusivas de los ensayos, fotos y el Setlist del tour. Los fans de Britney en Fotech estarán haciendo una maratón de 24 horas para esperar el tour de Britney. Sólo resta esperar, y tener confianza en que se viene el, que según todo indica, será el mejor tour de la carrera de Britney Spears. ¿Cómo lo sabremos?… Pronto te traeremos nuevas noticias, así que sigue atento a Fotech.cl, y entusiásmate con el Circo de Britney Spears.

Una fomísima obertura fue la encargada de abrir la noche. Una bailarina de ballet bajó del “cielo” con una luminosa vara a ser entregada al un loco director de orquesta. Mientras rondaba sobre el escenario, las pantallas mostraban notas musicales y buenos efectos digitales, acompañados de fuego y humo. Pero todo aburrido, esperando a que surgiera algo más entretenido. Mal que mal, era la última noche de la 50ª versión del Festival Internacional de la Canción de Viña Del Mar. Luego de esto, Felipe Camiroaga besó cariñosamente a Soledad Onetto. Fue similar al beso de la noche anterior, cerca de los labios y por la zona del mentón. Extrañamente se hizo un resumen de las noches anteriores, cosa que antes no se había visto.

El trío chileno “Natalino” cantó los pocos éxitos que tiene, un par de canciones ene-ene y un viejo tema: “De amor ya no se muere”, de Gianni Bella. Luego de interpretar su más conocido single “Desde que te vi”, por el que se hicieron conocidos en España al musicalizar escenas de la recordada teleserie “Machos”, recibieron la antorcha de plata y oro. Y ya para cerrar su corto show (terminó pasadas las 23:00 hrs.) repitieron “Ángel del pasado” y la canción que los hizo conocidos. Esta última parte fue una especie de karaoke, donde el público coreó completamente ambos temas. Y sería… No se les podía pedir más.

Se presentaron las canciones finalistas de la competencia internacional, de la que se conocerían los resultados minutos más tarde: “Ayer te vi” representando a Argentina, “Mi alma entre tus manos” por Perú y “Dilo de una vez” representando a Costa Rica. Insisto en que esta última canción, a mí gusto, debería ganar. Es la más “oreja” de las tres.

El ganador a mejor intérprete resultó ser: Guillermo Fernández, representante de Argentina por el tema “Soy tu ángel”, quien se llevó premio en dinero junto a la gaviota de plata y la lira de oro. Bien ganado. Tenía la tremenda voz. Y la canción de oro fue: “Ayer te vi”, también de Argentina. Los premios fueron los mismos que para el intérprete. Era muy probable que ganara esta canción, ya que contaba con el respaldo de su autor, Víctor Heredia. A pesar de todo, sigo prefiriendo el tema de Costa Rica.

Llegaba el último artista de la noche, y por ende de este Festival: Marc Anthony. Lejos, pero lejos, el más exitoso de todos los que estuvieron en Viña este año. El “monstruo” lo amó. Cantó y bailó en todo momento. Coreó hasta los temas que no son tan radiales. Y él se emocionó por todo lo que estaba viviendo. Hasta besó el piso. La Quinta Vergara tuvo su verdadera fiesta. Farkas bailó con la alcaldesa. Catherine Fulop le regaló un peluche. Una niña fue la afortunada de bailar con Marc en el escenario. En definitiva fue un show demasiado completo. Tuvo de todo. Sólo faltó Jennifer López para que interpretaran juntos “No me ames”. Una lástima. Desde un comienzo era sabido que se llevaría las antorchas y la gaviota, pero no que le darían todo tan rápido. El público gritó por la gaviota de oro, pero ya no existe. En todo caso podrían haber accedido a darle una lira de oro, por último. Sin duda, un buenísimo cierre para este festival, que, al igual que la primera noche, fue de menos a más.

El Bafochi fue nuevamente el encargado de abrir la quinta noche de esta edición del Festival de Viña del Mar. La presentación tuvo como temática el norte de nuestro país, acompañada con música de neo-folklore chileno. Como siempre, el Ballet Folklórico de Chile estuvo notable, pero no tanto como el del día anterior. Al finalizar se escuchó en un momento al público pedir la antorcha, sin conseguir su objetivo. Aparecieron los animadores y Soledad Onetto le dio un “cuneteado” beso a Felipe Camiroaga, que le quedó marcado en la cara. El mejor de los que se han dado durante esta semana.

Luis Fonsi tuvo una exitosísima presentación. Interpretó todos sus éxitos, comenzando por la antigua canción “No te cambio por ninguna”. El “monstruo” coreó todos sus temas, pero sobre todo “Quién te dijo eso” y, por supuesto, nadie se quedó sin cantar su último gran single “No me doy por vencido”. El show incluyó temas románticos y otros más movidos, donde sus bailarinas fueron de gran apoyo en la presentación. Buen espectáculo. Como era de esperarse consiguió el triple pack de premios festivaleros.

Fue el momento de que las canciones finalistas de la competencia folclórica fueran escuchadas por los presentes en la Quinta Vergara y todos los televidentes. Comenzamos con Colombia con “Me duele el alma”, seguimos con Argentina y “Bailando con tu sombra, Alelí”, y terminamos con el tema chileno “Cuecas al Sol”. Creo que ganará la canción argentina, ya que tiene el respaldo de su autor Víctor Heredia. Por mí que gane el tema chileno, que lo encuentro bastante bueno.

También se presentaron las canciones semifinalistas de la competencia internacional: “Ayer te vi” (Argentina), “Mi alma entre tus manos” (Perú) y “Dilo de una vez” (Costa Rica). Esta última es lejos mi favorita.

Pasamos a los resultados finales de la competencia folclórica: mejor intérprete resultó ser la chilena Camila Méndez, quien participó en el desaparecido programa de TVN “Rojo, Fama Contrafama”. Recibió premio en dinero junto a una gaviota de plata y la lira de oro, premio especialmente elaborado para la versión número 50 de este Festival. Por otro lado la mejor canción fue “Cuecas al Sol”… ¡también de Chile! Aquí es cuando se empieza a cuestionar si un país participante puede obtener más de un premio. A mí gusto sí, siempre que los gane justamente, tal como los deportistas olímpicos que pueden obtener muchas medallas de oro sin mayores cuestionamientos. Ahora, el problema en este caso es que quien juega de local fue quien se llevó ambos premios. Probablemente se hable del tema en los otros países. Para cerrar esta etapa, Camila y sus músicos interpretaron el tema ganador, mientras los animadores anunciaron ir a comerciales.

Ya para terminar la noche comenzó la presentación de Daddy Yankee, con un video donde apareció Don Francisco saludando al público y presentando al reggaetonero. Prácticamente todas las canciones que cantó eran más que conocidas. Bailadas y cantadas por todos. Nuevamente interactuó mucho con el público asistente. Jugó con los niveles del recinto (el segundo nivel era galería y el primero todo lo demás), invitó a repetir el movimiento de celulares hecho el 2006 con el ya popularizado tema “Limpia parabrisas” y además realizó una nueva acción muy parecida: mientras repretía “flash-foto” el “monstruo” tomaba fotos y los flashes iluminaron la oscura Quinta Vergara. Se ganó ambas antorchas. Luego de esto se mostró en pantalla un video con imágenes de chilenos que trabajan en la calle, para después interpretar la canción “Somos de calle”. Infaltable en el repertorio era el éxito “Llamada de emergencia”. Ya cuando estaba despidiéndose dijo unas “profundas” palabras: “Chile… Daddy Yankee es de ustedes hasta la muerte”. Le dieron la gaviota. Estaba dejando el escenario, pero la gente quería que el show continuara. De hecho querían gaviota de oro. Siguió cantando, cortaron las transmisiones televisivas y el puertoriqueño permaneció en el escenario sólo por unos minutos más. Mientras el “monstruo” seguía pidiendo que regresara al escenario, en radio Cooperativa confirmaban que Daddy Yankee había abandonado el lugar. Tal vez cuánto rato más estuvo la gente gritando. Aunque tenían motivos más que suficientes para hacerlo: fue uno de los mejores números de este Festival.

Hermosa fue la obertura de la cuarta noche de Festival. Para quienes gustan del folklore, lo de anoche fue una excelente muestra de lo diversa que es nuestra cultura, presentado en las distintas danzas y melodías que recorren nuestro largo país. Y quienes no disfrutan de él, no podrán decir que fue un mal número, pues hubo mucha coordinación y buenos músicos sobre el escenario. De lo mejor que se ha visto en Viña. Lástima que al Bafochi, esta vez, no le dieron antorcha.

Finalizada esta presentación, aparecieron los animadores: Soledad Onetto y Felipe Camiroaga, ambos con trajes oscuros. “Guatearon” con el beso: Soledad bromeó con la mejor parte del cuerpo que podría besar en Felipe, y eligió el cuestionado pulgar, que estaba con una cara sonriente dibujada. Poco preparado.

El grupo británico “Simply Red” decidió despedirse de los escenarios en esta quincuagésima versión del certamen (supuestamente). Son muchos los éxitos de esta banda, y fue con ellos que lograron cautivar al público. En realidad el “monstruo” siempre estuvo prendido con ellos, y aún más lo estuvo al cantar temas como “Stars” y “Something got me started”. No conocía mucho de ellos, pero al escuchar las canciones, me di cuenta que varias conocía. Además, el vocalista estuvo impecable, al igual que los músicos. Me gustó mucho todo. Obviamente se ganaron el triple pack de los premios, y muy bien ganado. Al momento de despedirlos definitivamente del escenario, el público pifió y pifió, a más no poder. Los animadores estuvieron complicados, pero utilizaron la salida más fácil: ir a comerciales.

Al regresar, presentaron al jurado folclórico entre pifias y gritos. Onetto pidió comprensión y respeto, hecho que se ha demostrado a través de los años que no es una buena técnica. A pesar de esto, comenzó la competencia con Colombia y el tema “Me duele el alma”. Sólo hubo otra participación después de ésta: Argentina con “Bailando con tu alma, Alelí”. Las pifias estuvieron presentes durante todo este segmento.

Continuando con la incómoda situación para los animadores, siguió algo más desastroso. El jurado internacional Paolo Meneguzzi ya estaba sobre el escenario listo para cantar, pero su guitarra no sonaba. Los animadores hablaban rellenando mientras se intentaba solucionar el problema. Cuando se solucionó el problema, Meneguzzi no encontró nada mejor que preguntar: “¡¿Cantamos?!”, recibiendo una clara, contundente y no sorprendente respuesta: “¡No!”. No tomó en cuenta la respuesta y cantó igual. Hizo un mix de sus éxitos conocidos en Chile, mientras en pantalla aparecía a ratos la cara de Raquelita “Kel” Calderón, a quien se le relaciona con Paolo por estos días. Terminó cantando el tema “Aria, ario”, con el que ganó el Festival en 1996. Las pifias continuaron. Varios deben haberse sumado a éstas por lo pésimo que cantó. No me acordaba que cantara tan mal. Para peor, Soledad Onetto le pregunta si puede cantar una canción más, y el “monstruo” nuevamente grita “¡No!”. Me extraña que siendo tan matea no haya sabido que en circunstancias como éstas no se deben hacer preguntas. Ley que todo animador debería saber. El italiano interpretó “Tú eres música”, su último single, y se fue.

Comenzó la competencia internacional con la presentación del jurado. Catherine Fulop, recién coronada como reina del Festival, casi se cae de espaldas al saludar al público mientras se ponía su corona, siendo salvada de este chascarro por Fernando Ubiergo y Bastián Bodenhöfer. Italia fue el primer país participante con “La Guerra de los treinta años”. Seguimos con “Costa Rica” y ”Dilo de una vez”, España con “Este amor es tuyo” y “Argentina” con “Soy tu ángel”. Al término de la competencia, las pifias se habían acabado. El “monstruo” estaba tranquilo.

El trío humorístico Manpoval tuvo una presentación discreta. Comenzaron abajo y en un momento la Quinta Vergara los siguió en sus chistes. Pero creo que el exceso de doble sentido les comenzó a jugar en contra. Vasco Moulián, a quien vimos en pantalla, debe haber estado con ataque en palco. Sacaron buenas carcajadas en los presentes, pero ya para el final su rutina se tornó aburrida y las pifias empezaron a revivir. Así que se despidieron en el momento preciso. Soldado que arranca sirve para otra guerra. No ganaron premios.

Las canciones clasificadas para la final de la competencia folclórica fueron: “Bailando con tu sombra, Alelí” (Argentina), “Me duele el alma” (Colombia) y “Cuecas al Sol” (Chile). En la competencia internacional tenemos a: “Ayer te vi” (Argentina), “Dilo de una vez” (Costa Rica) y “Mi alma entre tus manos” (Perú). Mal con estas últimas. Faltó el tema español “Cuando quieras volver”. En fin, ojala gane la canción costarricense.

Para cerrar la noche tuvimos al dúo reggaetonero RKM y Ken-Y. Como buenos representantes de su estilo, el show contó con bailarinas moviéndose desenfrenadamente, saludos a Jesucristo, fuego, papel picado y, por supuesto, conocidos temas de reggaetón, como “Ton ton ton” y “Me matas”, entre muchos otros. Tienen canciones bien romanticonas y otras para elevar la temperatura. Subieron al escenario a una joven, que ha de ser la más envidiada de la noche, a la que Ken-Y le cantó una canción. Otro momento especial fue ver a este mismo integrante del dúo tocar el piano cubierto por pétalos de rosas. Fue un show buenísimo. La gente continuó bailando luego de que consiguieran las antorchas y la gaviota y las transmisiones televisivas terminaran. Gran espectáculo.

Esta noche fue demasiado buena en términos televisivos como festivaleros. El “monstruo” despertó y fue el gran director de la noche. Se agradece, porque ya estábamos aburridos de que se entregaran tantos reconocimientos y no pasara nada muy emocionante. Los animadores estuvieron en aprietos, se enredaron al hablar, preguntaron cuando no debían, en fin. No pasaron bien la prueba. En todo caso, tienen dos noches para recuperarse.

Tenía que suceder tarde o temprano. El llamado ”monstruo” disfrutaba de la sensacional puesta en escena del grupo británico Simply Red, la cual sin lugar a dudas ha sido la mejor presentación en lo que lleva este festival, pero tras no ser escuchado, despertó con una terrible furia. Pero… ¿Cómo no iba a despertar si quedaron muchos éxitos en el tintero?

Fue tal la pifiadera que hasta Soledad Onetto reprobó: su nerviosismo no pasó la prueba. La vimos lucirse las noches anteriores con fluidez y simpatía, pero al presentar la Competencia Folckórica, vaciló, leyó casi de corrido y no tuvo un segundo de espontaneidad, la cual le caracteriza. Inclusive en vez de decir “Competencia” dijo “Conferencia”, sencillamente para el recuerdo. Camiroaga por su parte, atinó a disculparse, bien o mal, tenía razón, el grupo había desmontado su equipo, ¿pero pedir perdón? Estaba demás. Titubeó, pero pasó mejor la prueba que Onetto. De algo deben pesar los 21 años de trayectoria.

Las pifias continuaron luego de la Competencia Folckórica y si realmente en TV escucháramos el sonido real de la Quinta, como se oía en Radio Cooperativa, no habríamos oído nada de nada. Menos mal que aún recordamos y cantamos los pocos éxitos de Paolo Meneguzzi, que de no usar el mix de canciones, habría sido presa del monstruo. Pero tampoco bastó su escaso repertorio, a la primera pausa, Onetto osó en consultarle al público y el ¡No! se escuchó hasta en la Antártica. Se salvó porque en la galeria estaba repleta de mujeres, de lo contrario habría pasado a la historia en ser el primer artista en nacer y morir en Viña del Mar. Una lástima, no se llevó ni una antorcha, y eso que las regalan a cualquiera que pise la Quinta.

La tercera noche comenzó con un recuento de imágenes históricas del festival, centrándose en el humor, desde grandes triunfos, como el de Gloria Benavides interpretando a La Cuatro o el triste paso por el escenario de la Quinta Vergara de Vanessa Miller, que personificaba a una nana caracterizada de muñeca Barbie. Una voz en off presentó a los animadores. Soledad Onetto vistió de rojo y Felipe Camiroaga de gris. La verdad es que en estas tres noches se han vestido sin mayor deslumbre. Muy sobrios ambos.

Carlos Santana tocó la guitarra como sólo él sabe. Fueron muchos temas de distintos estilos, algunos apoyados con el canto de alguno de los miembros de sus músicos. El público se mostró entusiasmado con su música, pero creo que se debió más a su talento y trayectoria más que al show que estaba ofreciendo. De hecho fue cuando tocó la melodía del tema “Corazón espinado”, popularizado por “Maná”, que el “monstruo” prendió realmente, al punto que le otorgaron las dos antorchas a la vez. Notable el momento en que Alejandra Fosalba y Soledad Bacarreza subieron al escenario a bailar al ritmo de “Smooth”. A pesar de lo anterior, creo que fue un exceso haberlo tenido en el escenario cerca de dos horas, ya que no es un artista del que escuchemos su música en el día a día en radios o televisión y va dirigido a un público más específico. Pero bueno, el “monstruo” es quien manda y pidió la gaviota que fue concedida.

Perú fue el país en abrir la competencia folclórica de la noche, con el tema “Tusuykusun”. Chile fue el encargado de cerrarla con “Canción de agua y viento”. Me quedo con el tema peruano. La canción chilena es muy lenta.

Lo que vino a continuación fue realmente bizarro: Leonardo Farkas en el escenario. Y hay que reconocer que, quiéralo o no, se robó la tercera noche, pues todo el mundo debe estar comentando su “espectáculo”… Comenzó tocando el teclado con distintos efectos siguiendo la melodía de “El sueño imposible”, para seguir cantando “We will rock you” apoyado por el “monstruo”. Y ojo que lo anterior incluyó bailarinas y la evolución de un frac a un traje brillante de horrendo gusto. También el maestro Horacio Saavedra tuvo que ser parte de este chistoso y freak momento, al ponerse una crespa peluca amarilla sobre su calva cabeza. Luego vino una interpretación del tema “Qué será” y un desafinado cierre “orquestado”. Un no muy convencido público pidió que regresara al escenario. Considero que fue evitable su regreso. La cosa es que al volver cantó el clásico tema “El rock del mundial” y fue con eso que realmente el “monstruo” prendió y pidió la antorcha. Lo bueno es que sólo le dieron eso. Lejos, pero lejos, lo más insólito que he visto en años de festival. Un excéntrico millonario cumpliendo su sueño en este certamen. Me reí harto. Fue la previa para el verdadero show de humor que vendría más tarde.

“Cuando quieras volver”, un tema español en competencia y de mis favoritos para ganar la competencia internacional, fue el inicio de esta parte del evento. Continuó con “Ayer te vi”, tema de Argentina, la canción chilena “Tus ojos” y “Mi alma entre tus manos”, representando a Perú. Estos últimos tres temas, a mi gusto, no tienen por dónde competir con el primer tema interpretado hoy.

Fue el turno de “Dinamita Show”. El dúo se volvía a reunir luego de años de seguir sus carreras por separado después de tener conflictos entre ellos. Apelaron a sus problemas para causar risas: el Flaco involucrado con las drogas (cárcel incluida) y el Indio con su diabetes. Jugaron con su reencuentro como si fueran una pareja amorosa, y lo mezclaron con tintes de actualidad y chistes antiguos (como “mi mamá me los compró”, “combos iban, combos venían” y “los indios con los españoles”). Cuando “terminaron” su show, con un excéntrico baile del último éxito de Gloria Trevi, faltó el remate. Les dieron la antorcha de plata, y luego de un juego del Flaco aludiendo a que ellos eran dos y el reconocimiento era uno, la antorcha de oro llegó a sus manos. Ya para la verdadera última parte de la rutina, molestaron a Leonardo Farkas (que claramente se prestó para el juego) y le dedicaron una canción. Como era de esperarse la gaviota se hizo presente.

El último en salir a escena fue el británico Roger Hodgson, líder de la antigua banda de rock progresivo “Supertramp”. Si bien no tiene tantas canciones conocidas, el intérprete entregó un show sólido en materia artística que deleitó a sus fanáticos. Temas como “It’s raining again” y “Give a little bit” encendieron al público que iba quedando en la Quinta. Pero aún así el “monstruo” lo premió con el triple pack. A diferencia de las noches anteriores, la finalización de la jornada fue, en este caso, más apagada.

Ahora sí hubo obertura. ¡Y de las mejores! Si bien fue un show serio y no tan “espectacular” como suele ser, el público escuchó y vio con respeto la presentación, marcada por música oriental, ballet, un dúo acrobático y la voz de Verónica Villarroel. Esta última consiguió el triple pack de los premios: antorcha de plata, antorcha de oro y gaviota de plata. Y bien ganado, porque fue realmente a otro nivel.

Luego, Felipe Camiroaga, mucho más relajado que la noche anterior, besó en el cuello a Soledad Onetto, provocando el grito de las mujeres del “monstruo”. La deuda del día anterior quedó saldada.

Juanes fue el encargado de encender a la gente con sus éxitos como “A Dios le pido”, “La Camisa Negra” y “Me Enamora”, entre muchísimos otros. No recordaba que este colombiano tuviera tantos singles populares. Todos cantaron, saltaron, bailaron y corearon sus canciones. Era el favorito del “monstruo”. Por supuesto que se llevó los tres reconocimientos. Fue un show redondito.

La competencia folclórica fue escuchada con respeto. No hubo mayores pifias por el abandono de Juanes del escenario. Sólo se escucharon algunas cuando fue el turno de Argentina con el tema “Bailando con tu sombra, Alelí”. Nada nuevo. La otra participación fue de Chile, con el tema “Cuecas al Sol”, interpretado por la ex Rojo, Camila Méndez.

Luego fue el turno de Fernando Ubiergo. La verdad es que fue inesperado lo que ocurrió. La recepción al comienzo fue bastante tibia. En galería muchos sentados y aburridos. Pero al cantar el tercer tema, “El tiempo en las bastillas”, acompañado por “Difuntos Correa”, el público se puso de pie y coreó el tema, que volvió a hacerse popular en las nuevas generaciones gracias a la serie “Los ‘80”. No quería seguir cantando para no retrasar el show, pero el “monstruo” fue más fuerte, así que regresó a cantar un par de temas más. Ahora sí se iba. Todos los instrumentos desconectados. Él no volvía. Los animadores en aprietos. El público quería más. Al final, terminó cantando un tema nuevo sólo acompañado de su guitarra. Las antorchas y la gaviota se quedaron cortas para tal artista.

En la competencia internacional se escucharon las canciones de Italia (“La guerra de los treinta años”), Costa Rica (“Dilo de una vez”), España (“Este amor es tuyo”) y Argentina (“Soy tu ángel”). Las cuatro canciones son bastante buenas, pero mis favoritas son la italiana y la de Costa Rica. De hecho, muchos en galería cantaron esta última.

Ya para cerrar la noche fue el turno de KC and The Sunshine Band. Debo reconocer que me reí mucho con el cantante. Y no es que sea comediante, sino que se movía tanto y algo descoordinado con sus bailarinas que no fui el único divertido en galería, sobretodo cuando se cayó. Un grupo de jovencitas estadounidenses estaban felices viendo a su artista. Varias personas habían dejado el lugar, pero los que se quedaron bailaron al ritmo de “Shake your booty” y “That’s the way I like it”, entre otros temas más movidos, y cantaron con “Please don’t go”. Triple pack también para él.

La noche estuvo muy buena. Mucho mejor que la anterior. Se saldaron las cuentas pendientes. Los animadores más relajados y enfrentándose al “monstruo”. Esperemos que esto siga así. Siempre en alza… ¡Se me olvidaba algo! Aún espero el sandwich prometido por Farkas. Estoy indignado.

Con imágenes de momentos históricos del país, de la televisión chilena y del certamen viñamarino comenzó la primera noche del 50º Festival Internacional de la Canción de Viña Del Mar. Estoy seguro que usted, al igual que yo, también esperó que salieran a escena bailarines, acróbatas, mimos y artistas “alternativos”, como ha sido la tónica de los últimos años. Sin embargo, eso nunca ocurrió. Discretamente, desde un costado del escenario, aparecieron Soledad Onetto y Felipe Camiroaga sobre una clásica “victoria”, de ésas que están presentes en la Plaza Vergara. Él se baja primero y se apronta a ayudar a su compañera a descender, pero el “chofer” del pintoresco carruaje se adelanta y comienza a irse con Soledad en el carro. Ella alerta al conductor para que se detenga, para luego ser bajada en brazos por Felipe. Continuaron con palabras emotivas, de agradecimiento mutuo y al público. El cariño del público, especialmente por Felipe Camiroaga, se hizo notar en una fuerte ovación y en gritos femeninos.

Cabe destacar la formalidad de ambos animadores en comparación con Tonka Tomicic y el hiperventilado Sergio Lagos, lo que considera no sólo la vestimenta (ella con un largo vestido oscuro que sería cambiado más tarde por un intenso verde, y él con un elegante frac), sino también la forma de expresarse y comunicarse con “El Monstruo”. Pasaron la prueba en forma correcta. Eso sí, quedaron en deuda con el beso: fue sólo en la mano.

A continuación se realizó el anticipado homenaje a Antonio Vodanovic, animador del Festival durante más de veinte años y tal vez, el representante máximo del evento. En realidad no fue un homenaje, sino su despedida más formal del escenario de la Quinta Vergara. Habló bastante, al punto de aburrir en un momento, pero se ganó ese tiempo, el que fue acompañado por el cariño y respeto del público, quién lo reconoció con una antorcha de plata. Pidieron la gaviota, pero no fue otorgada.

¡Y comenzó el show! El primer artista sobre el escenario fue el catalán español Joan Manuel Serrat. Fue bastante discreta su participación. Cantó sus clásicos temas, como “Cantares” y “Penélope”, este último re-popularizado en los ‘90 por Diego Torres, y se fue. Consiguió la antorcha de plata y sería. Hubo algunas pifias cuando comenzó con los discursos, pero nada impactante.

En la competencia folclórica se presentaron los representantes de Chile y Perú, quienes compiten por la Lira de Oro y la Gaviota de Plata, junto a las últimas canciones ganadoras del certamen. Como era de esperarse, los peruanos recibieron tibias pifias al momento de ser presentados, pero no pasó a mayores.

El trío mexicano Camila fue sin duda un éxito. Si bien no cuentan con una gran trayectoria, sí poseen varias canciones excesivamente románticas (mamonas) que suenan mucho en las radios nacionales. Para qué hablar de “Sólo para ti”, ya grabada en nuestras mentes gracias a Edmundo Varas y las reiteradas veces que cantó el tema dentro y fuera de “Amor Ciego”. Seguro que Edmundo ahora le dedicó los temas a “Kel”, quienes fueron captados por las cámaras sentados juntos en los primeros asientos. Arrasaron con los premios: se llevaron la antorcha de plata, la de oro y la gaviota de plata.

El espectáculo continuó con la competencia internacional. Notable el momento en que Leonardo Farkas, miembro del jurado, se pone de pie para saludar al público como lo hace el jurado tradicionalmente, pero esta vez, él se sube a la silla y es ovacionado. Increíble el cariño de la gente. La competencia, para variar, pasa sin pena ni glora en transmisión, aunque debo reconocer que el tema español es mi favorito. Es un tema muy “oreja” y el año que ganó también lo apoyé. Recuerdo haberlo escuchado en la radio días después de finalizado esa edición del festival.

Para cerrar la noche, llegó lo más esperado en galería: “La Noche”. El grupo tropical chileno cantó sus éxitos, como “Que nadie se entere” y “Lástima”, y encendió a todo el “Monstruo”. A pesar de la hora, que no era tan tarde como acostumbra a ser, en palco aún había gente esperando al grupo. Por supuesto bailaron y cantaron con ellos, y les respondieron cada vez al decir la frase “Te lo dice… La Noche”. Cuando ya no le quedaban más temas conocidos, y para despedirse finalmente, hicieron un mix con los temas interpretados anteriormente. Algo así como un bis de larga duración en que pocos se aburrieron. Al igual que Camila, consiguieron ambas antorchas y la gaviota de plata.

Extrañamente la jornada duró menos que lo habitual. En resumen, fue una noche de menos a más, que fue prendiendo de a poco, con artistas de estilos musicales completamente distintos pero que lograron motivar a un mismo gran público. Esperemos que los animadores se relajen un poco y escuchen más al “Monstruo”, y que hoy, en la segunda noche, nos concedan el beso en deuda y presenten la obertura perdida.

El público del lugar y nosotros, los televidentes e internautas, seguiremos esperando la Gaviota de Oro para “Anthony” y el beso de los animadores.

Y llegó el día para dar inicio al 50º Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. Durante seis noches disfrutaremos de este esperado certamen veraniego del que, quiéralo o no, todos terminamos viendo y opinando, incluso aquellos rehacios a la televisión abierta. Y es que el Festival de Viña, junto con la Teletón, son tal vez los dos eventos televisivos que son parte de la tradición chilena.

Para esta nueva versión del Festival, mucho se rumoreó sobre los invitados y su trayectoria. La organización quería traer a algunos emblemáticos de los cincuenta años del certamen, pero finalmente no se pudo invertir en ellos. También se habló de algunos más vigentes. Tampoco se llegó a acuerdo. Entonces, ¿qué nos ofrece el Festival este año? Además de las clásicas competencias folclórica e internacional, se presentarán sobre el escenario de la Quinta Vergara variados artistas para todos los gustos y edades.

El encargado de abrir la primera noche es el cantautor español Joan Manuel Serrat. Junto a él, estará el romanticismo de los mexicanos “Camila” y el ritmo tropical de “La Noche”. Continuamos el martes con el colombiano Juanes, el chileno ganador del Festival el año ’78 Fernando Ubiergo y los estadounidenses que harán bailar a la Quinta “KC and The Sunshine Band”. La tercera noche estará a cargo del maestro de la guitarra Carlos Santana, el regreso a Viña del dúo humorístico “Dinamita Show” y el ex integrante de la banda “Supertramp”, Roger Hodgson. El jueves estará marcado por la presencia de Simply Red, el humor de “Manpoval”, los éxitos del italiano ganador del Festival el año ‘96 y miembro del jurado Paolo Meneguzzi, y el reggaetón del dúo puertoriqueño RKM y Ken-Y. Y siguiendo con los cantantes de Puerto Rico, el viernes se presentarán el romántico Luis Fonsi y el reggaetonero Daddy Yankee. Finalmente, para cerrar este certamen, contaremos con la presencia del trío chileno Natalino y todo el sabor de Marc Anthony.

¡No te quedes fuera! Se nos viene una semana llena de música y grandes artistas, y por qué no decirlo, de opinología, chismes, copuchas y un sinfín de entretelones. ¿Será Catherine Fulop la nueva reina? ¿Llegará Marc Anthony con Jennifer López? ¿Serán Soledad Onetto y Felipe Camiroaga mejor evaluados que Tonka Tomicic y Sergio Lagos?.

Entérate de todo aquí, en Fotech, el Portal de Televisión y Espectáculos de Chile.

Primicia de Fotech.cl. Dicen que cuando el río suena es porque piedras trae. En este caso, cuando los rumores suenan, es porque Britney Spears viene a Chile. Los fanáticos chilenos de la “legendaria princesa del pop” estuvieron esperando esta noticia desde que se anunció que la cantante empezaría una nueva gira mundial con su nuevo trabajo de estudio, Circus, lanzado a comienzos de diciembre del año pasado. Britney Spears nunca se ha acercado a Latinoamérica con sus tours, pero todo indica que con el “The Circus Starring: Britney Spears” sucederá lo impensado.

Todo comenzó en las primeras horas del día de los enamorados, cuando en HeyBritney.com, una página oficial de fans latinoamericanos en asociación con Sony BMG, publicó que venían sorpresas de Britney para Latinoamérica. La primera pista que dieron daba a conocer que Britney llegaría a México con su nuevo tour. Y luego, una fuente cercana, quien prefirió mantener su identidad en reserva, agregó que las negociaciones con Chile estaban cerradas y que se confirmaba la visita de Britney a nuestro país con su nuevo tour.

Las entradas estarían a la venta aproximadamente por abril o mayo, y tendrían preferencia los clientes del Banco de Chile. Por lo tanto, quienes quieran conseguir un buen puesto tendrán que estar muy atentos, ya que en UK Britney ha agotado, nada más ni nada menos, que nueve fechas en menos de un mes.

Britney Spears ha resucitado como un ave fénix desde mitades del 2008 en adelante, y nada parece detenerla. Pronto a estrenar su nuevo single y video, “If U Seek Amy”, que tiene a los Estados Unidos revolucionados con el juego de palabras de la pegajosa canción. La cantante inicia este tour con el pie derecho el día 03 de Marzo en Lousiana, EE.UU., con su sexto CD de estudio, “Circus”, que llegó al número 1 en las listas del Billboard, y con su single “Womanizer” que pasó desde la posición 96 a la 01 en el Billboard Hot 100, posición que Britney no alcanzaba desde Baby One More Time.

Por ahora, sólo resta esperar la confirmación oficial de que el “Circo de Britney” llega a Chile por parte de BritneySpears.com y de Sony BMG, pero se puede decir que en vez de tomarlo como un rumor, hay que empezar a juntar dinero y a estar atentos, ya que las entradas de seguro se agotarán de un minuto a otro, y Fotech.cl te trae la exclusiva. Is Britney, Bitch!

En el 2006, la desaparecida revista online Stylus describía el debut de Lily Allen, Alright, Still, como un disco pop para gente que odia la música pop. La chica hype de ese año, el placer culpable de todo indie, y la revelación nacida en MySpace más celebrada y elevada por los medios, vuelve a la carga con su segundo álbum, It’s Not Me, It’s You.

Alright, Still fue un disco que vendió millones y sedujo a moros y cristianos. Pero dejando de lado sus mejores atributos, “LDN” y “Smile”, fue una aventura adolescente que no ofrecía nada nuevo bajo el sol. Abandonando el vintage y desechando a Mark Ronson (uno de los responsables del sonido Alright, Still y con Back to Black de Amy Winehouse entre sus mayores logros), Allen decide trabajar únicamente con Greg Kurstin en la producción, dando un salto enorme respecto de su predecesor. Se diversifica musicalmente, consiguiendo un álbum más pulido, ecléctico y sofisticado, explotando con inteligencia y talento todo lo que su exquisito registro vocal permite. It’s Not Me, It’s You ofrece consistencia, frescura y encanto de principio a fin. Basta un par de esuchas para contagiarse con “Everyone’s at It” -un llamado de atención al consumo y dependencia de las drogas-, y ese galopante experimiento country pop que es “Not Fair”. El single de presentación, “The Fear” es una irónica observación acerca del miedo a la superficialidad de los famosos y la sociedad en general (Soy un arma de consumo masivo / y no es mi culpa, es como estoy programada para funcionar), y da cuenta de las habilidades de Allen y Kurstin en la composición.

It’s Not Me, It’s You es pop de tomo y lomo. Y uno de sus mayores méritos es sonar diferente y especial en cada corte. No hay repeticiones ni agregados. La ensalada de estilos que propone Kurstin funciona, engancha y crece con cada escucha. Lily Allen suena versátil, se muestra más madura en sus letras (No trato de decir que huelo a rosas / pero cuándo nos vamos a cansar de poner mierda en nuestras narices), más intimista y por momentos desesperanzada (Es tristre pero es verdad como la sociedad dice / que su vida ya ha terminado, reflexiona en “22”), con una perspectiva más seria sobre su realidad, que parece un tanto oscura en su propio mundo, pero sin perder ese espíritu adolescente que parece indeleble en ella.

Desde la electrónica de “Everyone’s at It”, pasando por el eurodance en “Back to the Start”, el country de “Not Fair”,  la simpleza de “Him” que suena muy adulto contemporáneo -muy radio Play-, la irreverencia de “Fuck You”, hasta las reminisencias de los años 40 en “He Wasn’t There”, dan como resultado un ejercicio de pop impecable del que debieran tomar nota muchas de sus contemporéneas.

La segunda entrega de Lily Allen no es ninguna sorpresa dirán algunos. Ya lo hizo con Alright, Still. Pero la evolución que manifiesta esta chica a sus 23 años y corta trayectoria es admirable. No sólo lanza un disco de pop fino, sólido y abundante en matices, si no que deja de ser una entretención de verano. It’s Not Me, It’s You sí es una sorpresa. Una de las buenas. Y aventurándose un poco, uno de los mejores discos que escucharemos este año.

La versión número 51 de los Grammy, realizada en el Staples Center de Los Angeles, coronó ayer domingo a Robert Plant y Alison Krauss con cinco galardones, entre los que se encuentran álbum del año por “Raising Sand”, grabación del año por el track “Please Read The Letter”, mejor colaboración pop por “Rich Woman”, mejor colaboración country por “Killing The Blues”, y mejor álbum contemporáneo/folk por “Raising Sand”. Una noche redonda para uno de los álbumes con las mejores críticas del 2008.

Otros ganadores de la jornada fueron los británicos Coldplay, quienes se llevaron el Grammy a mejor álbum rock por “Viva la Vida or Death and All His Friends”, y dos premios por el single “Viva la Vida”: Canción del año y mejor interpretación por dúo o grupo.

Por su parte, Lil Wayne, quien llevaba la delantera con ocho nominaciones, terminó la noche con cuatro premios Grammy: Mejor álbum de rap por “The Carter III”, mejor interpretación rap solista por “A Milli”, mejor canción rap por “Lollipop”, y mejor interpretación por dúo o grupo rap por “Swagga Like Us”.

No fue una noche de sorpresas pero sí de emociones. Se esperaba lo de Plant y Krauss, y también el premio que obtuvo Adele como mejor artista nueva. Otros ganadores fueron Duffy con “Rockferry” como mejor álbum pop; el single “Sex on fire” de Kings of Lion por mejor interpretación rock por dúo o grupo; y Radiohead por mejor álbum de música alternativa con “In Rainbows”.

En el show, se destacó el parafernálico comienzo de U2 y su nuevo single “Get On Your Boots”; el dream team del rap en el escenario con T.I., Kanye West, Lil Wayne, y Jay-Z acompañados por M.I.A.; la corta pero notoria aparición de Whitney Houston presentando el premio a mejor álbum R&B; y la intensa “I Saw You Standing There” que repasó Paul McCartney acompañado en la batería por el vocalista de Foo Fighters, Dave Grohl. También se lucieron Justin Timberlake y Al Green, interpretando el clásico “Lets Stay Together”. Una noche discreta, que si bien tuvo a artistas de la talla de Radiohead en el escenario, sigue sin generar el impacto de audiencia de otros espectáculos del estilo. Un toque MTV, un chasconeo quizás, no le vendría mal a una ceremonia que gusta pero no enloquece.

Cuando el encargado o “jefe” de este blog me dice ‘quiero que escribas algo sobre esa música que escuchas tú’ una palabra se me vino a la cabeza… Eurovisión… De acuerdo, sé que quizás muy poca gente en este país conozca actualmente lo que es este Festival de la Canción, pero pregúntenle a sus padres, tíos y/o abuelos sobre “Yo soy aquél” de Raphael, “La la la” de Massiel, “Volare” de Domenico Modugno, “Waterloo” de ABBA, “Bailar Pegados” de Sergio Dalma y muchas otras canciones de famosos acá en Chile que han sido temas insignes de este Festival.

Cuento corto, más de 40 países compiten para elegir a la mejor canción de Europa. En años anteriores se elegía meramente con la decisión del público, provocando la colaboración entre países vecinos (Grecia y Chipre ayudándose mutuamente; Bielorrusia y Ucrania, entre otros, ayudando a Rusia) o países con miles de inmigrantes (casi toda Europa votando a Turquía)… Ahora será diferente: además del público, un jurado de cada país estará presente en las votaciones, intentando evitar los votos injustos y lograr que realmente gane la mejor canción. A pesar de esto, muchos países se la juegan además de una canción buena o “pegote”, de una gran puesta en escena en las galas (ya sea en la semifinal o en la final), como por ejemplo, el top 3 del año pasado. El país ganador, Rusia (quién se ganó el derecho de organizar la edición de este año), el cual se presentó con Dima Bilan cantando el tema “Believe”. Como parte de su puesta en escena incluyó una pista de hielo, un famoso violinista y un campeón mundial de patinaje en hielo… ¿Qué tal?… Grandiosas puestas en escena también pusieron la ucraniana Ani Lorak y la adorable Kalomira de Grecia, quién encantó al público con su “Secret Combination”, logrando el tercer lugar.
¿Qué nos espera para este año? La renuncia de San Marino, el regreso de Eslovaquia, muchos nombres famosos en la escena europea (Hadise por Turquía, Patricia Kaas por Francia, Sakis Rouvas por Grecia, por mencionar solo algunos) y la mayoría de los países poniendo su mayor esfuerzo para llevar lo mejor a Moscú en este mes de Mayo.

Más de tres años separan a Tonight (a.k.a. Tonight: Franz Ferdinand) de su anterior trabajo, You Could Have It So Much Better (2005). Una larga espera que pudo enterrar a una de las bandas más influyentes y atrevidas de la escena post-punk de la década.

Sin dejar de lado las guitarras de McCarthy y la melodía accesible, Franz Ferdinand versión 2009 apuesta de lleno a los sintetizadores, alejándose de ese sonido de garaje que explotaron en sus dos primeros álbumes. El resultado es un álbum más producido, con los Ferdinand sonando más elaborados, más de estudio. En apariencia, su música se complejizó, y decidieron –no por mucho- alejarse de los lugares comunes y cambiar de piel bajo el alero de Dan Carey (Hot Chip, CSS) y Brian Higgins (Girls Aloud) como socios en la producción.

Si bien Tonight tiene momentos lúcidos, cargados de esa energía contagiosa que caracteriza a los de Glasgow, al final queda la sensación de que pudo ser mucho más. Mientras los puntos altos como la impecable “Ulysses” –primer single-, la catártica “What She Came For” y el potente e irresistible funky “No you Girls” albergan con optimismo lo que el grupo es capaz de realizar en este nuevo escenario, en la otra vereda, suenan repetitivos y cansinos en “Live Alone” y “Katherine Kiss Me”.

¿Qué tan influenciados pudieron estar luego de realizar el cover de “All My Friends” (2007), en un acercamiento a James Murphy (LCD Soundsystem) como para hacer un “yeah, yeah, yeah“ en “Turn it On”? Lo cierto es que Tonight muestra buenas intenciones, pero denota una dispersión que se hace evidente en canciones como “Dream Again”, y las bizarras “Twilight Omens” y “Can’t Stop Feeling”. Incluso “Lucid Dreams”, que en su versión previa al lanzamiento del disco sonaba atingente a su nueva propuesta, ahora es una gelatinosa experimentación electrónica de casi 8 minutos.

Hoy Franz Ferdinand polariza a sus seguidores. Donde unos ven reinvención, otros ven mimetismo. Donde muchos sienten el cambio como un gran tanque de oxígeno al dance-rock, otros ven con disgusto como la fórmula se desgasta al punto de no funcionar. Más allá del polvo que levanta, Tonight es un salto con red, y no un suicidio a lo Bloc Party. Es parte de un proceso aún en desarrollo en la evolución sonora del grupo, que promete mucho en el futuro si logran dar un mejor uso a las buenas pero desordenadas ideas que escuchamos hoy. De todas formas, Kapranos y compañía pueden jactarse tranquilamente de haber lanzado un disco bastante decente, aunque no el mejor de su corta discografía (qué importa, pasó con Interpol y The Strokes y salieron ilesos), y de seguir haciendo canciones que son irresistibles para la pista de baile, que es lo que queda al final en un disco de Franz Ferdinand. Hasta ahora por lo menos.

Tracklist:

1. Ulysses
2. Turn It On
3. No You Girls Never Know
4. Twilight Omens
5. Send Him Away
6. Live Alone
7. Bite Hard
8. What She Came For
9. Can’t Stop Feeling
10. Lucid Dreams
11. Dream Again
12. Katherine Kiss Me

Con el sabor de “Can’t Speak French” aún fresco, llega el quinto álbum de las Girls Aloud, bajo la premisa de nuevos sonidos y un guiño a décadas pasadas.

Como el mejor de los guiones escrito para un grupo nacido en un show de talentos, 19 singles Top Ten en UK nos confirman que las Girls Aloud han conquistado el nicho pop británico y sí, son un fenómeno de masas, que incluye en su lista de fans a los Arctic Monkeys, Chris Martin, Liam Gallagher, y los chicos de Franz Ferdinand entre otros. Y en el peak de su popularidad, resulta ciertamente decepcionante ver que todo el terreno ganado hace un año con Tangled Up, irguiéndose a niveles sonoros más interesantes de los que se esperaría de un grupo elaborado, sumado a la premisa de la reinvención y el guiño a décadas pasadas, termine siendo un disperso, monótono y débil trabajo. Out Of Control (a.k.a. OOC) sufre más por lo que pudo ser que por lo que es; son tal vez las expectativas que despierta las que perjudican. Pero dejando de lado el prejuicio, lo que queda es pura inconsistencia.

Miremos el vaso lleno por un rato. Girls Aloud, trabajando nuevamente con la casa productora Xenomania, ha conseguido un reciclaje en su sonido, llevándolo a recrear plácidas atmósferas sesenteras y armoniosos pasajes ochentenos. Hay que consignar que el grupo nunca ha sido demasiado (re)inventivo. Así, la deliciosa “The Promise” recoge lo más confortable del estilo Phil Spector y el mid tempo coral a lo The Supremes. La llamada por muchos “Call the Shots 2” es “The Loving Kind”, co-escrita por los Pet Shop Boys, el punto más alto del disco. Más allá de ser un single instantáneo, es una preciosa canción electro pop que habla acerca de lo que sientes cuando alguien no está seguro de que tú eres el indicado, y tú quisieras ser ese amor. Afirmar que es el mejor corte del disco desmedra inmediatamente a OOC, porque con los Pet Shop Boys y todo, “Call the Shots” es mucho mejor. ¿O será el volumen de mi estéreo? “Love is the Key” es otro sugestivo y efervescente momento, que clama por un cover firmado por The Fratellis o el grupo dos guitarras de moda en Britania.

Pasamos por cortes destacables como “Turn 2 Stone” que es más Pet Shop Boys que “The Loving Kind”, y podría sonar colada en cualquier fiesta de los 80s. “Untouchable”, un logrado electro dance con tintes a Ibiza de casi siete minutos de duración. El festivo drum’n'bass de “Live in the Country” que agrada pero no convence, y “Miss You Bow Wow” que es más energía y entrega que otra cosa.

Pero la gran deuda comienza en la segunda mitad del disco. Desde la complacencia de canciones tan conservadoras como “Love is Pain” y “We Wanna Party”, hasta la incapacidad para procesar influencias y plasmarlas en buenas canciones: El caso de “Fix me Up” y el insufrible experimento reggae-pop de “Revolution In The Head”. Rápidamente llegamos a la conclusión de que OOC es un álbum con demasiados altibajos como para tomárselo en serio.

Hay dos cosas innegables en OOC y en la discografía de las Girls Aloud. Primero, el quinteto es tan melódico y sofisticado que seguro termina convenciendo al más duro de los renegados pop; Segundo, las chicas funcionan como reloj suizo produciendo adictivos singles, pero siempre han quedado al debe al momento de hacer buenos discos. Sí, con algo de generosidad podríamos decir que Tangled Up es un buen álbum en su completitud. El pop es melodía y estilo, algo que las Girls Aloud han sabido manipular con inteligencia. Pero el pop es también audacia. Y en OOC hay más buenas intenciones de innovar, que resultados exitosos.

“Viva la Vida or Death and All His Friends” representa el mayor logro sonoro de la banda desde sus inicios.

Todo lo que rodea los discos de Coldplay tiene implícito ese deje de ambición por jugar a ser la mejor banda del planeta. Si en Parachutes (2000) la honestidad y simpleza del álbum contrastaba con las declaraciones de Chris Martin en la época (“Creo que éstas son las mejores canciones del mundo”), A Rush of Blood to the Head (2002) era rotulado por NME como “un disco de una belleza natural sobresaliente”. Eran los tiempos del ensimismamiento de Radiohead en Hail to de Thief (2003) y la resaca de U2 tras la máquina de singles que fue All That You Can’t Leave Behind (2000). Mientras Coldplay, el estandarte de turno de la nostalgia pop británica, se lucía con sus mejores ropas en “In my Place”, “Clocks” y “The Scientist”. Tal ambición tuvo su quiebre con el fallido X&Y (2005), que seguramente pretendió ser lo que llegaría con su cuarto álbum de estudio, Viva la Vida or Death and All His Friends.

Un gran presupuesto y la contratación de Brian Eno, el genio de las perillas, daría fruto al que debe ser el disco mejor producido en toda la carrera de Coldplay. No sólo representa su mayor logro sonoro, sino un ejercicio de preciosismo que bajo los trucos de Eno genera inmediata obnubilación bajo esa inyección de grandiosidad que abarca niveles de experimentación impensados para la banda hasta hoy.

Pero conocemos de sobra las artimañas del britpop, sabemos que Coldplay maneja a su antojo la melancolía y la canción que llena estadios, y es entonces cuando el placer del dream pop nos seduce y engaña al ofrecernos pretenciosidad e ilusionismo, embelesamiento y enajenación. Un espejismo al fin y al cabo.

Tenemos a Brian Eno como responsable absoluto del sonido Coldplay 2008. Y como consecuencia, la esencia casi ausente de la banda se diluye en capas y capas de cursilería y ridiculez, como el hecho de darle un sentido al título del álbum con una supuesta influencia latinoamericana, que resalta aún más en la ostentosa pintura francesa como arte del álbum, que sin duda tendría sus méritos en un disco que se sustentara en la brillantez de sus composiciones.

Será el reflejo de nuestros tiempos, la presión de la industria porque sus artistas aparezcan en los charts, o simplemente la desesperada búsqueda de una banda perdida en si misma tratando de reconquistar el mundo. Lo cierto es que Viva la Vida or Death and All His Friends no sólo se trata de música simplona y mediocre, sino de burda reverberación e intrascendencia, embellecida por la magia que producen los violines y el deje ambiental del pop insulso disfrazado de arte. El epítome es “Vida la vida”, que resulta ser lo más barroco que ha hecho el grupo en toda su trayectoria.

Limpiando el maquillaje que cubre cada uno de los 10 temas que componen el álbum, nos damos cuenta de la pobreza desértica a la que nos enfrentamos. La partida con “Life In Technicolor” confunde y establece el sin sentido del disco. “Cemeteries Of London” es lo más U2 que ha producido U2 en sus últimos tres álbumes. “42” denota el estancamiento compositivo del autor (“Those who are dead are not dead / They’re just living in my head”). El aire gospel de “Lost!” sólo consigue que echemos de menos la rústica pero efectiva sutileza melódica que Coldplay explotaba en sus trabajos previos. Salvo “Violet Hill”, un atisbo de equilibrio entre compositor / productor, Viva la Vida es la última gran estafa que ha exportado Britania.

Y aunque el oyente seguramente beba el más dulce brebaje de sonidos cargados de emotividad, coros con connotaciones épicas y arreglos majestuosos, lo que queda al final del día es ese aire a joya de fantasía, a película anodina. A fin de cuentas, el mejor productor podrá manipular, adornar y disfrazar el producto, la máquina de mercadeo nos dirá que estamos frente a una obra de arte, pero nada logrará esconder las falencias creativas de Martin y compañía.

El tercer disco de la “hermana menor de Jessica” se convierte en el mejor de su carrera hasta el momento, dejando claro que su aporte al pop está muy lejos de terminar.

Después de tener dos discos debutando en el primer lugar del Billboard entre 2004 y 2005, Ashlee Simpson vuelve con una tercera producción donde se reinventa, pero sin perder la esencia que le hizo ganar fanáticos alrededor del mundo y vender millones de discos, incluso más que su hermana.

En esta oportunidad, la ahora pelirroja cantante, recurrió a Timbaland, The Neptunes y Kenna, entre otros, dejando de lado los típicos productores pop-rock con los que trabajó antes, para entregarle un nuevo sonido a su tan esperado regreso. El resultado fue presentado en “Outta My Head (Ay Ya Ya)” una canción pop con estilo ochentero, producida por Timbaland, pero manteniendo la onda de Ashlee intacta, sin sonar como el “Loose” de Nelly Furtado.

Ese estilo de los 80, continúa en “Boys”, el posible tercer single, “Ragdoll” y “Hot Stuff”, en dónde sigue la escuela de Gwen Stefani solista y la mejora.

Debes escuchar este disco, si estás teniendo un día de aquellos que quisieras olvidar o si estás terminando una relación. Te subirá el ánimo de inmediato.

“What I’ve Become” en donde la letra cuenta que recién está descubriendo quién es en realidad, “No Times For Tears” y “Little Miss Obsessive”, el segundo single, en dónde la letra habla sobre no aceptar un rompimiento, siguiendo obsesionada, destacan en el pop-rock que siempre la ha caracterizado. “Rule Breaker” es una declaración de principios sobre una pareja que simplemente disfruta destruyendo las reglas. “Murder” es el tema más innovador del disco y serviría como último single, ya que muestra un sonido muy distinto y jamás explorado por Simpson, dejando al descubierto la mezcla entre ella y Timbaland.

“Bittersweet World” es la canción que define el disco, invitando a tomarse las cosas con humor y seguir adelante. “Never Dream Alone” es una balada en piano, como nunca lo había hecho, muy romántica, digna de alguien que está pronta a casarse y que cierra el álbum.

Es un gran avance en la carrera de Ashlee y es el disco con el que se enfrenta a todas las críticas, con ganas de seguir ante todo y demostrando que puede hacer un disco redondito.

Con su nuevo disco, Madonna nos recuerda quién es la reina madre, la “aún” reina del pop.

Madonna está de vuelta. Rodeada del grupo más talentoso de creadores de hits de la década (la dupla Timbaland y Justin Timberlake, Pharrell Williams, Nate “Danja” Hills y Kanye West), Hard Candy nos pone el pie encima para recordarnos quién es la reina madre, quién es “aún” la reina del pop.

En una entrevista publicada en el Wiken hace algunas semanas, Madonna hacía referencia a lo difícil que fue complementar las agendas de todos para coincidir y sacar adelante éste, su undécimo trabajo de estudio (el último con la Warner). Y cuando pensábamos que la formula camaleónica de la chica de Detroit, ahora fina citadina londinense podía agotarse y hundirse en los años, el látigo, el olor a “Human Nature” y la evolución desde la malla-rosada-en-plan-pilates, nos pega tan fuerte que sin darnos cuenta estamos nuevamente rendidos a ese pop infeccioso, rutilante, y tan estimulante como la invitación al cuero, al maestro y al esclavo que mantiene obsesionada a Madonna desde hace años.

Lo cierto es que todo en Hard Candy es ropa usada, que pudo haber sido un hito revolucionario si lo hubiésemos escuchado dos años atrás. Sin embargo, el mayor acierto de Madonna y su séquito es el poder del reciclaje, de estirar la fórmula pop contemporáneo / hip hop -ése que clava hits en los primeros lugares de los charts y que exacerba el lujo porque sí-, y hacer que funcione incluso mejor que muchos de los momentos más álgidos del género (“Hollaback Girl”, “Promiscuous”, “Give it to me” o “What Goes Around Comes Around”). Mal que mal, es Madonna y su prerrogativa.

Desde el inicio, “Candy Shop” define lo que será ese sonido urbano en el disco, y su lírica lasciva y carnal no explotada tan fuertemente desde Bedtime Stories (1994), dejándonos saber abiertamente su propuesta: ‘Say which flavor you like and I’ll have it for you’. Como una verdadera dominatriz, Madonna manipula inteligentemente los lugares comunes. Desde “4 Minutes” (primer single), donde madre, hijo y productor estrella tiran toda la carne a la parrilla, quizás pensando en ese esquivo #1 Billboard que no llega desde “Music” en 2000, hasta “Give it 2 me”, una gema de incalculable valor para la pista de baile, el mejor track del álbum, uno de los temazos del año, y lo más potente de Pharrell en mucho, mucho tiempo (“Yummy” palidece con esto).

Hard Candy desborda prominentes canciones pop como “Heartbeat”, “Miles Away” y “Voices”. Maneja el hit explosivo que se pega como chicle con “Dance 2Night” y “4 Minutes”. Sobresale en prometedores clásicos como “Beats goes on” -con un Kanye West inspirado en el sonido disco de fines de los setenta-, y “Devil Wouldn’t Recognize You”, lo mejor de T&T y la sandía calada que coquetea para single. El bajo que conduce “She’s not me” invita a Wendy Melvoin a convertir la guitarra en beat, en más de seis minutos donde el protagonismo de Madonna es absoluto, la intervención con silbidos y palmadas de Pharrell es sutil, para terminar en un euro dance que ya quisiera cualquier chica ganadora de Americal Idol en su repertorio. ¿Alguien se imagina como podría sonar “La Isla Bonita” versión 2008? Bueno, “Spanish Lesson” es eso. Algo freak y confusa (Yo te quiero means I love you / Mucho gusto means I’m welcome to you), da cuenta de lo innecesaria que era en el disco, con Madonna-Williams jugando demasiado al límite en esta suerte de ensayo y error.

No podemos negar que detrás de cada acorde se esconde el fantasma de las comparaciones, de ese sonido Billboard actual que para muchos crucifica a Ciccone como una gran oportunista. Pero en un disco orgánico, de pop masivo, efectivo, super producido, donde incluso hay cabida para la calidad, Madonna nos hace olvidar sus irregulares trabajos previos, entregando el mejor álbum desde Ray of Light (1998). “You have demons so nobody can blame you / but who is the master and who is the slave?” dice el coro de “Voices” al cierre. Sabemos quién nos domina y de quién somos esclavos. Hace 15 años Madonna establecía estilos, dictaba modas, creaba paradigmas. Hoy la chica material es digital, invasiva como una pandemia, sabia al momento de recopilar sonidos y certera al remodelar la modernidad a su antojo. Larga vida a la reina. Larga vida a Hard Candy.

La reina del pop se fue a la segura, reclutando a los productores del momento y tomando como referencia el “Blackout” de Britney y los discos de Justin, para no defraudar en las carteleras musicales.

Madonna, la reina del pop, la que impone modas y estilos musicales, ha vuelto con su decimoprimer disco de estudio, tras el gran éxito de “Confessions On A Dancefloor”, que nos llevó de vuelta a los tiempos de Donna Summer y Olivia Newton-John, protagonizando “Xanadu”.

Pero esta vez, la mujer que se cambiaba el color de pelo, vestuario y estilo musical por disco, creando una tendencia en el mundo del pop, prefirió seguir los estilos musicales que generan hit radiales. Y por eso llamó a Timbaland, Justin Timberlake y Pharrell Williams, para que produjeran su disco, como si se tratara de una tienda de confites fabricados en un lugar en dónde no importan los nutrientres.

El resultado fue un disco sin novedades, para el mundo musical, pero presentando un muy buen disco pop y lleno de posibles hits que fue lanzado el 29 de Abril y que debes escuchar si quieres saber lo que se escucha en las radios gringas actualmente.

“Candy Shop”, producida por Williams y Madonna, abre el disco, mostrando el nuevo concepto de la cantante: “el dulce duro” con un tema pop, con los toques R&B que Pharrell trae desde N.E.R.D. y The Neptunes, el dúo productor que forma con Chad Hugo. La canción es pegajosa y tiene un beat ideal para calentar antes de una gran sesión de baile, mientras la letra te invita a probar su “azucar cruda, pegajosa y dulce”.

El primer single, “4 Minutes” está hecho cuidadosamente para pegar en las radios estadounidenses y lo logró, pero convierte a la mentora de las princesas pop de los noventa, en una cantante más que recurre al R&B y a la voz de Justin Timberlake que vuelve a aparecer más adelante en el disco, para generar números uno.

Los destacados son “Incredible”, una canción deliciosa que habla de un día lleno de cosas lindas y con un coro en dónde la voz de Madonna suena vulnerable y nos transporta a un lugar nostálgico. “Give It 2 Me”, el segundo single es algo repetitiva, pero con un buen video, seguro que pega.

“Dance 2Night” es un próximo hit indiscutido y no puede ser dejado de lado, llevándonos de vuelta al comienzo de los 80, en un viaje en el tiempo, a varios kilómetros de aquí.

“Miles Away”, una exquisita canción mid tempo que habla de echarse de menos a la distancia, ideal para extrañar a ese amor que vive lejos y se rehúsa a volver, mientras “Devil Wouldn’t Recognize You”, uno de los diamantes del álbum, tienen el claro toque de Timberlake y Danja como productores. “Devil…” es mortalmente parecida a “Cry Me A River”, pero con la esencia de Madonna.

“Beat Goes On”, junto a Kanye West está lista para la discoteque con los “bip bip” de fondo, cantados por Pharrell e invitándonos a seguir el sonido del beat. “She’s Not Me” tiene algo del “Confessions”, siendo una canción-remix de inmediato, como era el espíritu de ese disco, al igual que el ritmo de “Heartbeat”.

“Spanish Lesson” es lo peor del disco, con una clase de español mal hecha, ya que el 90% de las palabras son mal traducidas y siendo una de las canciones más cortas, se hace eterna.

“Voices” es un gran cierre para el disco. Un tema electro R&B, con una letra introspectiva.

“Hard Candy” no será tan recordado como su antecesor, pero si proporcionará una batería de hits radiales. Algunos inolvidables y otros desechables.

Escuchar este disco es como comerse ese dulce que sabes que es malo para tu salud y que está hecho sin tanta dedicación, pero es el que siempre has comido. Madonna se concentró en recuperar su trono en Estados Unidos, tratando de ser profeta en su tierra y por eso se entregó a los productores, en vez de entregarle una a oportunidad a productores no tan conocidos e innovar.

Una de las voces femeninas más destacadas de los últimos veinte años vuelve recargada, emancipada, y casi subversiva, ad portas de pasar a los anhales de la historia de los libros de récords con un álbum que refleja el espíritu de nuestros tiempos.

Mariah Carey no necesita presentación. Con cierta ansiedad y desconfianza nos enfrentamos a su decimoprimer trabajo de estudio (incluyendo Merry Christmas de 1994), E=MC², lanzado el pasado 15 de abril en Estados Unidos. El track elegido para ser primer single es “Touch My Body”, un atractivo y rítmico clon de “We Belong Together”, que logró llegar inmediatamente al #1 del Hot 100 del Billboard, dándole a Mariah dieciocho números uno, superando a Elvis, y quedando a dos canciones de empatar a The Beatles como el artista con más números uno en la historia Billboard. Así, podríamos abrir un debate acerca de cuál es la teoría detrás de E=MC² ¿Será éste un disco concebido sólo para romper récords? ¿Mariah admira a Einstein y pretende explicarnos la relatividad al compás del R&B? ¿O simplemente esto no pretende ser más que The Emancipation of Mimi 2?

Si en 2005 la fórmula R&B, hip-hop, y el enchulamiento casi obsesivo de cada canción con más octavas que Aretha Franklin, dio sendos frutos a Mariah, sacándola del abismo Glitter, E=MC² viene a recobrar el sonido de la emancipación. De la mano de los productores Jermaine Dupri, Stargate, Tricky Stewart, SwizzBeatz y el protegido de Timbaland, Danjahandz (el hombre tras los beats de “Promiscuous” y “Say It Right” de Nelly Furtado), el disco sorprende gratamente con una colección de sólidas melodías pop e inspiradas baladas llenas de texturas en un esfuerzo compositivo que supera con creces lo hecho en The Emancipation of Mimi, sin que ello signifique que estemos frente a uno de los grandes discos de Carey.

La trayectoria de E=MC² comienza “into the club” con la pegajosa “Migrate” (Feat. T-pain), y nos deja a las puertas de la iglesia en el cierre con “I Wish You Well” (una verdadera isla en los 14 tracks que componen el álbum). Seguramente planificado hasta el más mínimo detalle, E=MC² es un disco a la altura de los tiempos, que cubre las necesidades de un mercado cada vez más inclinado al R&B contemporáneo, ese que suena plástico y carente de sentimiento. En ese contexto, Mariah Carey está implacablemente atada a este estilo.

Destacan la impecable “Migrate” donde Mariah juega con la distorsión de su voz subrayando el impacto de sus impresionantes notas altas. La romántica “I Stay In Love”, una de las cartas seguras para segundo single. “Side Effects” (Feat. Young Jeezy), un reproche en midtempo a un hombre que no estuvo a la altura de la chica y su éxito (Mottola por supuesto). El excelente guiño disco soul de “I’m That Chick” (con su potente coro La da da ooh we-ee / I’m that chick you like). El liviano sonido Motown de “I’ll Be Lovin’ U Long Time” y el remezón vocal de “I Wish You Well”, que revive la era dorada de Mariah junto a Tommy Mottola (Mariah Carey, Emotions, Music Box) coqueteando con la propuesta marca registrada de Alicia Keys.

Pero la sombra del aburrimiento no tarda en aparecer en temas como “Love Story”, “Last Kiss” y la más débil de todo el álbum, “Bye Bye”. Salvo atisbos de canciones que enganchan pero no impresionan, E=MC² es un ejercicio de repetición que reivindica una necesidad de vigencia, con un sonido diseñado para estar en la corriente de la modernidad y la inmediatez, que tiene sus ojos puestos en los charts y los libros de récords, pero que tras varias escuchadas, resulta francamente aburrido, monótono y falto de alma. E=MC² es el reflejo del espíritu de nuestros tiempos, el que mantiene las listas de éxitos atiborradas de divas copiándose unas a otras, peleándose al productor con más pergaminos, en esta vorágine por llegar al número uno.

La ganadora de la tercera versión de The X Factor, se ha convertido en un fenómeno en Reino Unido.

La década pasada estuvo marcada por las bandas de laboratorio, que inundaron ambos lados del Atlántico de la mano de productores caza-talentos que encontraron una mina de oro juntando a chicos apuestos, que al son de atléticas coreografías y escaso talento vendieron millones, llenaron estadios y fueron reconocidos en sus quince minutos de fama gracias a las mejores campañas de marketing vistas hasta ese entonces. Era el nacimiento de Justin Timberlake y el apogeo de Lou Pearlman, productor de agrupaciones tan exitosas como Backstreet Boys, ‘N Sync, US5 y O-Town entre otras. Ha pasado el tiempo, y muchos ven a parte de esta camada como emblemas del pop, encarnados en autoproclamados íconos del tipo Take That o las mismas Spice Girls.

Para bien o para mal, hoy la historia la escriben los programas de televisión busca talentos, que gracias a la mano del nuevo zar de los charts, Simon Cowell, dictaminan parte importante de lo que escuchamos y consumimos. Cowell es ambicioso y tiene un norte claro: encontrar a la gran mega-estrella de la década. Tanto en su versión estadounidense American Idol, como en la inglesa The X Factor, Cowell ha cosechado importantes y perdurables logros, como Kelly Clarkson, Carrie Underwood y Shayne Ward, y en paralelo una extensa lista de estrellas fugaces: Ruben Studdard, Fantasia Barrino, Clay Aiken, Taylor Hicks, y el último tormento americano, Jordin Sparks.

Es posible que la búsqueda de Simon haya terminado gracias al que quizás sea su mayor descubrimiento: Leona Lewis. Nacida en Londres, esta chica de 23 años ganó la tercera versión de The X Factor, convirtiéndose en un fenómeno en el Reino Unido, logrando su primer #1 con un cover de Kelly Clarkson, “A Moment like This” que vendió más de un millón de copias. El éxito consagratorio vendría a mediados de 2007 con “Bleeding Love”, canción que consiguió otro #1 en UK, y que hace poco logró situar a Lewis como la tercera mujer inglesa de la historia en lograr un #1 Billboard Hot 100 con su single debut, siguiendo los pasos de Petula Clark en 1965 y Sheena Easton en 1981, además de ser la sexta solista británica en alcanzar esa posición, antes lograda por Petula Clark, Lulu, Sheena Easton, Bonnie Tyler, y Kim Wilde en 1987.

Pero más allá de las estadísticas y el éxito del que goza Leona hoy, ¿qué nos haría creer que estamos ante la nueva diva del pop? Resulta aventurado poner todas las fichas en una artista concebida como un producto con poco y nada de libertad creativa, es cierto, pero escuchar el disco debut de Leona Lewis, Spirit, es remontarse a los mejores momentos de Mariah Carey en sus tres primeros álbumes, a las mejores baladas que una artista de laboratorio haya grabado desde Kelly Clarkson en 2003. Cowell lo apuesta todo y no se equivoca. La voz de Leona Lewis es extraordinaria, elástica, cautivante, perfecta para la balada romántica, estilo que la estanca en ese pop meloso y facilista, delicado y virtuoso, envuelto en R&B y gospel, lo que se agradece en un mundo dominado por afroamericanas parafernálicas acompañadas de cuanto rapero hay a la vuelta de la esquina. Revistas como Blender y Pop Matters han criticado la incapacidad de Leona de provocar emociones en el oyente. Contrario a esa crítica, lo que más desborda Spirit es espíritu, con canciones que te aprietan los dientes, te remecen y recuerdan a Whitney en sus mejores 80s. En Spirit la temática es el amor, y el sonido, un verdadero plagio de melodías que hemos escuchado mil veces con base en arreglos de piano y coros que evocan a Celine Dion y la misma Clarkson en temas como “The First Time Ever I Saw Your Face” (popularizada por Roberta Flack en 1972), “Here I am” y la impresionante escalera de notas desplegada en “Homeless”. Algunas de las canciones parecen fotocopias que funcionan perfecto en el contexto del disco, con aciertos como la infecciosa “Better in Time” y “I Will be” (cover de Avril Lavigne). Pero es “Bleeding Love” por mucho la canción más sofisticada y rupturista en un disco donde no hay intención de exploración musical ni riesgo alguno más allá de explotar la voz de Lewis, que suena simplemente perfecta. Demasiado perfecta tal vez. Spirit parece un disco de grandes baladas de una artista con años de carrera, que maneja en un mismo género el fraseo suave y la intensidad melódica en “Whatever It Takes” y “Yesterday”, el intimismo y lo épico en “Footprints in the Sand” y “A Moment Like This”, y por supuesto, la desnudez lacrimosa que tiene como sello la balada. Pese a lo anterior, Spirit palidece en sus propios méritos, ya que carece de matices y figuras compositivas que rompan la fórmula y complementen el instrumento principal sin opacarlo. Es innegable el talento de Leona, que no sólo tiene un debut correcto, sino que se perfila como la propuesta solista más interesante que hayamos visto de un show televisivo.

La canadiense Leslie Feist da vida a un disco plagado de buenas canciones pop, donde es casi imposible definir el estilo.

La canadiense Leslie Feist se consolidó como solista el 2004 con el multifacético Let it Die, tras ser parte del colectivo musical Broken Social Scene a principios de la década. Feist combinaba indie rock con jazz, bossa nova y guiños folk, que lograron destacarla dentro del circuito independiente de la época, cosechando excelentes críticas que la consagrarían como una de las artistas pop canadienses más importantes de ese año, y que nos dejaría ciertamente encantados con su lúdico y coreográfico “Mushaboom“.

En The Reminder, su tercer disco, Feist vuelve a pasearse de estilo en estilo con una soltura envidiable, aunque mucho más conservadora que en Let it Die. No hay intenciones de cambio ni riesgo alguno. Así, pisando terreno conocido, se mueve entre pegadizos coros que parecen estar destinados a convertirse en himnos, acompañados de piano y guitarra como base. La secuela no sólo funciona, sino que vuelve a encantar. La melodía fácil es explotada sin complejos, dando vida a un disco plagado de buenas canciones pop, donde la única dificultad resultaría en establecer un estilo que pudiera definirla, algo que no importa demasiado. El primer single, “My Moon my Man” es un claro ejemplo de ese sonido bien oreja, accesible, fresco y colorido que propone Feist en The Reminder.

Con canciones potencialmente comerciales como “I Feel It All”, “Sealion”, y la misma “My Moon My Man”, además de la seguidilla de llamativos videos que ha realizado la canadiense, resultaba un poco curioso que no tuviera cabida alguna en los charts americanos y una casi nula aparición en Reino Unido. De hecho, el 27 de agosto Feist se presentó en El Show de David Letterman -en uno de esos momentos televisivos inolvidables- cantando su caballito de batalla del disco, “1 2 3 4”, una de las canciones más simples, pegajosas y evocadoras de este año, acompañada en los coros por un selecto “dream team” del indie actual: integrantes de Broken Social Scene, The New Pornographers, Grizzly Bear, The National y Mates of States. A pesar de lo impresionante de la presentación, no tuvo mayores repercusiones en la venta del disco o el airplay del single. Bastó que el acrobático video de “1 2 3 4”, apareciera en el aviso publicitario del nuevo iPod Nano para que Feist pasara a transformarse en un fenómeno de masas. Esto no es para nada nuevo. ¿Cuánto habrá ayudado a The Fratellis aparecer en otro aviso publicitario de Apple? ¿Habríamos llegado a conocer a Regina Spektor sin sus apariciones en comerciales del iPod en 2005 o que “Us” fuera usada para promocionar el Zune?

El sonido que logra Feist podría ser emparentado con Cat Power en su veta más intimista, y Corinne Bailey Rae en el lado más adulto contemporáneo. Pero los giros en The Reminder están a la vuelta de la esquina, pasando de la festiva “1 2 3 4” a una verdadera canción de fogata como “The Park”, mostrando su mejor registro vocal en la trémula “The Water” (elegida como tercer single), para luego moverse a la convencional “”Brandy Alexander”. Todo en The Reminder suena amigable, primaveral, pretenciosamente radial, cómodo y transversal como el mejor de los discos de Norah Jones.

Kala podría representar un intento por acallar cualquier duda acerca del gran talento de Mathangi “Maya” Arulpragasam.

Mathangi “Maya” Arulpragasam, M.I.A., es una chica ruda, urbana y activista, una guerrillera pop del primer mundo que defiende las injusticias tercermundistas, que remarcan su fuerte postura política y su particular estilo musical inspirado en la calle, en los suburbios de las grandes capitales europeas donde viven inmigrantes y exiliados que arrancando de la pobreza y las devastadoras guerras civiles, buscan mejores oportunidades, como ocurrió con ella cuando tuvo que salir de Sri Lanka a la India, y luego a su destino final en Londres. Su historia es tan intensa como su música. El 2005 debutó con Arular, un disco que mezclaba rap, reggae, electrónica, grime, ritmos tribales y un no despreciable surtido de inclasificables aportes, que tuvo un impacto tan grande tanto en la crítica como en la audiencia, que de alguna manera marcó un nuevo referente sonoro, una nueva forma de estética musical, que vino a refrescar la escena hip hop, y que nos hizo bailar con temas tan pegadizos como “Galang”, “Sunshowers”, “Bucky Done Gun” y sus remixes posteriores. Dejando atrás las polémicas acerca de qué tan influyente fue Diplo (productor del disco) en el resultado de Arular, de lo cual M.I.A. se ha encargado de dejar claro que no hizo tanto como se le atribuye, Kala podría representar un intento por acallar cualquier duda acerca de su talento. Y vaya que lo demuestra, con un disco frontal, lleno de personalidad e intensidad, sobresaliente en sus texturas sónicas y rebosante de creatividad, que seguramente estará entre los mejores de este año.

Kala es una patada en el trasero de principio a fin, con potentes percusiones afro-eléctricas como ritmo base, que desatan un mar de punzantes versos, en una rima pareja llena de esa energía rabiosa que caracteriza a M.I.A. Hay pasajes que siguen la línea bailable y contagiosa de Arular, como “Bamboo Banga”, “Boyz”, “World Town” y “XR2″, pero M.I.A. no se queda en fórmulas probadas, toma riesgos y decide diversificar aún más su ya extenso espectro musical, y lo hace sonar más crudo y directo. Esta vez es personal.

La expansión sonora aparece con fuerza en temas como “Jimmy”, un cover de “Jimmy Jimmy Aaja”, extraído de una película hindú de 1982 (Disco Dancer), “$20″ que es todo sintetizadores y distorsiones vocales, y la extraordinaria “Paper Planes”, donde M.I.A. lanza sus mejores líneas para recordarnos que le negaron la visa para ingresar a Estados Unidos a mediados de 2006, en torno a un coro de niños entonando cánticos de guerra, con disparos y armas cargadas en un contraste lleno de matices, formas y colores que son un verdadero deleite. El disco cuenta con las colaboraciones de Afrikan Boy en “Hussel”, The Wilcannia Mob en la radial “Mango Pickle Down River”, y Timbaland en “Come Around”, tema que cierra el disco y que resulta un poco disonante con el resto del álbum. Hey, M.I.A. no es delicada como Keri Hilson o Nelly Furtado, y resulta impensable que alguien intente moldearla. Este tema además fue incluído como bonus track en las ediciones para UK y Japón del disco solista de Timbaland, Timbaland Presents Shock Value (2007). Kala resulta tan ágil, vivaz y heterogéneo, que no hay por donde aburrirse, arremetiendo como una ametralladora que te acelera las pulsaciones con el beat preciso manipulado como un bisturí.

En su efusión, M.I.A. se apodera magistralmente de los samplers a los que echa mano (Pixies, The Clash y New Order entre otros), enriqueciendo más su propuesta multiforme donde se pierden por completo las fronteras rotulistas, destacando el uso de su voz como un recurso indispensable en su sonido, la que va acoplándose y mutando a lo largo del disco como un instrumento más al servicio de las canciones. Esta chica no sólo hace lo que quiere musicalmente, sino que esparce su mensaje y lo hace sonar comercial, digerible, ultra-adictivo. Kala es más que una infinita conjunción de diversos estilos musicales notablemente cohesionados. Es la poderosa arma de batalla de una de las artistas más talentosas y multifacéticas de este siglo. Ni más ni menos.

En un año iluminado por importantes lanzamientos, sin duda uno de los más esperados es el regreso de PJ Harvey. En su octava entrega de estudio, White Chalk, Polly Jean Harvey decide colgar la guitarra, sentarse frente al piano y desgarrarse la piel con el álbum más introspectivo y desolador de sus quince años de carrera.
Ninguno de sus anteriores trabajos puede compararse con White Chalk. PJ Harvey no canta acerca de sus obsesiones sexuales en Rid of Me (1993), o sobre la paranoia neoyorquina sentenciando que el mundo esta loco queriendo tener una pistola en la mano para protegerse en Stories From the City, Stories From the Sea (2000), ni regurgita su ira contra el peluquero que le dejó mal el pelo en Uh Huh Her (2004). White Chalk es un sombrío acercamiento a las más íntimas y perturbadoras visiones de si misma. Ella se habla a si misma, mientras nos arrastra a un hoyo de angustias que resulta tan insano como cautivante.

El disco se sostiene en una austeridad sonora que por momentos hace extrañar a su mejor compañera todos estos años, la guitarra. El piano es el instrumento predominante en melodías básicas, rústicas, donde destacan los tonos altos con Harvey cantando casi al límite de su registro vocal, mezclando simples pero prolijos arreglos con la estremecedora intensidad de su privilegiada voz para crear una atmósfera profundamente melancólica, amarga, por ratos claustrofóbica. Pasajes llenos de desconsuelo y resignación, como la notable “The Devil” (Todo mi ser se está muriendo de pena) y “Broken Harp” (Por favor no me reproches por lo vacía que se ha vuelto mi vida), describen certeramente el estado de ánimo al que nos vemos enfrentados. En “Dear Darkness” la colaboración de John Parish (como ya es habitual) es un gran contrapunto como bajo a la voz de Harvey. La belleza vocal de las devastadoras “Grow Grow Grow” y “The Mountain”, desangran aún más un alma moribunda y desencantada que en “The Piano” explota en una contenida y asfixiante desesperación (Nadie está escuchando / Oh Dios, te extraño).

A diferencia de la tristeza de Beck en Sea Change (2002), donde el desamor es su fuente de inspiración, o la angustia existencial inherente en Thom Yorke, PJ Harvey desnuda su desencanto con sí misma, y tal vez con la vida, coqueteando con esa emotividad brutal de discos tan destructivos como So Tonight That I Might See (1993) de Mazzy Star. No resulta fácil escuchar White Chalk sin terminar realmente deprimido. Pero para quienes han seguido la carrera de la otrora reina del indie rock a mediados de los noventa, no es sorpresa que todo resulte un poco visceral en ella. La rabia, la angustia, la pena, las obsesiones. Esta vez, más que en cualquiera de sus trabajos previos, el extremismo deja abierta la posibilidad de quedar deslumbrado con once preciosas canciones que desbordan tristeza en uno de los discos más brillantes de toda su carrera (que paradójico), como puede que termine siendo una de las experiencias más agobiantes y desapacibles que hayas escuchado alguna vez, donde el único impulso posible será coger frenéticamente el mp3 player para ponerle stop y cambiarle a lo que sea que tenga beats y un poco de alegría. Pero en ningún caso White Chalk te dejará indiferente. Eso es seguro.

A tres largos años del exitoso y manoseado Sin Restricciones (2004), Miranda! lanza su tercer disco.

A tres largos años del exitoso y manoseado Sin restricciones (2004), el 8 de Mayo pasado fue lanzado el tercer álbum de estudio del grupo argentino Miranda!, El Disco de tu Corazón. Hoy la banda de Alejandro Sergi (voz y teclados), Juliana Gattas (segunda voz), Lolo Fuentes (guitarras), Nicolás Grimaldi (bajo) y Bruno de Vinceti (programación) goza de una popularidad envidiable en toda hispanoamérica, levantando el asta de la bandera pop para invadirnos con lo que mejor saben hacer: canciones radiales que suenan como adhesivos-no-removibles-en-la-frente para explotar una fórmula que no tiene intenciones de caducar.

Referirse a Miranda! es hablar de un contagioso pop básico y pringoso que de tanto cautivar, termina saturando. Exactamente eso fue lo que pasó con sus dos discos anteriores, Sin Restricciones (2004) y Es mentira (2001). A fin de cuentas el pop de Miranda! es un delicatessen que tiene fecha de vencimiento, que es intenso, y por pasajes lleno de genialidad, pero que decae rápidamente. De alguna manera, Miranda! está condenado a ser masivo, plástico, deslumbrante pero desechable.

En El disco de tu Corazón, el ambiente festivo, bailable, de canturreo, es el telón de fondo para contar quejumbrosas historias de amor, conflictos preadolescentes que hablan de despecho, decepción y tristeza con el beat retumbando y la frívola ironía a flor de piel en un carnaval de ambigüedad y divertimento melodramático que se subraya como sello característico de la banda.

Al igual que en sus discos anteriores, la calidad compositiva está intacta, quizás un poco más delicada y suavizada, pero igual de punzante y efectiva en las mejores frases que el pop argentino pueda entregar (Soy un timador que se disfraza de señor / piensa mal de mí / pero yo lo hago por amor – Tengo un sentimiento que me nace adentro / tengo que probarte que en verdad ya no te miento). ¿Podría haber un mensaje de Messenger mejor que ése?

La voz de Sergi nunca sonó tan bien y la mejora en una elaborada capa de voces es un avance indiscutible sobre sus predecesores trabajos de estudio. El falsete sube y frasea con seguridad acoplándose perfectamente a Juliana, con quien juega, habla, y se hace rutilante en doce canciones que no tienen más que confirmar el indiscutible ingenio y talento de Miranda!.

“Prisionero” el primer single del disco, con la ayuda –en la partida- del sampler “I feel Love” de Donna Summer y un guiño al grupo ochenteno Virus, es la excusa perfecta para dar rienda suelta a la más alocada tormenta amorosa en medio de luces estroboscópicas, humo y un par 56. El grupo se deja acompañar por uno de los personajes más emblemáticos del tecnopop hispano: Alaska, en la que debe ser la conjunción pop divina más impresionante y obnubilante de todo el disco. “Vete de aquí”, una venenosa y rencorosa joya que invita a bailar sin importar el dolor. En contraposición, Julieta Venegas participa en una de las más románticas canciones del disco. A ritmo de cumbia-sound, “Perfecta” suena como ese hit meloso indispensable en un disco de Miranda! y a la vez denota una interesante apertura dentro del limitado abanico electropop del grupo. Ambas colaboraciones hacen del álbum un chicle del que cuesta deshacerse.

Hay canciones que inevitablemente evocan aquel notable disco de tecnopop de principio de los 90, Corazones de Los Prisioneros, que entrelaza la precariedad sonora del género en una fiesta sin invitación al dance de beats y lamentos por quiebres y reencuentros amorosos en letras magistrales. “No me celes” es un brillante reproche al inherente conflicto entre parejas (Una cosa es el amor / pero otra cosa es la obsesión / y juntas no se llevan bien / aunque te cueste creerlo), y “Déjame” tiene uno de los estribillos más pegotes que contiene el disco, y de seguro postula a ser un single radial. Para ser preciso, los doce temas son candidatos a hits radiales, seguro.

El lado más tranquilo llega con “Hasta hoy”, una preciosa melodía que rememora una declaración de amor que habla de reconciliación. “Nada es igual” que es todo luz, sol y falso disimulo optimista de “rutinario devenir”, y “Voces”, que cierra el disco, se luce en matices vocales y deja una de las líneas más notables del todo el álbum (Como quisiera que no / no me afectara el vicio del drama / suelo tentarme y caer / que encantador sumergirme en silencio)

Miranda! provoca esa insana adicción de la que ellos mismos ironizan, y con la que juegan en la carátula y caja del disco como si se tratara de una deliciosa chatarra, de un simpe Big Mac.

El Disco de tu corazón es la muestra del mejor electropop que puede exportar Sudamérica, ese que te infecta y te da placer como la mejor de las drogas, pero que tiene un efecto muy corto. Si seguimos el ciclo, habrá que esperar otros tres años para tener una nueva entrega de los consagrados maestros del pop argentino, rupturistas a toda esa tradición rockera del mundo de Charly y compañía.

“Todo tiempo pasado fue mejor”. Si en los años 90’s, la crítica y los nostálgicos extrañaban las guitarras de Axel Rose y los bailoteos de Prince, ahora en los inicios del siglo XXI, la industria musical pide a gritos un salvavidas noventero para un barco que, al igual que el Titanic, se hunde más día más. La masificación de la transferencia de datos por internet ha impactado negativamente en las ventas musicales a tal punto que los top one de hoy en día no venden ni la mitad de lo que vendían los ídolos de los noventas. Ha sido tal esta situación que se comienza a priorizar la descarga pagada de Internet frente a la compra del disco físico que conocemos, lo cual ha provocado un desorden bastante fuerte en las listas de ventas.
Con este panorama nada alentador, se ha empezado a desarrollar un fenómeno bastante singular y es que los entendidos están resucitando a las máquinas de hacer música que ellos mismos en su tiempo sepultaron. Es así como hoy vemos el regreso de Take That que no ha pasado para nada desapercibido en UK, el regreso medianamente exitoso de Backstreet Boys, el desastre de All Saints y el anunciado regreso de Five. Todos grupos que, a mediado de los noventas, hicieron bailar, gritar, cantar pero lo más importante, comprar y comprar cds a sus fans.

Sin embargo, en este fenómeno de regresos hay un grupo clave que hasta el momento se rehúsa a ser resucitado.

Si recordamos los finales de 1996 nos vamos a encontrar con cinco coloridas chicas que pusieron sus pegajosos temas en cuanta radio encontraron. Emma Bunton, Melanie C, Melanie B, Victoria Beckham y Geri Halliwell conformaban las Spice Girls, un grupo pop británico que se lo vendió todo. Y no contentas con poner 10 sencillos y 3 álbums a la venta, se tomaron los escenarios, la pantalla grande, los comerciales, la moda y hasta los juguetes. Las Spice Girls han sido el “producto musical” más grande desde los Beatles vendiendo solamente con su música setenta y cinco millones de CDs. Le hicieron publicidad a Pepsi, Polaroyd, Chupa Chups, Channel 5, Walkers, Impulse y hasta al mundial de Francia 98.

Las posibles respuestas a la pregunta: “¿por qué diablos venden tanto?”, se podría responder con sólo mirarlas. Cada una de las chicas adoptaba un papel representativo, una elegante, una deportista, una infantil, otra estridente y la exageradamente extrovertida. Es decir, había una Spice Girl para cada persona lo que hacía muy fácil identificarse con el grupo. Luego es destacable el hecho de que el protagonismo era compartido. Mientras en otros grupos se potencia la cara bonita (palo para Destiny’s Child) en las Spice Girls se potenciaban las cinco, y había tiempo para disfrutarlas a cada una por separado y a todas juntas como grupo.

Pero no existen los mundos donde todo es color de rosas y más temprano que tarde comenzaron los problemas. A fines de 1997 las Spice Girls despiden a su manager denunciando sobreexplotación, nadie se atrevió a contradecirlas. En Mayo de 1998 Geri Halliwell abandona al grupo y la prensa vaticinó el final de las Spice Girls. Sin embargo, no fue la partida de Geri la que destruyó al quinteto, después de este incidente las Spice Girls lanzaron 2 singles (ambos #1), 1 álbum (#2) y realizaron una exitosa gira de conciertos en América y Europa.

Lo que terminó dividiendo a esta máquina de ventas fueron ellas mismas, en solitario. Con más o menos éxito, todas las Spice Girls han publicado al menos un disco como solistas, las ventas jamás igualaron a las obtenidas con el grupo, pero han tenido varios aciertos. Como solistas tienen 9 números uno en total, igual cantidad que los obtenidos como grupo y ha sido quizá este éxito musical lento pero seguro y alejado de las apretadas agendas que tenían con las Spice Girls, lo que les ha provocado cierta reticencia a reformarse.

Sin embargo, el mundo aun las pide. La última aparición fue a finales del año 2000 durante los MTV Europe Music Awards. Ahora estamos a fines de Marzo de 2007 y todavía vemos en la prensa el ya repetido y poco creíble “Vuelven las Spice Girls” y es que si ya no están presentes para vender, al menos las promesas del regreso lo hacen.

De hecho, una encuesta realizada por la BBC de Londres las dejó como el regreso más esperado por los británicos al tiempo que The Sun y The Mirror, diarios locales, imprimen e imprimen rumores sobre su regreso.

De todas formas, en estos seis años sólo una de esas noticias ha sido verdad y fue precisamente a mediados de 2006, cuando las cinco spice girls (sí, con Geri incluida), habrían aceptado presentarse en Live8, dado el nivel de compromiso social que el evento significaba. Finalmente, la actividad no se concretó debido a que una de las chicas se encontraba ligada a un contrato.

Después de eso el regreso se ve cada más lejano. Melanie C se niega a volver con el grupo prefiriendo priorizar su carrera en solitario, Geri Halliwell y Victoria Beckham se encuentran dedicadas al cuidado de sus hijos, mientras que Melanie B y Emma Bunton esperan dar a luz a mediados de este año.

De momento, las esperanzas descansan en algún evento benéfico que les motive la reunión y en que se dejen de tener guaguas a tajo y destajo.

Lo único que es seguro, es que de volver, ya no será con la intención de vender como lo hacen los actuales regresos. Por más que las pidan, ninguna está en condiciones de andar sobre zapatos de plataforma, de pellizcarle el trasero al Príncipe Carlos o de salir vestidas con la bandera de la Unión Jack.

La atención que actualmente se le presta a los rumores del regreso de las Spice Girls podría resultar halagadora, al menos se reconoce que hacen falta apuestas musicales más dinámicas, en una industria que cada día está más dirigida al adolescente depresivo y hormonal que en realidad no tiene muchas ganas de comprarse un CD.

Sin embargo, las Spice Girls aceptan que no son ellas las llamadas para revertir esa situación, por el contrario, cualquier aparición en público que hagan como grupo, debería tomarse única y exclusivamente como un regalo para sus fans.

En el mundo anglosajón ya es casi un axioma que un disco debe incluir colaboraciones, algunas muy acertadas (Duets de Frank Sinatra o Genius Loves Company de Ray Charles), y otras, de una conveniencia evidentemente inadecuada. Es el abuso del featuring, que se mantiene como el eje central de las compañías discográficas para potenciar a sus artistas. Particularmente en el hip-hop, hay una exageración en esto de invitar a un artista desconocido que quiere ser promocionado por un sello, para que grabe en diferentes álbumes de “cantantes consagrados” y se haga un nombre antes de sacar su propio disco. Cruzando el río, está la opción de mezclar estilos antípodas que parecen ser una torta donde todos quedan satisfechos. Si no, pregúntenle a Beyoncé Knowles, Missy Elliott, Nelly Furtado y un eterno etcétera. En nuestro reducto hispano, las cosas funcionan levemente distintas. En Iberoamérica, aún no se estila el generar un disco con el eje central de los artistas invitados. Se privilegia el destinar uno o dos tracks al convidado. A veces, este acuerdo lleva la obligación de la reciprocidad (Shakira y Alejandro Sanz; Juanes y la Furtado).

Y hoy es el turno del padrino del pop en español. Pareciera que Miguel Bosé lo ha hecho todo. Pasó de ser la estrella juvenil más atractiva y bella de principios de los 80, consagrándose como un compositor medianamente talentoso en los 90, a ser el galán maduro que aún explota una sensualidad cliché que a más de alguna/o provoca. Es uno de los pocos dinosaurios dignos que nos queda en la región. Bosé nunca está tan de moda, pero siempre está vigente. Bosé no es kitsch, pero coquetea en estos términos con Paloma San Basilio, Yuri, Daniela Romo o Pandora. Bosé es el Sting de la música en español. Y la nueva camada de artistas que ha logrado sonar en el mercado norteamericano, reconoce en Miguel Bosé una de sus mayores influencias musicales y estilísticas.

Nacido en Panamá, hijo de un famoso matador de toros y una actriz italiana (de quien tomó su apellido artístico), ahijado de Luchino Visconti y apadrinado por Picasso y Hemingway en su infancia, y por Camilo Sesto en el inicio de su carrera discográfica, no le quedaba más que sumergirse en el mundo de las artes. Pero además, tenía talento, y esto le permitió no quedarse en la superficialidad de la anécdota y sacar adelante 30 años de trayectoria artística.

La primera etapa musical (con Bosé en malla), trajo quizás los mayores éxitos que marcaron a su generación: “Linda”, “Amiga”, “Creo en Ti”, “Morir de Amor”, “Te Amaré”, “Voy a Ganar”, “Teorema”, “Te Diré”. A partir de 1982, su popularidad decrece y es desplazado por los artistas de la movida madrileña (Mecano, Alaska y los Pegamoides, Radio Futura). Esto provoca que Bosé realice su primer giro musical: Bandido (1984), donde explota su ambigüedad y sobresale con un estilo más vanguardista.

En 1990, otro giro. Los Chicos No Lloran, donde pierde algo de sofisticación, en pro de lo comercial, pero sin dejar de lado su camino experimental, el que se potenciará en Bajo el Signo de Caín (1994). De ahí en adelante, su pluma creativa ha ido en ascenso, permitiéndole cruzar entre la exploración sonora y la mediática comercial.

En 2007, llega Papito, posiblemente la denominación más ridícula para rotular un álbum. Sin embargo, el artista ha explicado que este nombre se debe a la cariñosa forma en que lo apodan familiares y amistades. Si hay algo que Bosé no ha perdido, es su capacidad de generar una controversia en torno a su sexualidad. Esta vez no por el lado de su orientación o travestismo, sino más por un nombre con marcado erotismo que reafirma su condición de cincuentón.

Con los brazos tatuados de una nutrida fauna de invitados de lujo en la carátula, Papito repasa los momentos más notables de los 30 años de carrera del español, quien se rodea de una lista de figuras tan grande, que en el papel estamos hablando de un mega disco de 15 temas (no sólo por el frente de batalla del artista, sino también en los productores, ingenieros en sonido, arreglistas, etc). Existe en el mercado una edición especial, que agrega un segundo disco con colaboraciones presentes en discos previos, sean de Bosé o del invitado de turno.

En su completitud, el disco logra darle un nuevo aire a cada uno de los temas revisados, donde los arreglos y la elección del artista acompañante, permiten que escuchemos canciones nuevas, y en algunos casos, versiones que superan al original. La canción elegida como primer single (Nena) nos presenta a la mexicana Paulina Rubio, ahijada de Bosé a comienzos de los ochenta, con su grupo Timbiriche. Destaca la sudorosa participación de Ricky Martin en “Bambú”, la preciosa voz de Bimba Bosé en “Como un Lobo”, el Nat-King-Cole-sco castellano de Michael Stipe (vocalista de R.E.M.) en “Lo Que Hay Es lo Que Ves”, la inocente atmósfera aportada por la ítala Laura Pausini en “Te Amaré”, y la mejor reinvención del disco, con la bizarra Alaska poniendo todo el color tecno en “Amante Bandido”. También se incluyen versiones con Julieta Venegas (Morenamía), Shakira (Si Tú No Vuelves), Juanes (Nada Particular), Amaia Montero de “La Oreja de Van Gogh” (Sevilla), David Summers de “Hombres G” (Los Chicos No Lloran), la brasileña Ivete Sangalo (Olvídame Tú), la actriz Leonor Watling (Este Mundo Va), la ex -Timbiriche Sasha Sokol (No Encuentro un Momento Pa Olvidar) y Alejandro Sanz (Hay Días), el único tema nuevo de la compilación.

Los amigos de Papito entregan lo mejor de sí, para hacer de esta celebración de 30 años una fiesta de sonidos, enérgica y pretenciosa, cautivante, que está a la altura de lo que representa uno de los artistas más importantes de la música en español. ¿Su cénit? Sin duda, un disco indispensable para sus fans, y una experiencia agradable para quienes miran con cierta distancia la forma y el fondo que Bosé representa.

La banda de Montreal vuelve con uno de los discos más esperados y comentados de los últimos meses. El fenómeno previo al lanzamiento de Neon Bible habla de una ansiedad colectiva, de una incontrolable necesidad de descubrir si Funeral (2004), su disco debut, sería sólo un acierto aislado, o como muchos piensan, The Arcade Fire se posicionaría como una de las bandas más influyentes del indie por estos días. Las especulaciones terminaron y el momento de conocer una nueva biblia ha llegado.

Neon Bible, tomado del título de la novela del fallecido escritor americano John Kennedy Toole -quien se suicidó a la edad de treinta y dos años-, es un álbum que logra niveles de emotividad tan intensos y deslumbrantes como en Funeral, pero desde una mirada completamente diferente. Tanto en la temática como en la propuesta sonórica, Neon Bible suena más crudo y desafiante, potenciando la rabia, la angustia y la desesperación, en un viaje de casi cincuenta minutos que zigzaguea entre la urgencia de caos y la oscuridad total, y donde Win Butler (voz y guitarra) nos habla como un predicador dulce y abatido, que sangra, se desgarra y envenena en cada palabra extraída de su Biblia de neón en la mano. El quinteto ha madurado en su sonido de pop experimental / post-punk, y se ha nutrido de nuevos recursos para expresar de manera descarnada y por momentos violenta, puntos de vista que parecen puzzles acerca del comportamiento de personas corrientes, la iglesia, el atentado al World Trade Center, y la industria del entretenimiento. Sin plantear una postura concreta, nos enrostra de forma paranoica y algo brutal, una verdad incómoda, que no importa si está o no en comunión con el colectivo.

El giro en el sonido de Arcade Fire no es tan radical como lo fue romper las guitarras de Ok Computer y embalarse por completo con el sonido más electrónico experimental de Kid A (Radiohead). Hay una línea coherente en su estética, pero toman riesgos y dan un salto al vacío, donde no se puede predecir a ciencia cierta cuáles serán las consecuencias. El disco abre con “Black Mirror” -elegida como primer single en USA-, una de las canciones más accesibles del repertorio de la banda, donde explotan una interesante psicodelia beatlesca, apoyada en hermosos arreglos de violines, con Butler cantando con una calma angustiosa, previa a la tormenta en una melodía que se vuelve adictiva de inmediato. “Keep the car running”, el single elegido para Europa, es un rock & roll fresco y energético, que da paso a “Neon Bible” donde aflora una claustrofóbica atmósfera construida sobre violines y coros lejanos, que desde la tranquilidad de un rezo repiten una y otra vez: Es la Biblia de neón / Biblia de neón / No hay oportunidad de sobrevivir / Si la Biblia de neón es cierta. “Intervention” es uno de los momentos más catárticos del disco. Todo suena trágico, rabioso y triste a la vez, ácido y dulcemente insano (Trabajando para la iglesia mientras mi familia muere / tu hermana pequeña va a perder la cabeza / cada chispa de amistad y amor morirá sin esperanza), con un órgano de tubo como base, que deja una sensación perturbadora dificil de describir. En “Black Wave/Bad Vibrations”, compuesta de dos canciones concatenadas, es Régine Chassagne quien toma las riendas de la primera con un estilo algo retro e inocente en su ejecución, resignada a ser aplastada por la destructiva calamidad de Butler en su rol de tirano castrador. Se esuchan lamentos y la angustia crece y se desborda. La intencionalidad de manipular la manía y la depresión están perfectamente logradas. “Ocean of Noise” no es un respiro, pero esta brillante, intensa, oscura y preciosa canción, nos transporta de lleno al sonido más entrañable de Funeral. “The Well & The Lighthouse”, “(Antichrist Television Blues)” y “Windowsill” son canciones que exploran sonidos más progresivos y experimentales dentro del espectro Arcade Fire, que reflejan el notable trabajo colectivo de músicos que no solo manejan la técnica, sino que logran ponerle una marca registrada a un sonido parafernálico y delicado, que mantiene como base el dramatismo en cada acorde. “No Cars Go” es una joya rescatada de un EP lanzado en 2003 que la banda ha tocado en la mayoría de sus conciertos. En el cierre, “My body is a cage”, baja las revoluciones, cava una tumba, y sepulta cualquier intento de bienestar. Es el predicador nuevamente quien gime, mientras se entierra él mismo y se eleva en coros religiosos y atmósferas sublimemente opacas. La sensación amarga y fúnebre de las últimas notas es devastadora (Vivo en una era que llama luz a la oscuridad).

Neon Bible es un disco que representa una reinvención sobre una estructura consolidada, donde The Arcade Fire sigue su propia voz, da un paso adelante y brilla más intenso, explosivo y grandilocuente, sumergido en su propia oscuridad. Se cierra una Biblia sombría con bordes iluminados, que carga con la presión del temido segundo disco para cualquier banda, logrando fortalecer los cimientos de su disco debut, y de paso proyectándolos en dimensiones insospechadas hasta ahora.