La conocida actriz nacional Blanca Lewin volverá a conducir un programa de televisión, esta vez entrevistando a connotados cineastas nacionales en el nuevo programa Filmografías, proyecto ganador del fondo audiovisual 2010, que será emitido desde agosto a través del Canal 13C.

Lewin será la encargada de interrogar a jóvenes directores, de la llamada “nueva camada del cine chileno” para revelar detalles de la creación y producción de sus obras. En esta primera temporada estarán como invitados entre otros, Pablo Larraín director de “Fuga”, “Tony Manero” y “Post Mortem” (próxima a estrenarse), Matías Bize director de “Sábado”, “En la cama” y “La vida de los Peces” (actualmente en cartelera) y Ernesto Díaz Espinoza director de “Kiltro”, “Mirageman” y “Mandril” (próxima a estrenarse).

Blanca Lewin ha participado activamente con el equipo audiovisual de la Productora La Toma en la realización de Filmografías. La actriz que ha trabajado en paralelo a sus grabaciones de la teleserie “Feroz” de Canal 13 y de su participación en la obra de teatro “La casa de los espíritus”, afirma que “Filmografías es una manera muy entretenida de conocer cómo es el cine chileno, sus directores y cómo ellos hacen sus películas, además es bonito descubrir el denominador común de esta generación de creadores”.

Han pasado aproximadamente catorce años desde la primera parte de “Scream” (1996); trece de la secuela, “Scream 2” (1997); y una década del cierre final de la trilogía con “Scream 3” (2000). Y hoy, después de escuchar durante mucho tiempo falsos y eternos rumores de una cuarta película, todo se aclaró el 2008, en la Comic-Con de San Diego, en la que los hermanos Weinstein confirmaron la realización de una nueva entrega, cuya filmación oficial partió ayer lunes, 28 de junio, en Ann Arbor, Michigan, y con fecha de estreno prevista para el 15 de Abril del 2011, en EE.UU.

Así, después de largas negociaciones, vuelve el equipo principal de la trilogía original, encabezados por el director Wes Craven; el guionista y creador de las dos primeras entregas, Kevin Williamson; más el trío sobreviviente de protagonistas: Neve Campbell (Sidney Prescott); Courtney Cox-Arquette (Gale Weathers); y David Arquette (Dewey Riley). También se suman al elenco, una camada de conocidas estrellas juveniles (y otras no tanto) que harán de las suyas y tratarán de sobrevivir: Emma Roberts (“Valentine’s Day”), Rory Culkin (“Señales”), Hayden Panettiere (“Heroes”), Nico Tortorella (“The Beautiful Life”), Anthony Anderson (“Scary Movie 3”), Marielle Jaffe (“Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief”) y Lauren Graham (“Gilmore Girls”). La actriz Lake Bell, quien estaba en el elenco, debió dejar la película por problemas de agenda, y se rumorea que Jordana Brewster (“Rápido y Furioso”) tomará su lugar.

En esta nueva película, los rumores apuntan a que el nuevo asesino estaría “recreando” los crímenes que asolaron al pueblo de Woodsboro hace catorce años, los protagonistas se verán en peligro y deberán enfrentarse a las reglas de los remakes o reboots, moda cinematográfica que tomó fuerza durante la década pasada. Kevin Williamson indicó que la película tendrá referencias a mujeres fantasmas asiáticas (como las de “El Aro”, “The Grudge”), filmes de vampiros (como “Queen of the Damned”, “Underworld”, “Twilight”), cintas de M. Night Shyamalan (como “Señales”, “The Village”, “The Happening”) e incluso torturas (como “Saw” y “Hostel”).

Si todo sale bien en taquilla, a “Scream 4” le espera una quinta y sexta parte, que formarían una nueva trilogía para las nuevas generaciones, tal como pasó con “90210” y “Melrose Place”.

Matías Bize se caracteriza por hacer películas en las que captura lo más íntimo de sus personajes, con cintas como “Sábado” y “En La Cama”, que le han creado una buena reputación como director.  Ahora nos presenta su nueva y más madura película: “La Vida de los Peces”, con guión e idea original de Julio Rojas.

La historia gira en torno a Andrés (Santiago Cabrera), un hombre treinteañero que vuelve tras diez años viajando por el mundo, como guía turístico para revistas. Así, llega al cumpleaños del hermano de su mejor amigo y se reencuentra con Beatriz (Blanca Lewin), el gran amor de su vida, que ahora está casada y con hijos.

La película ocurre en la fiesta y con secuencias que te permiten entrar en el ambiente e identificarte con los personajes. Puedes llegar a sentirte parte del grupo de amigos que se reencuentran, parte de la fiesta, parte de cada una de las escenas.
 
Santiago Cabrera actúa por primera vez en cine chileno y está perfecto. Se la puede como protagonista y está al mismo nivel de Blanca Lewin, e incluso superior, porque la cinta recae en sus hombros.

Totalmente recomendada para los que esperan algo bueno del cine chileno y alejado de los clichés, porque la emoción la logran por otro lado y con un gran elenco.

Carla Jara está de regreso. Y quiere provocar. Por eso la figura juvenil ahora se desató en su nuevo rol en el cine. Ahora ella es la mujer fatal de un nuevo cortometraje del joven realizador Francesc Morales.

Todo porque en “Escort” la actual animadora de “La Barra del Mundial” de TVN encarna una ingenua mujer que está haciendo su anuncio como dama de compañía. Además participa el actor César Muñoz, quien trabaja actualmente en el programa “Improvisa o Muere” del mismo canal. Ambos habían actuado juntos en el show de improvisación Impro Star, cuando la ex-Pelotón fue la invitada de la semana.

En el cortometraje la actriz viste una sensual ropa interior mientras habla de seducir hombres, mujeres, grupos y realizar otras cosas más extremas como lluvias doradas. Sobre el trabajo realizado, Morales, el director, sostiene: “Me interesaba la idea de escribir un guión sobre sexo que sin necesidad de mostrar desnudos fuera más provocativo que lo que normalmente se ve en televisión. Siempre me han llamado la atención los anuncios de las damas de compañía, de partida, porque a veces uno quiere una masajista y llega una de ellas. La gracia es que se habla acerca de ‘venderse’ de distintas formas”.

Sobre la participación de los actores, dice: “Carla la conocí cuando me llamaron para dirigir una obra de teatro en la que participaba, vi sus aptitudes y tiene bastante experiencia, ella ha participado en varios cortometrajes y teleseries pero la gente olvida que es actriz. Me parece genial que haya aceptado participar en algo que comienza simple pero termina con ella dando una clase de actuación. Mientras que a César lo había visto varias veces improvisando, me parece que tiene un sentido del humor muy divertido que oculta una gran faceta dramática”. Además en el cortometraje participó el director de fotografía hollywoodense Alex Leyton, quien andaba de paso por Chile, y ha participado en películas como Un Detective Suelto en Hollywood 3, El Mundo Según Wayne 2 y videoclips de Madonna y U2.

Además, el director exhibirá el que fue el primer cortometraje sobre el terremoto “Digerir” y se exhibirá un adelanto de su opera prima, “Humanimal” (www.humanimal.cl) el cual incluirá un bizarro show erótico, lo cual planea dejar a nadie indiferente. El evento será este Viernes 18 de Junio en el Mala Vida (Buenos Aires 207 esquina Loreto) a las 21:00 hrs, la entrada es gratuita hasta las 21:30 hrs. El cortometraje será exhibido en una pequeña gira que recorrerá ciudades como Valparaíso y Talca, para luego ser difundido por internet y festivales de cine nacionales.

La octogésima segunda entrega de los premios Oscar ya tiene a sus nominados. Con 9 nominaciones cada una, “Avatar” y “The Hurt Locker” lideran las categorías. La ex pareja de James Cameron y Kathryn Bigelow compiten en las categorías de Mejor Película y Mejor Dirección.

Este año la competencia por el premio a mejor película será entre diez nominadas, hecho que no se daba desde 1943. Además de “Avatar” y “The hurt Locker”, las otras nominadas son “The Blind Side”, “District 9”, “Inglourious Basterds”, “Precious: Based on the Novel ‘Push’ By Sapphire”, “A Serious Man”, “An Education”, y la animada “Up”.

Por su parte, Meryl Streep aumenta su récord de nominaciones a 16 por “Julie & Julia”. Jeff Bridges y Sandra Bullock se perfilan como los favoritos en las categoría de Mejor Actor y Actriz principal respectivamente.

En la categoría a mejor película extranjera, Argentina con “El secreto de sus ojos”, y Perú con “La teta asustada” disputan el premio junto a la ganadora del Globo de Oro, “The White Ribbon” de Alemania.

La lista completa de nominados:

Mejor Película
“Avatar”
“The Blind Side”
“District 9”
“An Education”
“The Hurt Locker”
“Inglourious Basterds”
“Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire”
“A Serious Man”
“Up”
“Up in the Air”

Mejor Actor
Jeff Bridges – “Crazy Heart”
George Clooney – “Up in the Air”
Colin Firth – “A Single Man”
Morgan Freeman – “Invictus”
Jeremy Renner – “The Hurt Locker”
 
Mejor Actriz
Sandra Bullock – “The Blind Side”
Helen Mirren – “The Last Station”
Carey Mulligan – “An Education”
Gabourey Sidibe – “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire”
Meryl Streep – “Julie & Julia”

Mejor Actor de Reparto
Matt Damon – “Invictus”
Woody Harrelson – “The Messenger”
Christopher Plummer – “The Last Station”
Stanley Tucci – “The Lovely Bones”
Christoph Waltz – “Inglourious Basterds”

Mejor Actriz de Reparto
Penélope Cruz – “Nine”
Vera Farmiga – “Up in the Air”
Maggie Gyllenhaal – “Crazy Heart”
Anna Kendrick – “Up in the Air”
Mo’Nique – “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire”

Mejor Guión Adaptado
“District 9” Written by Neill Blomkamp and Terri Tatchell
“An Education” Screenplay by Nick Hornby
“In the Loop” Screenplay by Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche
“Precious: Based on the Novel ‘Push’  by Sapphire” Screenplay by Geoffrey Fletcher
“Up in the Air” Screenplay by Jason Reitman and Sheldon Turner

Mejor Guión Original
“The Hurt Locker” Written by Mark Boal
“Inglourious Basterds” Written by Quentin Tarantino
“The Messenger” Written by Alessandro Camon & Oren Moverman
“A Serious Man” Written by Joel Coen & Ethan Coen
“Up” Screenplay by Bob Peterson, Pete Docter, Story by Pete Docter, Bob Peterson, Tom McCarthy

Mejor Cinematografía
“Avatar” Mauro Fiore
“Harry Potter and the Half-Blood Prince” Bruno Delbonnel
“The Hurt Locker” Barry Ackroyd
“Inglourious Basterds” Robert Richardson
“The White Ribbon” Christian Berger

Mejor Edición
“Avatar” Stephen Rivkin, John Refoua and James Cameron
“District 9” Julian Clarke
“The Hurt Locker” Bob Murawski and Chris Innis
“Inglourious Basterds” Sally Menke
“Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” Joe Klotz

Mejor Dirección de Arte
“Avatar” Art Direction: Rick Carter and Robert Stromberg; Set Decoration: Kim Sinclair
“The Imaginarium of Doctor Parnassus” Art Direction: Dave Warren and Anastasia Masaro; Set Decoration: Caroline Smith
“Nine” Art Direction: John Myhre; Set Decoration: Gordon Sim
“Sherlock Holmes” Art Direction: Sarah Greenwood; Set Decoration: Katie Spencer
“The Young Victoria” Art Direction: Patrice Vermette; Set Decoration: Maggie Gray

Mejor Diseño de Vestuario
“Bright Star” Janet Patterson
“Coco before Chanel” Catherine Leterrier
“The Imaginarium of Doctor Parnassus” Monique Prudhomme
“Nine” Colleen Atwood
“The Young Victoria” Sandy Powell

Mejor Maquillaje
“Il Divo” Aldo Signoretti and Vittorio Sodano
“Star Trek” Barney Burman, Mindy Hall and Joel Harlow
“The Young Victoria” Jon Henry Gordon and Jenny Shircore

Mejor Score Original
“Avatar” James Horner
“Fantastic Mr. Fox” Alexandre Desplat
“The Hurt Locker” Marco Beltrami and Buck Sanders
“Sherlock Holmes” Hans Zimmer
“Up” Michael Giacchino

Mejor Canción Original
“Almost There” from “The Princess and the Frog” Music and Lyric by Randy Newman
“Down in New Orleans” from “The Princess and the Frog” Music and Lyric by Randy Newman
“Loin de Paname” from “Paris 36” Music by Reinhardt Wagner Lyric by Frank Thomas
“Take It All” from “Nine” Music and Lyric by Maury Yeston
“The Weary Kind (Theme from Crazy Heart)” from “Crazy Heart” Music and Lyric by Ryan Bingham and T Bone Burnett

Mejor Largometraje Animado
“Coraline” Henry Selick
“Fantastic Mr. Fox” Wes Anderson
“The Princess and the Frog” John Musker and Ron Clements
“The Secret of Kells” Tomm Moore
“Up” Pete Docter

Mejor Director
“Avatar” James Cameron
“The Hurt Locker” Kathryn Bigelow
“Inglourious Basterds” Quentin Tarantino
“Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” Lee Daniels
“Up in the Air” Jason Reitman

Mejor Película Extranjera
“Ajami” Israel
“El secreto de sus ojos” Argentina
“La teta asustada” Perú
“Un Prophète” France
“The White Ribbon” Alemania

Mejor Documental (Largometraje)
“Burma VJ” Anders Østergaard and Lise Lense-Møller
“The Cove” Nominees to be determined
“Food, Inc.” Robert Kenner and Elise Pearlstein
“The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers” Judith Ehrlich and Rick Goldsmith
“Which Way Home” Rebecca Cammisa

Mejor Documental (Cortometraje)
“China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province” Jon Alpert and Matthew O’Neill
“The Last Campaign of Governor Booth Gardner” Daniel Junge and Henry Ansbacher
“The Last Truck: Closing of a GM Plant” Steven Bognar and Julia Reichert
“Music by Prudence” Roger Ross Williams and Elinor Burkett
“Rabbit à la Berlin” Bartek Konopka and Anna Wydra
 
Mejor Cortometraje Animado
“French Roast” Fabrice O. Joubert
“Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty” Nicky Phelan and Darragh O’Connell
“The Lady and the Reaper (La Dama y la Muerte)” Javier Recio Gracia
“Logorama” Nicolas Schmerkin
“A Matter of Loaf and Death” Nick Park

Mejor Cortometraje
“The Door” Juanita Wilson and James Flynn
“Instead of Abracadabra” Patrik Eklund and Mathias Fjellström
“Kavi” Gregg Helvey
“Miracle Fish” Luke Doolan and Drew Bailey
“The New Tenants” Joachim Back and Tivi Magnusson

Mejor Edición de Sonido
“Avatar” Christopher Boyes and Gwendolyn Yates Whittle
“The Hurt Locker” Paul N.J. Ottosson
“Inglourious Basterds” Wylie Stateman
“Star Trek” Mark Stoeckinger and Alan Rankin
“Up” Michael Silvers and Tom Myers

Mejor Mezcla de Sonido
“Avatar” Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson and Tony Johnson
“The Hurt Locker” Paul N.J. Ottosson and Ray Beckett
“Inglourious Basterds” Michael Minkler, Tony Lamberti and Mark Ulano
“Star Trek” Anna Behlmer, Andy Nelson and Peter J. Devlin
“Transformers: Revenge of the Fallen” Greg P. Russell, Gary Summers and Geoffrey Patterson

Mejores Efectos Visuales
“Avatar” Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham and Andrew R. Jones
“District 9” Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros and Matt Aitken
“Star Trek” Roger Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh

Durante el 2009 volvió a la televisión chilena tras un tiempo en su natal Italia. En la producción de Canal 13, Cuenta Conmigo, dio vida a la coqueta Loretta Serafini. Anteriormente había interpretado variados roles en teleseries de TVN, destacando con sus personajes en La Fiera o El Circo de Las Montini, entre otras. A continuación, Alessandra nos cuenta en exclusiva, sobre sus próximos pasos.

Tu último rol en televisión, fue interpretar a Loretta Serafini, ¿qué te pareció esa experiencia, que además significo tu regreso a las teleseries chilenas?
Fue muy emocionante, porque me llamaron a los pocos días de regresar a Chile y la verdad no me esperaba tamaño regalo de bienvenida. Además se trató de un equipo artístico, humano y técnico de lujo, por lo que fue una experiencia de verdad muy grata y enriquecedora. Siendo parte de Cuenta Conmigo.

¿Cómo viviste que haya pasado momentos de flexibilidad con respecto a su horario? ¿Se sintieron poco apoyados por el canal?
Pienso que lo de la flexibilidad de horarios fue una estrategia que el canal puso en práctica evidentemente con las mejores intenciones, pero temo que a final de cuentas no ayudó mucho, por lo menos no en el caso de Cuenta Conmigo.

¿Tienes nuevas ofertas para hacer teleseries u otros proyectos televisivos?
Tuve unas ofertas de trabajos muy puntuales que finalmente no acepté, porque no calzaban con el perfil que deseo mantener y dar a mi trabajo. Por el momento no tengo nuevos proyectos televisivos, pero mucha fe porque se están haciendo y produciendo cosas muy variadas e interesantes.

Ya que está de moda el formato nocturno, ¿participarías en una teleserie de ese tipo?
Por supuesto que sí: soy actriz y me interesa la calidad de las historias, de los personajes y de los proyectos por lo que no tengo ninguno prejuicio en contra o a favor de los formatos en sí, o de los horarios en que se trasmiten.

Te hemos visto siendo parte del musical Gusanos dirigido por Patty López. ¿Sigues en eso? ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con niños?
Sigo en Gusanos: tenemos confirmado taller y gira en Antofagasta trabajando con hijos de mineros para la primera quincena de mayo y la producción está también evaluando la posibilidad de una temporada en Santiago durante las vacaciones de invierno. Trabajar con niños ha sido un tremendo desafío y un enorme regalo, tanto en términos personales como artísticos. Son los mejores actores, lo más generosos y entregados, por lo que se aprende muchísimo de ellos, y son también el publico más exigente y agradecido.

¿Tienes nuevos proyectos en teatro?
Estoy en la preproducción de Afterplay, una obra de un autor contemporáneo, pero con aires chejovianos, que espero se logre montar durante el primer semestre; tengo también otros dos proyectos, uno nacional y otro internacional, de lo que aun no puedo adelantar nada, pero que me tienen súper entusiasmada y motivada…

¿Y en el área del cinematográfica, qué proyectos tienes?
Voy a coprotagonizar junto a Pepe Soza, Dejarlos en el Bosque, segundo largometraje de Elisa Eliash, la directora de Mami Te Amo. Se trata de un Hamlet chileno, sin sangre, como lo define la misma realizadora, donde yo interpretaré una ambigua y conflictiva madrastra neo intelectual de izquierda, y José Soza, el padre mudo y ausente de una familia burguesa empobrecida, que sigue mirando la ciudad desde las alturas y el encierro. El titulo cita lo que le dice la mamá de Hansel y Gretel al papá antes de abandonar a los hijos a su suerte. En suma una película muy urbana sobre la desaparición y el abandono. La producción cuenta con el apoyo de Lastarria90 Cine Digital (equipo técnico, edición y exhibición) y ha sido seleccionada en los Encuentros de Co Producción del Festival de Valdivia y en los talleres Puentes de BAFICI en Argentina. La filmación está prevista para el segundo semestre de 2010.

Asimismo, junto a Diego Casanueva, estoy convocada para trabajar en el primer largometraje del director argentino Bernabé Demozzi que se filmará a finales de año en Buenos Aires y Valparaíso con protagonistas argentinos y chilenos, y que tanto en la producción como en los contenidos, pretende conformarse como un intercambio cultural y profesional entre los dos países. Es la historia de dos personajes exitosos, que en un solo día se ven enfrentados a cambios radicales en sus vidas, que los obligarán a revelar muchos secretos ocultos y cuestionamientos éticos y de como lograrán manejar las diferencias culturales y los prejuicios que siguen dividiendo a estos dos países geográficamente tan cercanos, pero cultural y moralmente tan alejados.

El largometraje nacional de cine fantástico protagonizado por actores vestidos de animales mostrará de manera gratuita el día Martes 19 de Enero un avance exclusivo dentro del 34 Festival de Cine UC. El evento será acompañado de una charla por su director, Francesc Morales, y su actriz protagónica, Jenny Cavallo, quien interpreta a una gata hipersexualizada con una obsesión con la maternidad. Se trata del primer papel protagónico de Cavallo, quien previamente tuvo unas participaciones menores en los largometrajes: Santos, El Brindis, Solos y Radio Corazón.

En este arriesgado y atractivo proyecto cinematográfico se han embarcado destacados actores nacionales quienes dan vida a los tres personajes principales de este filme: Ramón Llao es la torpe tortuga que vive en una oscura y desalojada casa junto al abusivo zorro (Sebastián Layseca). Cuando rescata a gata, (Jenny Cavallo), ambos compiten por conquistarla. Sin embargo, ella sólo seducirá a quien logre incorporar hábitos humanos.

Se trata de una película sin diálogos que es bastante poco convencional a lo que estamos acostumbrados a ver en nuestro cine. Para el debutante director Francesc Morales: “la historia busca a través de animales hablar sobre la decadencia de las costumbres sociales”.

Parte del elenco está compuesto por los jóvenes actores Francisco Gormaz y Cristóbal Tapia-Montt, quienes harán su debut en la pantalla grande. Ambos participaron juntos en las teleseries “Don Amor”, “Cuenta Conmigo” y próximamente estarán en “Feroz”, todas producciones del área dramática de Canal 13. Además, Felipe Avello, panelista de SQP, en su papel de tigre hará su incursión más seria en el cine nacional.

El rodaje se llevó a cabo a mitad del 2009, convocando bastante atención de la prensa internacional, en donde fue destacada como una de las películas más arriesgadas del último tiempo. Incluso tuvo dos artículos en “Fangoria”, la revista de terror más importante de EE.UU. Recientemente fue parte de la competencia Cine en Construcción del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano en Cuba. Mientras que en Chile se han mostrado avances en distintos festivales como Santiago Rojo Sangre 2008, IX Cine de Caverna Benavides, V Festival de Cine Joven Rengo, Festival de Cine B, Microfestival de Cine, entre otros.

“Humanimal” espera ser estrenada comercialmente el próximo año 2010 ya que antes se presentará en distintos festivales internacionales y nacionales de cine fantástico. Mientras tanto, el director Francesc Morales no descansa y ya trabaja en un nuevo proyecto: un musical que mezcla el cine fantástico con personajes folklóricos.

Comenzó la temporada de premios. Anoche se entregaron los Globos de Oro, considerados como la premiación más importante del cine y la TV después de los premios de la Academia. Fue anunciada con bombos y platillos como la gala más grande que estos premios hayan tenido. Más de 50 presentadores para todos los gustos que incluían desde la cantante Christina Aguilera hasta una embrazadísima Amy Adams.

En Cine, la noche se abrió con el galardón a Mejor Actriz de Reparto que cayó en las manos de Mo’Nique (Precious), consiguiendo así la única de tres estatuillas a las que postulaba su película. Algo parecido pasó con el mismo premio en versión masculina, donde Christoph Waltz logró el también único premio para Inglourious Basterds, en las que eran dos de las categorías más obvias de la noche.

Las doblemente nominadas, Sandra Bullock (The Blind Side) y Meryl Streep (Julia & Julia) no se podían ir con las manos vacías y también se llevaron el premio a Mejor Actriz de Drama y Comedia respectivamente. En los machos, Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes) fue el Mejor Actor de Comedia o Musical. La gran sorpresa la dio Jeff Bridges (Crazy Heart), galardonado como Mejor Actor Drama, al vencer a los dos grandes favoritos de la noche: George Clooney y Colin Firth.

En el caso de las películas ganadoras, Up tenía asegurado el premio en la categoría de Animación y no fue sorpresa que se quedara con el galardón; mientras que en Avatar, ganadora a la Mejor Película Drama, las preferencias estaban un poco más divididas. Y se podría decir que la mayor sorpresa de la noche fue en la categoría de Comedia, donde The Hangover logró vencer a la multiestelar Nine y a (500) Days Of Summer, que junto a A Single Man terminaron siendo las grandes perdedoras de esta ceremonia.

En TV, en las categorías de drama, Julianna Margulies (The Good Wife) y Michael C. Hall (Dexter) lograron llevarse los premios a los Mejores Actores Principales. La serie Mad Men fue escogida como la Mejor Serie Dramática.

En el apartado de comedia en TV se repartieron bastante los premios. La serie favorita del momento, Glee, tenía nominaciones en 3 de las 4 categorías, sin embargo, sus protagonistas, Lea Michelle y Matthew Morrison no lograron llevarse los premios a Mejor Actriz y Actor Principal, estos fueron para Toni Collette (The United States Of Tara) y Alec Baldwin (30 Rock). Pero a cambio se llevo el premio gordo, Mejor Comedia o Musical. ¡Y era que no! Si de todas las series nominadas era la única que es comedia y musical al mismo tiempo… Además, siempre es agradable ver perder a 30 Rock.

Gran decepción fue ver a nuestros favoritos Jane Lynch (Glee) y Neil Patrick Harris (How I Met Your Mother) perder el premio a Mejor Actriz y Actor de Reparto TV, pero nos deja un poquito más tranquilos saber que fue ante Chloë Sevigny y John Lithgow, ambos grandes interpretes.

En cuanto a la Mejor Película Extranjera, la cinta chilena “La Nana” perdió contra The White Ribbon, de Alemania.

En general no se aprecian grandes ganadores y los premios estuvieron bastante repartidos tanto en Cine como en TV. La lista completa de ganadores es la siguiente:

Mejor Película – Drama
“Avatar”

Mejor Actriz Principal en una Película – Drama
Sandra Bullock, “The Blind Side”

Mejor Actor Principal en una Película – Drama
Jeff Bridges, “Crazy Heart”

Mejor Película – Comedia o Musical
“The Hangover”

Mejor Actriz Principal en una Película- Comedia o Musical
Meryl Streep, “Julie & Julia”

Mejor Actor Principal en una Película – Comedia o Musical
Robert Downey Jr., “Sherlock Holmes”

Mejor Actriz de Reparto en una Película
Mo’Nique, “Precious”

Mejor Actor de Reparto en una Película
Christoph Waltz, “Inglourious Basterds”

Mejor Película Animada
“Up”

Mejor Película Extranjera
“The White Ribbon”

Mejor Director
James Cameron, “Avatar”

Mejor Guión
Jason Reitman and Sheldon Turner, “Up in the Air”

Mejor Banda Sonora Original
Michael Giacchino, “Up”

Mejor Canción Original
“The Weary Kind,” “Crazy Heart”

Mejor Serie – Drama
“Mad Men”

Mejor Actriz Principal en una Serie – Drama
Julianna Margulies, “The Good Wife”

Mejor Actor Principal en una Serie – Drama
Michael C. Hall, “Dexter”

Mejor Serie – Comedia o Musical
“Glee”

Mejor Actor Principal en una Serie – Comedia o Musical
Alec Baldwin, “30 Rock”

Mejor Actriz Principal en una Serie – Comedia o Musical
Toni Collette, “United States of Tara”

Mejor Miniserie o Película hecha para la Televisión
“Grey Gardens”

Mejor Actriz en una Miniserie o Película hecha para la Televisión
Drew Barrymore, “Grey Gardens”

Mejor Actor en una Miniserie o Película hecha para la Televisión
Kevin Bacon, “Taking Chance”

Mejor Actriz de Reparto en una Serie, Miniserie o Película hecha para la Televisión
Chloe Sevigny, “Big Love”

Mejor Actor de Reparto en una Serie, Miniserie o Película hecha para la Televisión
John Lithgow, “Dexter”

Fotech.cl, por medio de una gran votación entre sus usuarios, realizó una lista con las películas que toda persona debería ver antes de morir. Se contabilizaron todos los votos y se llegó a una lista de 101 finalistas, que incluyen variedad de géneros para todos los gustos.

Los grandes clásicos de principios de siglo no estuvieron ausentes: ‘Casablanca’; ‘Ciudadano Kane‘, considerada la mejor película de la historia de cine; y ‘Lo Que El Viento Se Llevó’, obtuvieron excelentes lugares si se considera que la mayoría de los votantes ni siquiera nacía cuando estas películas tuvieron su momento de éxito (muchos foristas pertenece a un rango de edad que va desde los quince a los veinticinco años).

Los musicales también tuvieron su lugar, destacando el clásico de los 70’s, ‘Grease’, protagonizada por un joven y en ese tiempo esbelto John Travolta y una cada vez más desaparecida Olivia Newton John. La ganadora del Oscar ‘La Novicia Rebelde’ y la contemporánea ‘Moulin Rouge’ también se hicieron un espacio en el conteo.

Y porque no todo se trata de películas hollywoodenses, Hispanoamérica logró colocar varias películas en el ranking, destacando las españolas ‘Mar Adentro’ y ‘El Laberinto Del Fauno’, que logró un sorprendente lugar 24. Completan la lista la brasileña ‘Ciudad de Dios’ y por Chile, ‘Machuca’ en el lugar 97.

Para quienes tienen alma de niño, nos alegramos que Disney (y Pixar) lograran poner ocho películas en el conteo, incluyendo la única cinta animada nominada al Oscar como Mejor Película, ‘La Bella y La Bestia’; la primera película animada por computador ‘Toy Story’ y en un sorprendente cuarto lugar ‘El Rey León’.

Entre los actores con más películas en el conteo están Drew Barrymore (‘E.T.’, ‘Donnie Darko’, ‘Jamás Besada’ y ‘Scream’) y Tom Hanks (‘Toy Story’, ‘Rescatando Al Soldado Ryan’, ‘Philadelphia’ y ‘Forrest Gump’).

La película ganadora del ranking fue ‘Titanic’. Sin embargo, la elección no estuvo fuera de polémica, varios usuarios mostraron su rechazo a la ganadora. Czar comentó “Me siento estafado, es tan fome Titanic, existen mil historias de amor igual y mejor contadas”, pero los defensores de la ganadora no demoraron en contestar: “Me carga que la basureen tanto, no es simplemente una historia mamona de amor más, como cualquier otra como todos los haters la catalogan. Cómo puedes odiar una película en donde toda la humanidad es humillada por la naturaleza, que demostró quién era en este mundo y qué pasaba si te atrevías a desafiarla y menospreciarla”, respondía el usuario Nasgliev.

Para bien o para mal, el conteo no dejó indiferente a nadie. Ahora conoce la totalidad de los lugares:

101. The Lake House
100. A Beautiful Mind
099. Ghost
098. Never Been Kissed
097. Machuca
096. Mar Adentro
095. Romeo + Juliet
094. The Reader
093. Enchanted
092. Lost In Translation
091. The Hours
090. Up
089. Reservoir Dogs
088. Spirited Away
087. The Godfather Part. II
086. Garden State
085. The Pursuit Of Happyness
084. My Best Friend’s Wedding
083. Philadelphia
082. The Devil Wears Prada
081. The Sixth Sense
080. Casablanca
079. Cidade De Deus
078. Saving Private Ryan
077. Saw
076. House Of Sand And Fog
075. The Shawshank Redemption
074. Grease
073. Amadeus
072. Misery
071. Crash
070. Gladiator
069. The Exorcist
068. Finding Nemo
067. Braveheart
066. Bridget Jones’s Diary
065. Inglourious Basterds
064. Star Wars Episode III: Revenge Of The Sith
063. The Departed
062. Before Sunrise
061. Mean Girls
060. Dead Poets Society
059. The Bridges Of Madison County
058. The Sound Of Music
057. American Beauty
056. Brokeback Mountain
055. The Pianist
054. Mulholland Dr.
053. Memento
052. Harry Potter And The Sorcerer’s Stone
051. Dancer In The Dark
050. The Butterfly Effect
049. Monsters, Inc.
048. Cinema Paradiso
047. Terminator 2: Judgement day
046. Beauty And The Beast
045. The Others
044. Alien
043. The Lord Of The Rings: The Fellowship Of the Ring
042. E.T. The Extra-Terrestrial
041. Citizen Kane
040. Se7en
039. Cruel Intentions
038. Closer
037. Halloween
036. Trainspotting
035. Jurassic Park
034. Star Wars Episode IV: A New Hope
033. Pride & Prejudice
032. Psycho
031. Donnie Darko
030. Scream
029. Star Wars Episode V: The Empire Strikes Back
028. The Silence Of The Lambs
027. The Lord Of The Rings: The Return Of The King
026. The Matrix
025. Moulin Rouge!
024. El Laberinto Del Fauno
023. Slumdog Millionaire
022. Toy Story
021. The Shining
020. Fight Club
019. The Notebook
018. Pulp Fiction
017. Gone With The Wind
016. Little Miss Sunshine
015. Big Fish
014. Kill Bill Vol. 1
013. A Orange Clockwork
012. The Godfather
011. Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain
010. Forrest Gump
009. The Dark Knight
008. Wall·E
007. Edward Scissorhands
006. La Vita È Bella
005. Schindler’s List
004. The Lion King
003. Eternal Sunshine Of The Spotless Mind
002. Requiem For A Dream
001. Titanic

Una nueva entrega de “Scream”, la franquicia de terror y sátira que partió en 1996, llegaría en 2010, a diez años de la última película de la trilogía. Todo comenzó con un anuncio de Weinstein Produccions y la clásica Dimension Films, cuyo logo aparece al comienzo de todas las películas, confirmando la producción de la nueva secuela que iniciará una nueva trilogía, con Kevin Williamson a cargo del guión, volviendo al rol que le corresponde.

Luego llegó la confirmación de Courtney Cox y David Arquette, su marido en la película y la vida real, que regresan en el papel de Gale y Dewey, respectivamente. Y aunque la participación de Neve Campbell era poco probable, finalmente confirmó que volverá en la nueva entrega como la sufrida Sidney Prescott, e incluso habló con la prensa sobre el tema, asegurando que sólo necesita el peinado, con la chasquilla que usó en la original, para volver a su piel.

Ya se confirmó que comienzan a filmar a mediados de abril, Kevin Williamson mostró una línea del guión en su Twitter y los más optimistas esperan un estreno antes de diciembre de 2010. Además, Neve dijo que lo más probable es que Wes Craven vuelva, para dirigir la película. Lo mejor es que esto ya es real y sólo queda esperar.

¡Tengan cuidado al contestar el teléfono! ¡Ghostface está de vuelta!

“La Nana” es nuestro orgullo nacional en cuanto a reconocimiento cinematográfico en el extranjero. Empezó ganando el Gran Premio del Jurado como mejor película y mejor actriz para la genial Catalina Saavedra en el Sundance Film Festival, todo antes de su estreno en el país, y hoy se convierte en la primera cinta chilena nominada al Globo de Oro como Mejor Película Extranjera, cuya premiación será el 17 de enero próximo.

Durante agosto fue altamente esperada en la cartelera local. Y es que la película del egresado de la Escuela de Cine, Sebastián Silva, fue ganando con el tiempo más y más terreno entre la crítica especializada y los circuitos de premiaciones internacionales: llegó al Festival de Cartagena, el Huelva, el Lima, los Spirit, los Satellite y el Gotham, donde se premió a Saavedra como “Mejor Actriz Revelación”, premio que desde el 2004 ha garantizado a sus ganadoras una nominación a los Oscar (Ellen Page, Amy Adams, Catalina Sandino Moreno, Melissa Leo, etc.).

El mayor reconocimiento llegó hoy al conocerse las nominaciones a los Globos de Oro, considerada la segunda premiación más importante del séptimo arte mundial después de los Oscar: entre las nominadas como Mejor Película Extranjera está el nombre de “La Nana”, “The Maid” para los gringos. Para muchos no era una sorpresa, para otros, es el mayor logro que ha alcanzado una película chilena en toda la historia del cine. Palmo a palmo estará luchando por el Globo junto a películas como “Los Abrazos Rotos” de Almodóvar o la mundialmente aclamada “El Lazo Blanco” de Alemania.

Antes de las nominaciones, varios medios pronosticaban este resultado, incluso alguna posible nominación de Catalina Saavedra como Mejor Actriz Dramática. Finalmente la nominación fue sólo para la película, pero el optimismo en ciertos sectores sigue esperando a ver qué pasará con las nominaciones a los Oscar este 2 de febrero… ¡Ah!, me olvidaba, “La Nana” no podrá estar como candidata a Mejor Película Extranjera porque el Estado decidió darle su apoyo para la nómina inicial a “Isla 10: Dawson”, de Miguel Littín, quien manifestó estar bastante confiado en que su película ganará la codiciada estatuilla… Cri-cri-cri.

Al menos no nos quedaremos con las ganas de ver a nuestra nana caminar por la alfombra roja entre grandes estrellas del cine. Nada mal para una película que se filmó en la casa del director y que no pretendía nada más que dar una mirada personal de la realidad de una nana como cualquier otra.

El éxito obtenido con “Crepúsculo” (Twilight) el año pasado, con setenta millones de dólares recaudados en su primer fin de semana de estreno, dio por sentado que la continuación de la historia de amor entre la común joven de secundaria, Bella (Kristen Stewart) y el vampiro “vegetariano”, Edward (Robert Pattinson) tenía que seguir su incursión en la gran pantalla. Es por eso que de inmediato se comenzaron a mover los hilos para dar vida a “Luna Nueva” (New Moon), el segundo libro de la popular saga escrita por Stephanie Meyer.

Dicho y hecho, un año después, la saga de “Crepúsculo”, “Luna Nueva”, se estrenó con un éxito arrollador, logrando recaudar en un día lo que “Crepúsculo” hizo en todo un fin de semana. Ya para el término de éste, “Luna Nueva” se echaba al bolsillo ciento cuarenta millones de dólares en recaudación, duplicando a su antecesora y de paso posicionándose en el tercer lugar de los mejores estrenos de la historia.
 
¿Qué tiene esta saga que vuelve a todas locas? Es la pregunta que todos los no fanáticos y los declarados detractores se preguntan. Por otro lado las que sí son fanáticas no se rompen la cabeza tratando de encontrar una explicación exacta, simplemente viven este fenómeno al máximo. Quizás sea la cabellera cobriza y la voz aterciopelada de Edward la razón de tal histeria, o también el efecto que hicieron los esteroides en el cuerpo de Jacob (Taylor Lautner), el personaje que en esta oportunidad llega para restarle protagonismo al vampiro que todas aman. Atrás quedaron el Team Aniston y el Team Jolie; hoy la moda nos hace parte de la mitológica batalla entre el vampirismo y la licantropía, llevados a un nivel mucho más superficial, claro está. Porque si eres de los que cree en el amor a primera vista, entonces eres Team Edward; sin embargo, si crees en la amistad y a partir de ella cultivar el amor, definitivamente eres del Team Jacob.
 
“Luna Nueva” da un vuelco a lo que “Crepúsculo” mostró, básicamente porque Edward decide abandonar a Bella ante su inminente afán de protegerla y darle una vida normal. Es ahí cuando la protagonista cae en una profunda depresión, dándole paso a un nuevo personaje en esta historia: el agujero en su pecho. Ante esta situación aparece Jacob, el amigo que desinteresadamente ayuda a Bella a sanar en parte los bordes de aquel vacío. 
 
Con esta base se da vida a una película que deja en claro el cambio de director y el alza en el presupuesto. Chris Weitz (The Golden Compass) barrió con el irritante filtro azul del que Catherine Hardwick abusó en “Crepúsculo”, lo que hace de “Luna Nueva” una película con buenos colores y de agradable estética y fotografía. Chris tiene experiencia en adaptaciones literarias, y cuando se trata de fantasía sabe cómo jugar con ella, creando escenas que difícilmente pasaron por la mente de los que leyeron el libro. Sin embargo, a pesar de la fidelidad de la película para con el libro, hubo un abuso en los diálogos extraídos de éste, tanto así que para quien haya leído la obra original, varias veces resulta fácil reconocer qué palabra sigue a continuación. Y el poco espacio que quedó para introducir el guión se traduce en frases redundantes, empalagosas y carentes de originalidad… Pero sin duda la gran revelación fueron los hombres lobos, porque cada escena que los involucra capta la atención de todos, y es que en definitiva sus intervenciones mantienen la acción, están bien hechas y soprenden. Aunque hay que reconocer que los efectos especiales aún no logran estar a la altura de los grandes blockbusters que vimos este año (hasta el mamut de La Era de Hielo tiene mejor pelaje).
 
Las actuaciones bastante acartonadas por parte de los protagonistas masculinos no hacen más que frustrar la fascinación por estos seres mitológicos. Esto hace que con poco esfuerzo Kristen Stewart sea quien sobresalga, logrando dar con la depresión propia que vive su personaje. Aunque no es de extrañar que Bella sufra tanto por la ausencia de Edward, porque después de todo la química entre Kristen y Taylor es demasiado pobre y forzada. Quizás hubiese sido mejor aminorar “El Show de Bella” y profundizar en otros personajes, como Los Vulturis, la supuesta realeza vampírica. De esta forma se podría haber hecho justicia a la publicitada incorporación de Dakota Fanning al elenco, ya que su breve intervención deja un sabor amargo.
 
Si “Crepúsculo” es mejor que “Luna Nueva” o que si “Luna Nueva” es mejor que “Crepúsculo”, eso es algo que queda a gusto del consumidor. Ambas películas se sostienen en argumentos y recursos diferentes, pero que al final cumplen con su cometido: entretener a su séquito de fans y de paso generar los millones que dejan felices a los cabecillas detrás del fenómeno Twilight.

Desde clásicos de la animación hasta las películas más recientes, una mezcla de todos los tiempos, los personajes animados fueron expuestos a una seria votación que terminaría escogiendo a los diez más amados y a los diez más odiados según la preferencia de los usuarios de Fotech.cl.

Exitazos de antaño de la compañía Disney lograron ubicar en los últimos puestos a dos princesas, Cenicienta y Bella, en los personajes más queridos por la comunidad fotechita, contrastando con otros como Lady Tremaine, la madrastra de Cenicienta, que se llevó las pifias junto a otra malvada como lo es Cruella de Vil.

Un dato curioso es la poca aceptación que traslució en esta votación la mayoría de los personajes de Shrek, película que se llevó los agravios de los usuarios. El protagonista, su novia Fiona, el Burro y el Príncipe Encantador fueron algunos de los más apabullados. Algunos no pensaron que la cinta que más logros y premios acaparó en audiencia fueran recibidos de esta manera. “La película me encanta, aunque los personajes no son muy adorables que digamos”, comentaba la forista Fran sobre este suceso. La galleta de Jengibre fue la única que se salvó de toda esta masacre de odio, nada menos que llevándose el puesto Nº 9 de los más amados.

Otra de las curiosidades, y más que eso, fue una sorpresa ver a Buzz Lightyear (Toy Story) en el lugar Nº4 de los más odiados, en contraste a Woody, su inseparable compañero, que obtuvo el  el lugar Nº 7 de los más amados.  ¿Por qué?  Pocos foristas fueron capaces de decir abiertamente que no les gustaba. El villano Scar, de la clásica película “El Rey León”, fue elegido como el personaje más odiado por el público fotecho.

Finalmente, los dos primeros lugares de los más amados, fueron escogidos en una estrecha votación. La ultra amada Dory de Buscando a Nemo y el pequeño robot Wall-E siempre estuvieron en la palestra peleándose por lograr ser el más querido y esta vez hubo un ganador… mejor dicho… una ganadora… Bajo un estrecho margen la flamante ganadora fue nada menos que la olvidadiza Dory, elevándose con el trofeo del primer lugar. Muchos celebraron, aunque el forista y moderador de cine SpookyMulder, furioso dejó el debate al aire al postear: “Esto sólo demuestra que hay varios que aún no ven Wall-E. Parece que esperan que la den por Canal 13 en tardes de cine”.

¿Será cierto? ¿Podrá Wall-E algún día quitarle el trono a la imbatible Dory?  Puede que en un futuro sí, o puede que la racha se mantenga.  Pero lo claro que ya tenemos los ganadores y perdedores en esta votación.

La lista completa es la siguiente:
 
PERSONAJES AMADOS
 
Lugar Nº 10: Cenicienta (La Cenicienta) / Timón (El Rey León)
Lugar Nº 9: Jack (El Extraño Mundo de Jack) / Galleta de Jengibre (Shrek)
Lugar Nº 8: Bella (La Bella y la Bestia)
Lugar Nº 7: Woody (Toy Story)
Lugar Nº 6: Dug (Up)
Lugar Nº 5: Remy (Ratatouille)
Lugar Nº 4: Sebastián (La Sirenita)
Lugar Nº 3: Sid (La Era del Hielo)
Lugar Nº 2: Wall-E (Wall-E)
Lugar Nº 1: Dory (Buscando a Nemo)
 
 
 
PERSONAJES ODIADOS
 
Lugar Nº 10: Fiona (Shrek)
Lugar Nº 9: Lady Tremaine (La Cenicienta)
Lugar Nº 8: Cruella de Vil (101 Dálmatas) / Jessie (Toy Story 2)
Lugar Nº 7: Pete (Toy Story 2)
Lugar Nº 6: Burro (Shrek) / Darla (Buscando a Nemo)
Lugar Nº 5: Oscar (El Espantatiburones)
Lugar Nº 4: Buzz (Toy Story)
Lugar Nº 3: Shrek (Shrek)
Lugar Nº 2: Príncipe Encantador (Shrek)
Lugar Nº 1: Scar (El Rey León)

En los últimos días se hizo público uno de los proyectos que tiene Canal 13 para su primera teleserie del 2010, una historia centrada en vampiros. Para esta producción, el canal tendría contemplado al cineasta Jorge Olguín como director, quien tiene experiencia en el tema gracias a su filme “Sangre Eterna”, que estuviera protagonizado por Blanca Lewin, quien justamente tendría el rol central en la próxima apuesta dramática de UC-TV.

Y si bien Olguín ha demostrado su talento en la pantalla grande, no es lo mismo que hacerlo en teleseries, campo en el que no tiene ningún tipo de experiencia, y es ahí en donde hay que preocuparse. Si el proyecto de telenovela sobre vampiros llega a materializarse en la estación católica y cae en manos de un director de cine puede ser peligroso, debido a que está claro que hacer cine y hacer televisión son dos géneros muy diferentes y el tener experticia en el primero no significa que también se puede hacer lo mismo en el segundo.

Es más, hay dos casos emblemáticos de hombres de la pantalla grande que en su intento por hacer telenovelas fracasaron, a pesar de contar con grandes éxitos en materia de filmes. El primero fue Ricardo Larraín, quien a mediados del 2000 llegó a Canal 13 como director general del área dramática tras el fracaso de varios proyectos y la postergación de la emisión de “Corazón Pirata”. La idea era que renovara el área y es así como el 2001 sale a la luz la primera telenovela de su gestión, “Piel Canela”, la cual fue un rotundo fracaso, obligando en octubre de ese año a Larraín a renunciar a su cargo. Un gran traspié en su carrera en donde de nada le sirvió ser el mentor de uno de los mayores éxitos del cine de los noventa, “La Frontera”.

Pero la señal universitaria no aprendió de la lección de este hombre y a fines del 2003 contratan a Cristián Galaz para que dirigiera la teleserie “Hippie”, otro recordado fracaso de la estación en materia de producciones dramáticas. A pocos días de su estreno, Galaz también se vio en la obligación de renunciar, demostrando una vez que más que ni siquiera su exitazo en el cine con “El Chacotero Sentimental” le sirvió para abrirse paso de buena manera en un terreno desconocido, como es el hacer teleseries.

De esta forma, se confirma el tan conocido refrán, “pastelero a tus pasteles”, así es que si Canal 13 quiere intentarlo por tercera vez poniendo a un director de cine a cargo de una telenovela, que lo piense muy bien. Y cómo no, son géneros muy distintos y con códigos extraordinariamente diferentes el uno del otro, por lo que ojo con la nueva apuesta de la estación católica si es que prospera la historia de vampiros y con Jorge Olguín a la cabeza, debido a que o él tendrá que aprender mucho de teleseries para sacarse el estigma de hombres de cine que fracasan en TV o simplemente arriesgarse tal como en un momento lo hicieron Larraín y Galaz, con los desfavorables resultados ya conocidos en las historias de las producciones dramáticas chilenas.

No, no es un trabalenguas ni un código encriptado. Tampoco es el nombre del último transbordador espacial de la NASA. Simplemente, es la pelea de moda, ésa que usted debe conocer. Si no entiende, para empezar vaya a su cine más cercano, averigüe y véala. Luego, diríjase al Blockbuster igual de cercano, averigüe y arriende la otra. O por último, vaya a la esquina apropiada y compre las dos por luca sin averiguar nada. Que le quede claro: véalas. ¡Ambas!

El problema que se presenta después es comparativo. ¿Cualitativo, cuantitativo? En buen chileno: ¿cuál es mejor? ¿Por cuál se decide? ¿Por la apocalíptica-y-al-final-optimista Wall-E, o por la american-way-of-life Up? ¿No sabe no responde? Veamos.

En esta esquina… Eeeeva…

El campeón actual, el invicto, el esfuerzo último de la tecnología Pixar. El robot de facciones humanas, ¡muy humanas!, que recorre la Tierra (que dicho sea de paso es muy parecida a N.Y. en la época de los 40, sino remítase a Superman en blanco y negro) recolectando, compactando, apilando basura y coleccionando souvenirs de un tiempo pretérito. Cubos rubik, encendedores Zippo, y la caja de un anillo de compromiso (no el anillo, por supuesto), forman parte de su bunker. Es EL habitante del planeta. Acompañado por la infaltable cucaracha, que viene a ser su mascota, en un claro indicio de lo difícil que será sobrevivir en unos siglos más. Podría citar los lugares comunes: que hay no sé cuántos minutos sin palabras, que los efectos, que patatín patatán. Al callo: con sus solos ojos Wall-E nos habla de nuestra sociedad, la cuestiona con cada salida de protocolo, la incomoda con el puro y simple hecho de (enseñar a) saludar al otro, llama a la reflexión con el mínimo gesto cotidiano de ver al vecino. Wall-E no es una película: finalmente es una tesis. Una tesis respecto a la vida, respecto al camino tomado y a lo que nos espera si seguimos la cultura chatarriana. Wall-E es una patada a la almohada en que se ha acomodado nuestra alma, es un grito desesperado –y lúdico, en clave comedia- para que no nos equivoquemos. Recogiendo elementos de la comedia romántica, desde “Desayuno en Tiffany’s”, pasando por cualquiera de la Aniston, hasta “Cuando Harry conoció a Sally”, lo triste, y eso es lo notable, es que nuestro futuro se avisora muy semejante al que ahí vemos.

Y en la otra esquina… ¡Pero es un perro que habla!

El viaje del viejo, el contrincante, el rebelde, el aspirante al título. La pregunta es ¿por dónde viene el cuestionamiento?, que a esta altura parece ser EL concepto que Pixar pone como requisito. Por la vejez, por la marginalidad, por la incomprensión. Por el apuro moderno. Lo viejo ya no sirve y así me lo hacen ver siempre y yo tampoco tengo nada que aportar. Hasta que aparece la esperanza. ¿Suena conocido? Se inicia el viaje (pregunta para otro artículo: habrá una película animada que no sea en clave road movie?).

Es la venganza de la soledad. Es el cumplimiento de una promesa, de un sueño, de EL sueño. Y todo gracias al paradigma de la ingeniudad: Russell. Porque el señor Carl Fredicksen es en realidad Clint Eastwood (remítase a “Gran Torino” en versión tierna). Es el último bastión de la moral que necesita agiornarse, pero que en el fondo todos añoramos porque es lo correcto. Y nuevamente se presenta la tesis respectiva: uno es el responsable de sus actos, y uno puede cambiar el mundo porque finalmente es lo que el corazón dicta. Si no estoy de acuerdo –cual Harry el sucio- puedo tomar la justicia por la propia mano (léase inflar los globos, ¡qué acto de rebeldía más notable!). Baste mirar el ejemplo del pequeño: la familia no necesariamente está donde se nace, sino donde se elige o donde las circunstancias juntaron…  En fin, una buena película de aventuras, chistosa, tierna.  

& the winner is…

Para mí Wall-E está un peldaño arriba. Es la top 1, la Federer, la Maradona. La siguen de cerca “Up” y “Buscando a Nemo”. Poquito más atrás, “Los Increíbles”  y “Ratatouille”. Ya, ok, sumemos a “Toy Story” también. Obvio que está en los top 10. De ahí en más, un escalón más abajo, otras como “La Era del Hielo”, “Monster Inc.” (que es muy chistosa, ¿no?), “Bichos”, “Hormiguitaz” y el resto, que sirve de mera entretención pero sería.

Usted opine, usted sugiera. Seguro tiene su propia tesis, su propio ranking. Pero ojo: luego de que haya visto la primera y arrendado la segunda –o comprado en la esquina ambas– la palabra es suya.

El Departamento de Extensión de la Universidad Central y Central Planet realizarán un evento, el día sábado 30 de mayo, donde se celebrará el 70ª aniversario desde la primera vez que Batman, el popular héroe del cine, la televisión y el comic, aparece en una historieta: en el célebre Detective Comics publicado el 1939 con la historia de “El extraño caso del Sindicato Quimico”.

El lugar de encuentro será la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central, ubicada en Santa Isabel 1186, Santiago Centro, y durará entre las 11:00 hrs. y las 18:00 hrs. La entrada es totalmente liberada.

Más información en el foro de Central Planet, www.centralplanet.cl.

Es interesante la manera en que Wonder Woman (popularmente conocida por nosotros hispanoparlantes como La Mujer Maravilla) parece moverse siempre por pistas alternativas de la cultura pop. Mientras los emblemáticos personajes de la gigante editorial DC Comics, Superman y Batman son pilares de su empresa mediática, –con varias superproducciones fílmicas, series animadas e inagotable merchandising– la princesa guerrera lleva años de engorrosa e infructuosa gestión para pasar a la gran pantalla, no obstante ser considerada objeto de culto para estudiosos de la posmodernidad quienes ven reflejados en su primordial representación de “lo femenino” en la historieta los más diversos tópicos, desde la moda en distintas épocas, el poder de la mujer en la maquinaria propagandística norteamericana, la paulatina liberación sexual en la posguerra, el reconocimiento instrumental del erotismo fetichista por la sociedad tardocapitalista y hasta su adoración más underground como ícono gay.

Con esas cartas de presentación sobre la mesa, podemos colegir que Wonder Woman (creada por William Moulton Marston en 1941) es de los menos inocentes en el panteón superheroico por cuanto el mundo occidental ha sido lento en asimilar las transformaciones que reivindican el rol activo de la mujer, y desde muy temprano debió vérselas con esta proyección simbólica de ello que adquirió fama casi inmediata. Llevado el conflicto al dilema de sus creativos, el “qué hacemos con La Mujer Maravilla” se ha vuelto parte de su esencia misma, y basta hojear sus aventuras para advertir un irregular registro que oscila entre cierta picardía light de tinte sexista y una sombría irrealidad, violenta y –hay que decirlo– también sexista, pintado sobre un background pseudo-mitológico que es más exótico que riguroso. Remontándonos a un preternatural pasado de cruentas guerras, la reina madre Hyppolita ha sellado un pacto con mañosas deidades grecolatinas para fundar su propio paraíso de Amazonas, Themyscira. Allí, de una inmaculada procreación hecha de barro e inspiración divina, nace su hija Diana para cumplir el destino de una princesa… lo cual se lía cuando un piloto de aviación, Steve Trevor, llega por accidente a la isla donde los machos están prohibidos y le tiende el lazo afectivo al afligido mundo de los mortales que necesitan mucha ayuda sobrenatural. A lo que ella decide intervenir con la ayuda de los Dioses pero desafiando el disgusto materno, con un pie en ambos mundos sin pertenecer propiamente a ninguno.

Sobre esta premisa se funda el universo de Wonder Woman, al que Warner Bros. le ha apostado a la realización de un largometraje animado (*). Como ya es regla sine qua non al momento de iniciar franquicias en el género, esta película de Lauren Montgomery (que antes trabajó de artista de storyboards para Liga de la Justicia y dirigió también en el mismo formato Superman: Doomsday) es una “origins story”, es decir, una presentación del personaje para familiarizar a los recién llegados, y que cuenta con la colaboración de Bruce Timm (Batman: la serie animada, Liga de la Justicia) y Gail Simone (Actual guionista de las historietas de WW), que dejan ver su aporte en el tratamiento televisivo de la acción y diseño de personajes, en combinación a un efectista despliegue de recursos tomados de los cómics actuales: Es una película calificada PG-13 (el equivalente a nuestro “Para mayores de 14 años”) por contener escenas más bien brutales y una sensualidad infrecuente en los “dibujos animados” occidentales, pero más que nada por sus satíricas reflexiones respecto al empoderamiento del mal llamado sexo débil. Tales salvedades –y del inconveniente de no tener subtítulos en español– la restringen un tanto del segmento familiar y se orienta más hacia los fans, que por primera vez tienen un producto audiovisual a la altura de la legendaria justiciera, más allá de la candidez con que se recuerda nostálgicamente la figura de Lynda Carter, que inmortalizó su rostro y figura como la Mujer Maravilla en la serie homónima de TV durante la segunda mitad de los 70.

Por otro lado, y para los más estrictamente comiqueros, Planeta DeAgostini lanzó, ya durante el año pasado, el taco compilatorio de Wonder Woman: Un año después (**), correspondiente a la miniserie de 5 episodios que marcaron el retorno de Diana Prince a su rol de heroína tras los traumáticos sucesos de Crisis de Identidad. Por supuesto, quienes desconocen tanto preámbulo cuentan con explicaciones de rigor que los pondrán al tanto en la historieta misma: Luego de desaparecer de la vida pública por trasgedir el código ético de la Liga de la Justicia (dando muerte a un criminal) Diana se encuentra combatiendo el mal vestida de civil como agente especial del Departamento de Asuntos Metahumanos, mientras su hermana menor Donna Troy, quien ha sido su suplente por el último tiempo, debe vérselas con un complot organizado por sus enemigos (Circe, Cheetah, Giganta) que exigen… a la Mujer Maravilla original de regreso. Pues bien, desde hace ya unas semanas es posible encontrar en librerías especializadas chilenas esta elegante edición que reúne el trabajo de Allan Heinberg (guionista de las series televisivas Sex & The City, The O.C. y Grey’s Anatomy) con el sobresaliente arte de Terry Dodson y su nuevo diseño de personajes para Wonder Woman, que sin duda merece un lugar en la repisa de los coleccionistas.

En suma, por primera vez en mucho, mucho tiempo, ejecutivos y creativos están haciendo un esfuerzo por poner en su merecido sitial el podio de la mítica Mujer Maravilla, subrayándole tanto a admiradores como neófitos que ésta vez las cosas van en serio, con un personaje para tomar en serio, con cualidades propias y singulares. Para la trivia más bizarra queda el recuerdo de Wonder Woman: Who’s afraid of Diana Prince? (¿Quién le teme a Diana Prince?, 1967) un corto de TV hecho por los mismos realizadores de la serie de Batman y Robin y que no pasaría de ser una burda y muy poco graciosa parodia si no fuera, oficialmente, la primera adaptación fílmica del personaje y la prácticamente desconocida Ellie Walker la primera actriz en interpretarla, a la manera de una sumisa y algo atolondrada mujer que fantasea con su alter ego superpoderoso frente al espejo. Curiosidades de la mitología ñoña y, claro, una involuntaria instantánea de los anhelos reprimidos de una aburguesada joven americana que estaba por soltar las amarras de una época conservadora.

De eso ya hace décadas. Hoy en día, con su carácter independiente y expeditivo, plena de atributos, con la fuerza para hacer valer su voluntad e imponiéndose como atractiva efigie de dominante poder sexual, todavía vale preguntarse ¿Quién le teme a La Mujer Maravilla?

(Sí. Feliz día Internacional de la Mujer)

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(*) Wonder Woman (2009). Dirigida por Lauren Montgomery, escrita por Bruce Timm y Gail Simone. Elenco con las voces de Keri Russell, Virginia Madsen, Alfred Molina, Marg Helgenberger y Rosario Dawson. Disponible en DVD (Zona1 en ediciones de 1 y 2 discos) y Blu-Ray.

(**) Wonder Woman: Un año después. Guión de Allan Heinberg, ilustraciones de Terry & Rachel Dodson. Artista invitado Gary Frank. Ed. Planeta DeAgostini, España (2008). 144 páginas (Precio de referencia $14.000. A la venta en librerías especializadas)

Y fui a la exhibición de la Star Wars en Chile como parte de la delegación del grupo Fan Solo. Muchos fanáticos la esperábamos, ya que en nuestras incursiones por Internet (sobre todo las chicas, que buscamos los detalles de los trajes) vimos las colecciones de fotos de las exhibiciones en Europa, Japón y EEUU, y queríamos que estuvieran en Chile… lástima que lo que llegó a nuestro país no es ni un diez por ciento de todo ese tesoro cinematográfico –tal como lo ha descrito el mismísimo Lucas y en eso estoy de acuerdo-.

Aunque no se puede desestimar la emoción de ver en vivo trajes, maquetas y los droides C3PO y R2-D2, en un máximo de veinte minutos puedes ver la mini-colección completa. Para empezar, en una gran sala blanca los droides ya nombrados, una mesa transparente con una serie de armas –sables de luz y blasters-, luego el starfighter de Anakin (nótese en la foto que R2-D2 está literalmente colgando), para pasar a la “parte oscura”, en la que encontrarán las vitrinas donde verán sólo tres trajes de Padmé Amidala, el de la Reina Apailana y uno de la doble de la Reina Amidala, Sabé.

También podrán ver el vehículo en que Anakin se lanzó en persecución de la cazarrecompensas que intentó matar a Padmé, la camilla y el traje de Darth Vader, el traje que usa Leia en Hoth, Boba Fett, un stormtrooper, Han Solo –sin Blaster-, un ewok, un alienígena de Utapau (ese de cara larguísima y cruzada por líneas), varias maquetas incluyendo un destructor imperial- y… creo que eso fue todo, porque el resto del espacio estaba ocupado por grandes paneles con imágenes de los planetas de la galaxia y la Estrella de la Muerte, además de fotos e ilustraciones sacadas de los enciclopedias visuales.

Disculpen si fui con mi crítica del Lado Oscuro, pero soy fan pero no me trago lo que es malo. Para quienes deseen verla, la entrada asciende a la no despreciable suma de $7500 pesos, con posibilidades de optar a un precio “colegio” de $4500 para cursos. Por $2500 más, niños y adultos pueden participar de la Academia Jedi, en donde aprenderán a usar un sable de luz y enfrentarse con Darth Vader (debo decirlo, en las presentaciones del grupo Fan Solo ya se hacía lo mismo desde el año pasado). En fin, se pasa un rato agradable, pero con un dejo de desilusión.

Lo tenemos por delante, convertido en producto superestrella del cine hiperindustrial. Watchmen está por ser relanzado al público para amplificar su estatus de culto para las masas y todos volverán a dirigir los ojos hacia su prestigioso autor, Alan Moore. Pues bien, esta nota NO se refiere a Alan Moore, sino al hombre que dio imagen y cuerpo a su relato, el padre visual de Los Vigilantes, el ilustrador Dave Gibbons.

Es curioso como funciona. La vida de Dave Gibbons está llena de irónicos azares y reveses imprevistos. A fines de los 70, tras consolidar su trazo en la prestigiosa editorial inglesa Fleetwat (2000AD, Judge Dredd), el ilustrador se animó a cruzar el charco para presentar una muestra de su trabajo a DC Comics. En aquel entonces Michael E. Uslan (quien se convertiría con los años en productor ejecutivo de los filmes de Batman de Burton a Nolan), lo llamó a su escritorio extendiéndole su portfolio de vuelta con un lapidario “No, gracias.” Tiempo después entraba por la puerta ancha junto con una oleada de creativos y artistas británicos, haciéndose cargo de Green Lantern junto a Len Wein; y transcurridos unos de años se convertía en ilustrador de la pieza capital en toda la historia del cómic norteamericano: Watchmen.

En una entrevista concedida a Comics Scene Magazine hacia los 10 años del hito, es probable que ni siquiera el mismo Gibbons haya tenido aún la distancia necesaria para determinar cuánto le quedaba por crecer al fenómeno, que ahora está por invadirlo literalmente todo, pero sí fue consciente de su impacto en la transformación del medio. “Obviamente Watchmen es un hito. Pocas veces trabajas en algo que sale perfecto y que luego es recibido tan bien comercialmente. Creo que Alan (Moore) y yo hicimos algo realmente importante… (Pero) antes leías historias porque el héroe te gustaba y lo admirabas, porque sentías una respuesta emocional. Hoy en día los personajes solo flexionan sus músculos y no son agradables. Estos tipos duros, cínicos, como The Punisher o Wolverine no me dicen nada” dijo en la ocasión, haciendo una suerte de mea culpa por haber ensombrecido la imagen monolítica del superhéroe como la habíamos conocido desde su origen. En efecto, junto con Moore intentaron, a comienzos de los años 90, resarcirse de tanta oscuridad y uva amarga haciendo una especie de homenaje a las glorias de la Edad de Plata en la serie 1963 para Image Comics, expresando la nostalgia de una época esplendorosa donde los buenos y malos eran plenamente reconocibles y que, claro, fue un estruendoso fracaso. La sensibilidad de los consumidores de historietas había cambiado y él era uno de los grandes responsables.

1973. Gibbons cruza la calle camino de su trabajo y se asoma por las oficinas de Fleetway en Londres; está por dejar su trabajo como topógrafo para marcar el comienzo de una exitosa carrera en el mundo del cómic. Tiempo antes, el pequeño Dave de 12 años, ve como sus estrictos maestros de escuela cogen un alto de historietas de superhéroes para arrojar a la caldera esa “perniciosa porquería americana” (Otra curiosidad si se tiene en cuenta que, en efecto, fueron los británicos los que inventaron la caricatura satírica que precedió a la narrativa gráfica secuencial). En 2009, en cambio, su obra cumbre no sólo está siendo reimpresa en múltiples idiomas y en los formatos más diversos, sino que es analizada concienzudamente por estudiosos de las artes, sociólogos de la era del Mass Media y reconocida como hito de la cultura de fines de siglo XX. Así pues, Watchmen se ha convertido en algo más grande que sus propios autores, más grande de lo que su propia editorial es capaz de controlar, y por ello extenderse aún más sobre todo lo dicho a su respecto es como darse cabezazos contra un muro. Aquí y ahora, creo que lo justo es rescatar para la memoria un pequeño gran relato de la dupla, a poco desconocido por el gran público aún cuando versa sobre el más icónico personaje del panteón superheroico comiquero universal. Sí, Superman.

El hombre que lo tenía todo (*) (1985), una historia de un episodio –es decir, un one shot– nominado al Premio Kirby 1986 y que en mi personal opinión es, muy probablemente, la mejor historia del Hombre de Acero publicada a lo largo de décadas de historia. Wonder Woman, Batman y Robin llegan a saludar al kryptoniano el día de su cumpleaños terrestre, sin embargo, le encuentran sumido en una especie de coma producido por la Clemencia Negra, un parásito alienígeno de repugnante aspecto vegetal enraizado en su pecho. Pronto descubren que se trata de un cruel plan urdido por el tirano interestelar Mongul, y mientras combaten con toda su fuerza al villano tratando paralelamente de liberar al héroe, éste se encuentra soñando una realidad alternativa donde su planeta natal no sólo no ha sido destruído, sino que vive una existencia plena y gloriosa junto a su familia. Un remoto acceso de conciencia y la ayuda del dúo dinámico permiten a Superman escapar de su ilusoria prisión, no sin renunciar a su más grande deseo. El epílogo muestra al equipo de bonachones paladines sacudiéndose el polvo de la aventura, alegres y solidarios, mientras el enemigo es capturado y arrojado al espacio, prisionero de su propio delirio de oscuridad y destrucción.

Hoy en día, cuando las fronteras del bien y el mal son confusas y equívocas, cuando es regla que los justicieros se fortalezcan sobre acciones éticamente cuestionables, cuando la conciencia del poder y el orden se han vuelto tan peligrosos como la maldad que dicen combatir, tenemos entre nosotros al hombre deseó aquellos mundos donde superhéroes son posibles, aquellos hechos a la medida de la ilusión, luminosos, de virtudes y valores excelsos. Nunca logrado conciliar del todo sus intereses con la maquinaria comercial de hacer comic-books y ha diversificado su trabajo hacia el diseño de personajes y escenarios de videojuegos e incluso carátulas de CD para grupos musicales. Gibbons es un tipo con los pies bien pegados a tierra, pero sin lugar a dudas sigue alimentando sus ensoñaciones.

Porque ser un artista creativo y leyenda viviente de la ilustración lo permite. En muchos aspectos, Dave Gibbons es como ese hombre que lo tenía todo.

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(*) “El hombre que lo tenía todo” de Moore/Gibbons y otras historias se encuentran publicadas en español en Superman de Siegel y Shuster, correspondiente al Nº12 de la colección Biblioteca Clarín de la historieta. Buenos Aires, Argentina, 2004 bajo licencia DC Comics (Precio de referencia $4.000 en librerías y kioscos.)

En medio de la fiebre hollywoodense por los remakes de las películas de horror de los 70 y 80, gracias a lo cual ya han destrozado “Prom Night”, “Halloween” y “La Casa De Cera”, entre otras, ahora llega la resurrección de Jason Voorhees, uno de los asesinos en serie más famoso en la historia del cine de terror.

Se trata de la versión 2009 de “Viernes 13”, que fue conocida en Chile como “Martes 13”, y cuya franquicia original tuvo más de diez partes, incluyendo a Jason asesinando en el espacio y enfrentándose, nada más y nada menos, que a Freddy Krueger, otro gran villano del género… Pero las primeras partes son clásicas…

“Viernes 13” parte de cero, mezclando lo mejor de las primeras entregas, sin darle tiempo al espectador para relajarse entre una muerte y otra, incluyendo entre las víctimas a jóvenes drogadictos, muy calientes y con ganas de cualquier cosa, menos de acampar en el Lago Cristal, lugar dónde ocurre la acción.

Jared Padalecki interpreta a Clay, un joven que va en busca de Whitney (Amanda Righetti), su hermana que desapareció hace seis semanas en ese lugar. Ahí se encuentra con un grupo de jóvenes quienes empiezan a ser atacados por Jason, con su inolvidable máscara de jugador de hockey, sin ningún tipo de piedad.

Éste es un remake respetuoso, que entretiene, hace reír, saltar, gritar y temblar. El director, Marcus Nispel, sabía a lo que iba y la segunda parte ya está en producción.

“Viernes 13″ fue estrenada en Chile esta semana y puedes verla en los mejores cines del país.

Tal como las grandes revistas dedicadas al Cine de todo el mundo eligen los personajes más importantes en la historia del séptimo arte, Fotech escogió a los 20 personajes cinematográficos favoritos para nuestros usuarios.
Los foristas votaron por veinte personajes, según sus preferencias personales, los que se contabilizaron según su orden de aparición, obteniendo así el “Top 20” de Personajes Cinematográficos de Culto para Fotech.

La lista final es:

20.- Edward Bloom de “Big Fish” (El Gran Pez)
19.- Elle Woods de “Legally Blonde” (Legalmente Rubia)
18.- Ellen Ripley de “Alien”
17.- Clarice Starling de “El Silencio de los Inocentes”
16.- Miranda Priestly de “The Devil Wears Prada”
15.- Scarlett O’Hara de “Lo que el Viento se Llevó”
14.- Mr. Darcy de “Orgullo y Prejuicio”
13.- Josie Geller de “Jamás Besada”
12.- Dory de “Buscando a Nemo”
11.- Indiana Jones
10.- Darth Vader de “La Guerra de las Galaxias”
9.- Forrest Gump
8.- Alex DeLarge de “La Naranja Mecánica”
7.- Wall-E
6.- Edward Scissorhands de “El Joven Manos de Tijera”
5.- Hannibal Lecter de “El Silencio de los Inocentes”
4.- Jack Sparrow de “Piratas del Caribe”
3.- Beatrix Kiddo de “Kill Bill”
2.- Amélie Poulain de “Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain”
1.- The Joker de “The Dark Knight”

Para más detalles, imágenes y referencias de cada personaje, ingresa al topic oficial, haciendo click AQUÍ.

Del libro a la película, Twilight (Crepúsculo), escrito por Stephanie Meyer se ha convertido de un tiempo a esta parte en un extraño culto adolecente que comenzó el 2005 con su publicación en Estados Unidos y se transformó rápidamente en un fenómeno de masas mayoritario entre las niñas, que ven reflejado su romanticismo idealizado en la figura de Edward Cullen, un vampiro “vegetariano”, perfecto en todo el sentido de la palabra y Bella Swan, la joven de diecisiete años, torpe, perdida y falta de emociones que se enamora de un instante a otro en este ser de la nueva mitología.

Hasta ahí, nada nuevo. Eso es Crepúsculo, con un ochenta por ciento de encaprichamiento veraniego y un veinte por ciento de emoción agregada a última hora, cuando la buena de la historia… Bella (obvio), se ve amenazada por otro vampiro que si se alimenta de sangre humana y ve en ella su próxima víctima a como dé lugar. Como termina esta parte de la historia es bastante obvia y no hace falta relatarla.

Posteriormente, Crepúsculo se transformó en una saga, con cuatro libros publicados y la misma fanaticada de siempre, pero con importantes detractores que critican la mediocridad en la escritura de Meyer y el exceso de éxito desmedido que ha tenido la saga.

Con todo esto, es inevitable que se tratara de llevar la historia al cine, originalmente con el primer libro, que se concretó en una película de bajo presupuesto (37 millones de dólares), llegando ahora a recaudar más de lo que nadie podía esperar (ya va cerca de los 300 millones de dólares). Y ya está en plan el resto de la saga.

La historia no es nada nuevo al libro y nos lleva por paseo interminable entre la “relación” de Edward (Robert Pattinson) y Bella (Kristen Stewart), sus familias de sitcom, sus compañeros de colegio (adornos), tensión intermitente y el próximo nominado a mejor actor secundario: El cactus de mano de Bella.

El guión en general es una buena adaptación al material original, se trató de mejorar lo inmejorable con resultados prudentes. Los bruscos cortes en las escenas, la sobreexposición de zoom en los rostros de los personajes, la música a destiempo, el exceso innecesario de polvos blancos y lentes de contacto claramente visibles hacen que el lado técnico del film no tenga valor por si solo… si a eso se le sumamos diálogos clichés e hilarantes con intención de seriedad nos da como resultado… ¡euforia efervescente por los actores, gritería en las salas de cine y cientos de sitios de fans y material adicional que complementan el culto!. La nueva forma de entretención risible. Y ¿quién dijo que ya habíamos visto suficiente? Esto es lo que “se lleva”, lo que hace que nuestras generaciones pasen sin historia, que todo se renueve y se mejore, que los vampiros ya no mueran al sol… que brillen y luzcan perfectos, que la mitología de antaño se quedé ahí, llegó su momento de trascender como se debe, que las tribus urbanas se manifiesten y produzcan este tipo de arte que se necesita, que mujeres en banca rota y sumidas en la depresión por comida den a expresar sus intenciones, que se comparen con Shakespeare y se vuelvan multimillonarias… ¡lo podemos lograr!… siempre hay público para todo.

Sigamos adelante y vamos todos a verla, que se lo merece tanto como la saga merece su gran fanaticada.

Otra que sobrepasa el límite de lo malo confundiéndose con matices venerables…

Una experiencia religiosa para todos aquellos que somos lo suficientemente adulto jóvenes.

Para los que somos lo suficientemente adulto jóvenes para haber crecido con películas de Indiana Jones en VHS, pero no tanto como para recordar una ida al cine a ver las aventuras del hombre que transformó la arqueología en algo cool, estar por primera vez frente a él en la pantalla grande es una experiencia particularmente religiosa. Porque Indy es, antes que cualquier análisis moral o político, una proyección de la infancia en su estado más puro. Sí. Un personaje de 65 años que no es ni el Viejito Pascuero ni tu abuelo puede remitirte a tus primeros años, independiente de la edad que tengas.

¿Por qué? Porque únicamente en la infancia es posible -al menos en su forma más pura- viajar por el mundo y la historia con nada más que la ayuda de la mente y la imaginación. Indiana Jones es imaginación, no en la desarmadora forma burtoniana, ni en el fascismo creativo de quienes lo venden y compran todo hecho (que tan bien graficaba el propio Burton con el niño adicto a los videojuegos de “Charlie y la fábrica de chocolates”). Indy, por razones que aún no termino de entender y no sé si quiera aún, es un personaje que no muere cuando sales del cine o apretas eject en el viejo VHS. Creo que todos los que estuvimos los mejores 20 años de nuestras vidas esperando el estreno de “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”, la cuarta entrega de la saga del héroe encarnado por Harrison Ford, renovamos nuestros votos con ese viejo cliché que afirma que el cine es, ante todo, un acto de fe.

Porque era tan fácil decepcionarse 20 años después, como cuando ves a esa chica que amabas en segundo básico desvencijada y con tres mocosos a cuestas, o cuando hace dos o tres veranos descubriste, gentileza de TVN, lo malos que en realidad eran los Thundercats. Pero Spielberg y Lucas tomaron las precauciones del caso y comprendieron que una cosa es la crisis post-adolescente que lleva a aferrarse a todo lo que alguna vez te hizo feliz, y otra muy distinta es pasarle gato por liebre a gente que tuvo años para agudizar su ojo cinéfilo. Y, de paso y como si lo primero fuera poco, no descuidar a las nuevas generaciones y al despreciable segmento de adictos a Jerry Bruckheimer y Michael Bay.

A diferencia de películas tan calculadamente juveniles y lolas que parecen hechas por un software (¡y lo están!), la cuarta entrega de Indiana Jones sí toma riesgos y rompe en pedacitos algunos sagrados mandamientos de Hollywood. ¿Qué es, en un filme valientemente asumido popcorn, un riesgo cinematográfico, sino que el interés romántico del protagonista sea una mujer de 50 años, rescatada de la primera entrega de la saga, y cuya actriz no hizo ningún trabajo relevante desde ahí? ¿O que el mismo héroe tenga 65 años, aun cuando el CGI le dé una mano en varios momentos, y no sea necesario recordarlo? ¿Y que el propio y ahora omnipresente CGI sólo esté presente en pinceladas y no haga la película completa?

La siempre impecable Cate Blanchett es el cosmético justo que necesitaba Indiana para verse cinematográficamente ondero a los ojos de los nacidos en democracia: una Beatrix Kiddo con peinado basenica y admiradora de Stalin. El ascendente Shia LaBeouf, proveniente de bodrios como “Transformers”, se redime en un personaje que promete convertirse en un sucesor del viejo Indy y así asegurar un dudoso segundo tiempo para una mega-saga. Y el gran John Hurt está ahí para recordarnos que el cine no se inventó ayer.

Como la cosa se ambienta en 1957, no pueden haber otros malos que no sean los rusos. Una incorrección política que habría escandalizado al anti-yanquismo old-school, hoy resulta cómica e irónica, reforzada con la clásica paranoia estadounidense que no deja bien parada al país que siempre salva al mundo en la pantalla grande. Porque, al final del día, todos son malos menos Indy y sus amigos, y ni Stalin ni McCarthy se levantarán de sus tumbas para quejarse.

La anécdota que impulsa al profesor Jones a volver a sus viejas andanzas es simple y efectiva: tras ser expulsado, a causa de la caza de brujas macartista, de la universidad donde da clases, le presta atención a un adolescente que conoce a un viejo colega suyo, raptado por los soviéticos tras haber descubierto una valiosa calavera de cristal en Perú. Juntos parten a un amexicanado Perú (vayan a un campo del sur de Chile, pregúntenle a la señora cuál es su música favorita, y después alegan) y descubren que tienen mucho más en común que su interés en la arqueología, develando uno de los temas más recurrentes en la filmografía de Spielberg.

Porque ver a Spielberg como un autor no es una autoconcesión a la nostalgia por parte de quienes estamos aterrados de cumplir veintivarios. Es simple sentido común y capacidad de conmoción.

El otro día leí, en el circunspecto suplemento cultural de un importante diario chileno, que Spielberg era algo así como “el culpable de la mugre que es el cine hoy en día”. No me dieron ganas de golpear al columnista (aunque sí tiré el diario contra la pared), pero sí de invitarlo a un helado, contarle un chiste o presentarle una mina. Los culpables de la mugre que es el cine hoy en día son los directores que hacen películas que son una mugre, no un tipo que llenó de fantasía los años más oscuros de la historia de muchos países, y logró que una generación al borde de la pérdida de la capacidad de asombro se emocionara y sorprendiera apelando a lo más fácil y más complejo a la vez: los sentimientos humanos primarios: el sentimiento de pertenencia (E.T.), el miedo (casi todo), el deseo de explorar el mundo (Indiana Jones), el síndrome de privación, y que en el último tiempo se tornó un director con no pocas obsesiones personales volcadas en películas de corte más “adulto” (Inteligencia artificial, Minority report, la odiosa La Terminal, la soberbia Munich). El valor de todas ellas es discutible. Pero uno se lo puede perdonar, porque uno tampoco sabe qué será de sí mismo cuando deje de ser un niño que busca arcas perdidas y se hace amigo de extraterrestres y se transforme, en forma terminante y quizás muy pronto, en un serio y aburrido adulto, incapaz de saltar como salta el viejo Indiana.

Es fácil adivinar cuál es la película que los guionistas chilenos han estado viendo para inspirarse. Pero no es tan fácil estar a la altura de ellas.

No es ningún secreto que los guionistas de nuestras teleseries se inspiran en películas, en su mayoría de Hollywood o de Europa, e incluso a veces toman ideas de culebrones extranjeros, sin tener la licencia, claro. Es cosa de ver la programación actual, para notar que Viuda Alegre está inspirada en Doña Flor Y Sus Dos Maridos, Lola en Este Cuerpo No Es Mío (The Hot Chic) y La Boda De Mi Mejor Amigo (My Best Friend’s Wedding). En las nocturnas, Alguien Te Mira tomó cosas de Sé Lo Que Hicieron El Verano Pasado (I Know What You Did Last Summer) y muchas otras de la serie estadounidense, Dexter. Esto no es algo malo, ya que, como muchos dicen, todo ya está hecho y las ideas andan volando. Pero el truco está en tomar las ideas de una buena forma, sin ponerlas ahí porque sí.

Un denominador común entre las películas que han inspirado las teleseries del último tiempo es Chicas Pesadas (Mean Girls), la comedia adolescente de 2004, creada por Tina Fey (Saturday Night Live) y protagonizada por Lindsay Lohan, quién se hizo conocida mundialmente por este film. La gracia de esta película es que logró darle una vuelta a las películas ambientadas en la secundaria, contando la historia desde la óptica de Cady Heron (Lohan) una joven que ha sido criada en África y ve al colegio como una jungla, dividida en tribus, en donde Regina George (Rachel McAdams), la más popular, es la que mueve los hilos del lugar. El humor negro y las situaciones disparatadas se mezclan con la angustia adolescente, creando una película que ha cautivado a millones de espectadores.

Descarado (2006) fue la primera que tomó este modelo. En la historia de los isleños clonados, Antonella Ríos interpretaba a Catalina, una joven de veinte años, o un poco más, pegada en cuarto medio, que lideraba un grupo de tres amigas (Antonia Santa María y Celina Reymond), tal como en Chicas Pesadas. Pero aquí no había desarrollo de personaje ni lógica en sus actitudes. Tal vez hubo una mínima intención por mostrar al personaje de Perla (Santa María), como una aspirante a líder, pero se desinfló en el camino y se reemplazó por unas niñas que se dedicaban a buscar hierbitas para hechizar al niño que les gustaba o persiguiendo al otro compañerito que les llamaba la atención. Pero no pasaba nada más allá de ver a la líder llevándolas de un lado a otro. Hay algo en las últimas producciones dramáticas de la estación católica que los lleva a presentar personajes de entre 17 y 20 años como si fueran niños de 12 o 13, por lo que fallan a la hora de entregar historias llamativas para ese público.

En Lola, tenemos a Natalia (Fabiola Matte), que incluso bautizó a su perrita como Regina George, en homenaje a la película, y tuvo momentos memorables como la niña mala que atormentaba a su hermanastra Meche (María Gracia Omegna), mezclando la película ya mencionada con la Cenicienta. Y ahora, con el alargue, puso a Chicas Pesadas en pantalla definitivamente, amigando a Meche con Natalia, quienes ya no se pelean al hombre de turno, sino que se enfrentan a una enemiga en común: Bernie (Emilia Noguera), la compañera de universidad de Meche, quien está pegada en la educación superior, atormentando a las niñas que no estén de acuerdo con ella, semestre tras semestre.

En los primeros capítulos de la segunda parte de Lola, se vio cómo Meche escuchaba las legendarias historias sobre Bernie, tal como se hablaba de Regina en el film, y todo empeoró cuando a la mechona se le ocurrió poner sus ojos en el novio de la líder del campus, Bruno, interpretado por Mario Horton. Actualmente estamos viendo cómo Bernie se hace la amiga de Meche y Natalia, a su vez, planea cosas para destruirla, tal como como Janis Ian en Chicas Pesadas… Aun queda algo del extremo infantilismo en los adolescentes, tan típico de las producciones del canal católico, pero en esta última ha habido algo de avance.

Por otro lado, en Mala Conducta, está Nicole (Marcela Del Valle), la perra más perra del Instituto 2×1, que se cree dueña del mundo y de sus dos amigas que la siguen como babosas. Es la Regina George más desenfrenada y más cercana a la original que se ha logrado traspasar a nuestra realidad. Aun así, queda mucho tiempo para llegar a ver algo con la onda y personajes geniales de Chicas Pesadas en la pantalla chica nacional. Los canales necesitan quitarse los miedos y atreverse.

Una película para salir del cine con una sonrisa y tarareando la canción principal.

Antes de ser abducida por el mundo laboral, iba a ver cualquier cosa que se estrenara en las carteleras locales. Hoy tengo que hacer un hueco en la agenda y escoger con pinzas la película del mes, y ese proceso de elección es más o menos así: Yo y Fran frente a la luminosa cartelera del Cine Hoyts. Ella me pregunta: ¿Qué vemos? Y yo le contesto: Algo que no me deprima. Optamos por el afiche más colorinche. Ahí estaba esa adolescente absolutamente embarazada con su capuchón de caperucita gris y su supuesto pololo, supuesto padre de la guagua, con cara de nerd y el traje menos sexy en la historia de la ropa deportiva. Con Fran nos miramos, ella se encogió de hombros y partió a comprar cabritas, yo no me preocupé, total a la Fran nunca le gusta nada.

95 minutos más tarde:

Salimos del cine. Yo vengo con una sonrisa estúpida en la cara mientras tarareo la canción final y ¡oh! sorpresa, la Fran también viene sonriendo. Me doy cuenta de que Juno es una película que vale la pena comentar.

En resumidas cuentas, ésta es la historia de una adolescente que se ve de 14, tiene 16 y habla como si tuviera 23. Juno es cool, creativa, irónica, inteligente y asombrosamente lúcida para su edad, además de tener un gusto en música y en cine que ya se quisieran varios treintones que se dicen cultos e informados.

Al empezar la historia, Juno (Ellen Page) descubre que está embarazada de su poco expresivo compañero Bleeker (Michael Cera) y busca la ayuda de su amiga Leah (Olivia Thirlby) para decidir qué hacer con el proyecto de niño que viene en camino. Luego de una incursión a la clínica abortos decide que quiere dar a luz al niño y darlo en adopción. Así es como llega a la aparentemente perfecta pareja conformada por Mark (Jason Bateman) y Vanessa (Jennifer Garner) quienes no pueden concebir hijos propios. Al transcurrir la trama, Juno debe contarle a sus padres, enfrentarse a la conmoción que su abultado vientre provoca en su colegio y decidir qué quiere hacer con su vida. Parece una historia clásica y sencilla, pero no lo es. La diferencia la hace un guión inteligente, con diálogos sarcásticos y acuciosos de la novel guionista Brook Busey-Hunt más conocida por su particular pseudónimo “Diablo Cody”.

La dirección, bajo la mano de Jason Reitman (Thank you for smoking) nos lleva por un viaje de colores, contrastes, bellos encuadres, música sencilla de guitarras acústicas y melodiosas canciones, todo en una atmósfera de cine independiente que a ratos recuerda a American Splendor, Rushmore y Little Miss Sunshine.

Si bien Juno no es una de esas películas inolvidables, sí vale la pena verla. Es una historia que se enmarca y descansa en los suburbios de una Norteamérica B, donde los nerds y las chicas raras son los héroes de la historia. Donde la perspicacia de un guión que descansa principalmente en sus diálogos, no aburre ni agota. Lo único que podría criticar es esa sospechosa sabiduría en una chica de 16 que parece tenerlo todo claro y planificado, pero se perdona casi al final de la película cuando en una sencilla escena de llanto nos damos cuenta de que Juno está tan perdida como cualquiera de nosotros cuando teníamos 16 y creíamos que nos las sabíamos todas.

Vayan a verla, será tiempo y dinero bien invertido.

La última producción de Disney es una especie de comedia romántica fantástica, donde los personajes de un cuento de hadas entran en un mundo totalmente desconocido para ellos: el mundo real.

Ha pasado ya bastante tiempo desde la última vez que vi uno de los llamados “clásicos de Disney”; más todavía, de escuchar un cuento infantil. Sin embargo, creo que Encantada es lo más cerca que he estado de volver a sentir lo mismo.

Entré al cine a una sala que, tal como pensé, estaría ocupada principalmente por niños menores de diez años, partiendo porque es una película de Disney y, no sólo eso, porque además está hablada en español, cosa que a la mayoría de las personas pasadas de esta edad les puede parecer muy molesto. Quizás muchos vayan sin muchas expectativas, o podría decirse que es una especie de placer culpable, pero a su vez esto fácilmente se puede revertir. Lo digo porque al entrar tuve la sorpresa de que no era el único mayor de diez años interesado en ver esta especie de comedia romántica fantástica, por supuesto con el toque de Disney.

Vamos a lo que interesa. “Encantada” en primera instancia parece ser el típico cuento infantil con sus respectivos personajes, partiendo por la princesa que vive en un bosque lleno de alegría y amiga de todos los animales; también encontramos al príncipe valiente que, por supuesto, es el héroe del lugar; y, finalmente, la clásica bruja mala, la cual su mayor arma es… ¡sorpresa!, manzanas envenenadas. Pero bueno, ése es sólo el comienzo, porque esta película mezcla este conocido mundo de fantasía con la ruidosa y llena de luces ciudad de Nueva York, donde la historia de dibujos animados se vuelve de carne y hueso.

Todo comienza con la princesa Giselle, quien está a punto de casarse con el príncipe Edward, pero la madrastra de éste, quien es a su vez una malvada bruja, disgustada con la situación, decide tenderle una trampa a Giselle y la arroja a un pozo que la lleva hasta la no muy feliz Manhattan. Es ahí donde la princesa conoce a Robert, un abogado divorciado con una pequeña hija a su cuidado, quien ayuda a Giselle en su estadía en un mundo totalmente desconocido para ella, y le hace ver el amor de un punto de vista totalmente diferente al que siempre ha tenido.

El film está dirigido por Kevin Lima (quien ha dirigido más de una película de Disney (entre ellas ‘102 Dalmatas’ y ‘Tarzán’). El elenco está encabezado por Amy Adams (‘Atrapame Si Puedes’), quien interpreta a la alegre princesa Giselle, la cual irradia alegría por donde quiera que vaya. Tenemos a Patrick Dempsey (principalmente conocido por su papel en la serie ‘Grey’s Anatomy’), quien es el encargado de encarnar al abogado Robert Philip. James Marsden es el príncipe Edward, la conocida ganadora del Oscar, Susan Sarandon haciendo de la malvada bruja Narissa y, además, cuenta con Julie Andrews (‘La Novicia Rebelde’) como la voz narradora de esta historia. Cada quien bien en su papel, aunque James Marsden como siempre encarna al lindo niño bueno (si no es éste, es la víctima o ambos juntos), lo que puede resultar algo ya visto. Por otra parte Amy Adams hace algo totalmente distinto a lo que anteriormente se ha visto de ella, tomando como ejemplo su papel en ‘Juegos Sexuales 2’. A Susan Sarandon la hemos visto ya hace un tiempo haciendo papeles distintos a los cuales estábamos acostumbrados a ver en un principio, se ha salido del drama para probar que puede hacerlo igual de bien en otras áreas.

No se puede decir que la película posee muchos defectos, aunque se debe mencionar el que ésta sea doblada al español en la mayoría de las salas en las que se está exhibiendo, lo que implica a su vez escuchar las canciones también en español. Esto se debe, como anteriormente se ha dicho, a que es una película pensada para niños, para ir a verla en familia, pero insisto en que no son pocas las personas pasadas de los diez años que tienen interés en verla. De hecho al término de la película pude ver a varios adultos felices al salir del cine. Por mí puedo decir lo mismo, el film puede resultar agradable para personas de todas edades que han crecido con los cuentos de Disney y bueno siempre como todo cuento infantil se busca un final al estilo “vivieron felices para siempre”, pero en Encantada se ve mucho más que eso.

Un thriller de suspenso y horror con una de las temáticas más cautivantes del género: los asesinos en serie.
Este año el cine nos ha entregado varias películas asociadas a una de las temáticas sin duda más cautivantes y perturbadoras dentro del género del thriller y el suspenso: Los asesinos en serie. Un denominador común en la mayoría de las cintas de este tipo es que no son guiones originales, sino más bien adaptaciones de libros que con mucho éxito ameritan ser llevados a la pantalla grande. Es el caso de Buffalo Bill en “The Silence of the Lambs” (1991), Francis Dolarhyde en “Red Dragon”, y la saga de Thomas Harris y su antiheroe Hannibal Lecter, el más famoso asesino en serie de ficción de la literatura y cinematografía contemporánea. Le siguen otros no menos relevantes como Patrick Bateman, el psicópata americano inventado por el talentoso Bret Easton Ellis, Norman Bates de Robert Bloch (Psycho), y Tom Ripley, creado de las novelas criminales de Patricia Highsmith.
El Oscuro Pasajero, llamado originalmente “Darkly Dreaming Dexter” tuvo una buena acogida por parte de la crítica literaria cuando salió en 2005 y un impacto masivo, que sin elevarlo a Best Seller, por lo menos gatilló una serie de televisión que hoy se transmite por las pantallas de Movie City cada domingo: Dexter.

Dexter Morgan es el hermano adoptivo de Deborah Morgan, una ambiciosa policía de Miami con aspiraciones de llegar al área de homicidios y seguir los pasos de su padre, Harry Morgan, quien descubre a temprana edad las temibles inclinaciones del chico, que se relacionan con un hecho traumático de su pasado. Harry intenta guiarlo para poder canalizar de alguna manera este instinto que, ambos saben, es incontrolable, y que nunca cesará. Los consejos de Harry convierten a Dexter en un asesino que mata a los malos. Sólo a los malos. Una especie de justiciero que tiene como fin limpiar el mundo de los indeseables: Pedófilos, violadores, y todo aquel que abusa de otros. ¿Eso lo redime de ser un asesino? ¿Acaso los superhéroes que matan en nombre de la justicia no son asesinos? Entre sus conflictos internos, su compleja inserción en un medio que le resulta hostil para alguien que no tiene sentimientos (todo psicópata carece de ellos), Dexter ayuda a su hermana para lograr ser ascendida a homicidios, siguiendo paso a paso las andanzas de otro asesino en serie suelto en las cálidas calles de Miami. Un escenario perfecto para la cumbia, el spanglish y el sabor latino.

Jeff Lindsay logra en El Oscuro Pasajero crear un personaje complejo, que conoce su terrorífica tendencia, su vértice asesino, pero que –aunque nos señala como “los humanos”- logra insertarse en un mundo real y pasar desapercibido. Dexter Morgan es un tipo agradable, simpático, socialmente adaptado y con un trabajo estable como analizador de muestras de sangre para el laboratorio de la policía de Miami. El calor, las conocidas movidas nocturnas del epicentro de Florida, y las eternas carreteras son el escenario para nuestros asesinos. Paradójicamente, y como uno de los argumentos más ingeniosos y sorprendentes en la pluma de Lindsay, Dexter, -al que con su frialdad propia de un psicópata asesino- trabaja para atrapar asesinos en serie. ¿Quién mejor que un asesino en serie puede entender a otro asesino en serie? La manera en que Lindsay narra los hechos, nos cuenta la historia, es dinámica, por momentos adictiva, en otros reflexiva acerca de las decisiones que debe tomar Dexter frente a un mundo al que siente no pertenecer, pero que inevitablemente lo hace estar siempre más cerca de las pistas que lo llevarán, junto a su hermana Deb y la policía de Miami, a capturar a este asesino en serie que mata prostitutas.

En el libro hay mucho diálogo interior entre Dexter y su Oscuro Pasajero, esa voz que lo alienta a matar, o en otros casos, admirar con escalofriante regocijo los cortes y descuartizamientos de las víctimas que van siendo encontradas a medida que transcurre la novela.

Narrado en primera persona, siempre sabemos lo que piensa “nuestro” Dexter. Y aunque los personajes secundarios están bien construidos y adquieren cierta empatía o recelo, los conocemos siempre a través de la mirada de Morgan.

Lindsay usa muchos recursos del género –inventados por la maestra del suspenso, Agatha Christie- para darnos pistas falsas, seguir hilos que cobran sentido en la inmediatez de la lectura, y que finalmente, y de manera brillante, logra dar un giro inesperado que resuelve de manera perfecta un puzzle entre dos cazadores, dos asesinos que nunca se han visto, pero que de alguna manera, se reconocen.

Para quienes gustan del género, El Oscuro Pasajero es una elección más que recomendable. Tal vez la forma pulcra de relatar los asesinatos deja a Lindsay apartado de la vertiente más sangriento y descriptivo, pero el verdadero valor del libro está en la elaborada creación del personaje de Dexter Morgan, y en el dinamismo y tensión constante que mantiene al lector interesado, inquieto y por sobre todo, entretenido.

Desde 1998, la AFI (Instituto de Cine Norteamericano), ha venido seleccionando listas con lo mejor del cine norteamericano de todos los tiempos. Ésta es una organización independiente, sin fines de lucro, creada por el Fondo Nacional para las Artes, establecida en 1967 por el presidente Lyndon B. Johnson.
En 1973, establecieron el Life Achievement Award, para premiar a miembros de la industria cinematográfica por su contribución al séptimo arte, considerando la globalidad de un cuerpo de trabajo, más que el logro específico de una película (como ocurre con la mayoría de los demás premios). 14 directores han recibido el premio, entre ellos Alfred Hitchcock, Steven Spielberg, Martin Scorsese y Orson Welles. 14 actores, entre ellos Jack Nicholson, Dustin Hoffman y Robert de Niro, y sólo 6 actrices, incluyendo a Meryl Streep, Bette Davis y Elizabeth Taylor, se suman a tal honor. Este 19 de junio, se les unirá Al Pacino.

En 2001, decidieron sumarse a la interminable lista de listas “Lo Mejor del año…”, estableciendo una decena anual de cintas relevantes, sin establecer un orden jerárquico entre ellas.

Pero quizás lo más relevante sean los listados de la serie “AFI 100 Years”, que comenzaron en 1998, para celebrar los primeros cien años del cine norteamericano (que se inició aproximadamente en 1896). La mayor importancia de establecer un ranking de películas, radica en la promoción del cine en su conjunto, provocando un interés en preservar la historia del cine, y en poner al alcance de audiencias más jóvenes, cintas que conserven un atractivo pese a tener 80, 70 ó 60 años. El interés de la AFI no es sólo mostrar buenas películas, sino intentar señalar los hitos que constituyen puntos de quiebre, influenciando a directores, guionistas y actores para ir produciendo nuevas formas de lenguaje cinematográfico. Cabe decir que sólo se consideran películas en idioma inglés (con una gran mayoría de Estados Unidos, un porcentaje no despreciable de Inglaterra, y algunas menciones de Australia).

Hasta ahora se han generado los siguientes recuentos:

1998 – 100 Mejores Películas (1: Ciudadano Kane; 2: Casablanca; 3: El Padrino)

1999 – 100 Mayores Estrellas (Actores: 1: Humphrey Bogart; 2: Cary Grant; 3: James Stewart. Actrices: 1: Katharine Hepburn; 2: Bette Davis; 3: Audrey Hepburn)

2000 – 100 Mejores Comedias (1: Una Eva y Dos Adanes; 2: Tootsie; 3: Dr. Insólito)

2001 – 100 Mejores Intrigas (1: Psicosis; 2: Tiburón; 3: El Exorcista)

2002 – 100 Mejores Romances (1: Casablanca; 2: Lo Que el Viento Se Llevó; 3: Amor Sin Barreras)

2003 – 100 Mejores Héroes y Villanos (Héroes 1: Atticus Finch en “Matar a un Ruiseñor”; 2: Indiana Jones en “Los Cazadores del Arca Perdida”; 3: James Bond en “Dr. No”. Villanos: 1: Dr. Hannibal Lecter en “El Silencio de los Inocentes”; 2: Norman Bates en “Psicosis”; 3: Darth Vader en “El Imperio Contraataca”)

2004 – 100 Mejores Canciones (1: “Over the Rainbow” de El Mago de Oz; 2: “As Time Goes By” de Casablanca; 3: “Singin’ in the Rain” de la película homónima)

2005 – 100 Mejores Citas (1: “Francamente, querida, me importa un comino” de Lo Que el Viento se Llevó; 2: “Voy a hacerle una oferta que no podrá rechazar” de El Padrino; 3: “¡No lo entiendes! Podría haber tenido clase, podría haber sido un buen contricante. Podría haber sido alguien, en vez de un vago, que es lo que soy” de Nido de Ratas)

2005 – 100 Mejores Partituras (1: La Guerra de las Galaxias; 2: Lo Que el Viento se Llevó; 3: Lawrence de Arabia)

2006 – 100 Mejores Musicales (1: Cantando Bajo la Lluvia; 2: Amor Sin Barreras; 3: El Mago de Oz)

2006 – 100 Mayores Películas Inspiradoras (1: Qué Bello es Vivir; 2: Matar a un Ruiseñor; 3: La Lista de Schindler)

Para este año, se ha decidido celebrar el aniversario de los 10 años desde la primera lista. Era necesario revisar el ordenamiento interno que se había generado en 1998, así como incorporar películas posteriores a 1996 (que fue el último año considerado en el listado previo) y algunas anteriores, que han ido tomando peso con el paso de los años. El método consiste en una selección previa de 400 películas, que es enviada a los miembros de la AFI. Ellos tienen la posibilidad de incorporar alguna película que haya sido omitida en la oferta enviada. Por ejemplo, en 2005, cuando se seleccionaron las mejores citas, en el número 90 quedó una frase no seleccionada previamente, que será reconocida por los seguidores de James Bond. “Un Martini. Agitado, no batido”. Luego, se realiza a partir de la devolución de las encuestas, la lista definitiva.

En esta ocasión, se partió de la lista básica de 400 películas seleccionadas en 1998. Como había que incorporar títulos nuevos, se retiraron 80 cintas de esa selección, que fueron reemplazadas por 45 películas estrenadas a partir de 1997 y 35 previas a 1996 no consideradas antes. Las 45 cintas posteriores a 1996 son:

1997: Mejor, Imposible; Austin Powers; Boogie Nights; En Busca del Destino; Los Angeles al Desnudo; Titanic

1998: Rushmore; Rescatando al Soldado Ryan; Shakespeare Apasionado; Loco por Mary

1999: Belleza Americana; ¿Quieres Ser John Malkovich?; El Club de la Pelea; El Informante; The Matrix; El Sexto Sentido; Tres Reyes

2000: Erin Brockovich; Gladiador; Memento; Réquiem Para un Sueño; Traffic

2001: Una Mente Brillante; Moulin Rouge!; Shrek; El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

2002: Chicago; Las Horas; El Señor de los Anillos: Las Dos Torres

2003: Rescatando a Nemo; Perdidos en Tokio; Río Místico; Los Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra; El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey

2004: Eterno Resplandor de una Menta sin Recuerdos; Harry Potter y el Prisionero de Azkaban; Million Dollar Baby; Ray; Entre Copas; Spider-Man 2; El Aviador

2005: Secreto en la Montaña; Crash; Buenas Noches, y Buena Suerte; Hotel Rwanda

Algunas han ganado premios, otras han sido reconocidas por la crítica, otras han sido grandes éxitos de taquilla. Considerando que un máximo de 10 películas podría ingresar a la nueva nómina (porque estadísticamente todas las décadas deben estar representadas), ¿cuáles crees tú que debieran ser incluidas?, ¿cuántas has visto? Si te faltan muchas, dirígete a tu video-club más cercano y ponte al día.

Al igual que en años anteriores, el frenesí de los estrenos más esperados por la crítica y el público, se concentró en el último trimestre en el hemisferio boreal y entre enero y febrero de 2007 en nuestro país. El antecedente de “Crash”, presentada a las audiencias en mayo de 2005, y que en definitiva se llevó el premio más codiciado de la temporada, precipitó la intención de que los estudios racionalizaran su calendario de lanzamientos durante todo el año, permitiendo que las cintas fueran vistas por una mayor cantidad de personas, sin tener que perder la opción a recibir una nominación al Oscar. Algo de esto hubo (Babel, Little Miss Sunshine, The Departed). Sin embargo, numerosos filmes se estrenaron en el límite del plazo, perdiendo toda posibilidad de quedar en las listas de lo mejor del año que se elaboran a partir de la primera semana de diciembre. “The Good German”, “The Good Shepherd”, “The Factory Girl”, todas ellas con abundante publicidad pro-galardones, pero con escasa presencia en salas. De esta sobrepoblación de buenas películas durante nuestro verano, algunos elementos merecen destacarse:

Actuaciones con Galardones en el Bolsillo

Como nunca, se perfilaron tempranamente dos candidatos para llevarse sendos premios a mejor actuación principal, Forest Whitaker (“The Last King of Scotland”) y Helen Mirren (“The Queen”). En el caso de Whitaker, se trata de un actor largamente ignorado por la crítica especializada. Su Oscar es resultado de una carrera enfocada en cintas de bajo presupuesto, factura independiente y roles secundarios. Mirren, por su parte, llevaba más tiempo siendo homenajeada en Britania y USA por sus roles en cine y televisión (Prime Suspect), y estuvo a punto de llevarse la estatuilla por su rol de apoyo en “Gosford Park”. Ambas situaciones reflejan el reconocimiento a la trayectoria, por sobre la valoración de una primera interpretación (Hilary Swank, Gwyneth Paltrow, Charlize Theron, etc.). Di Caprio se esfumó entre dos grandes actuaciones en un mismo año (“Blood Diamond” & “The Departed”), pero progresivamente cimenta con buena elección de roles una carrera que le permita ser reconocido a corto plazo (aunque por ahora ya es el más relevante de su generación). Su contraparte femenina, Kate Winslet (“Little Children”), también ha logrado deshacerse del manto Titanic y al igual que DiCaprio en “…Gilbert Grape”, en ulteriores actuaciones nos ha hecho recordar su paso por “Heavenly Creatures”.

Se ha ido creando en las últimas décadas un nuevo estilo de cine: el que involucra la anulación del protagonismo y la generación de un ambiente coral. En breves apariciones, el consagrado y el emergente deben proyectar todo un personaje. Jack Nicholson y Mark Wahlberg (“The Departed”) constituyen un buen ejemplo.

Cine independiente

Se define cine indie como las cintas que resultan por menos de 20 millones de dólares, y que presentan un tema original, a menudo provocador, con una visión única y con un porcentaje superior al 50% de fuentes independientes en su presupuesto.

El invitado menor en este homenaje cada vez ha ido tomando un protagonismo mayor. Es casi de rutina que la quinta película nominada a los Oscar provenga de este submundo. La joya del año, en términos de crítica y de taquilla, fue “Little Miss Sunshine”. Otros exponentes fueron “Half Nelson”, “Thank You For Smoking”, “The Painted Veil”, con éxito relativo en la temporada.

Sabor Latino

En un mundo poblado por norteamericanos (blancos, anglosajones, protestantes), con su cuota proporcional de judíos y homosexuales, sólo era bienvenida la esporádica aparición de sus patriarcas británicos. Este año, el cine generado por Hispanoamérica se llevó una importante tajada de los reconocimientos en global. No sólo logró destacarse la línea de frente (actores, directores, guinistas), sino que actores secundarios de la escena (vestuaristas, maquilladores, directores de fotografía, etc) vivieron su minuto de gloria.

Los principales representantes constituyen polos opuestos. Uno que invade a La Meca con un ambicioso proyecto iniciado en México (y que la industria abraza automáticamente en su visión multicultural), y otro que emigra desde Centroamérica a España para crear un universo de fantasía y realidad, sin precedentes en nuestra filmografía latina. Nos referimos a “Babel” y “El Laberinto del Fauno”, ambas interpelando a símbolos globales en un contexto frontalmente político. La presencia de Almodóvar en la escena norteamericana representa a estas alturas un hecho habitual, una costumbre, de la cual ya no debemos sorprendernos. Es el rey indiscutido de nuestra lengua en las salas de cine del primer mundo.

Los Guiones y la Industria

Se ha hecho habitual que cuando se premia el mejor guión del año, lo que se premia es la originalidad de la historia. Este año no fue la excepción. “Guión Original” es la posibilidad que tiene el cine indie de ser premiado (Basta con revisar la tendencia de los últimos años: Sideways, Lost in Translation, etc). Los Guiones Adaptados suelen estar basados en novelas o cuentos. A veces una obra de teatro. En pocas ocasiones, el guión de una película previa. Y rara vez, los personajes de un comic. Las principales ganadoras este año, fueron “Children of Men” y “The Departed”. La primera tomando el núcleo central de una historia distópica de P.D. James, y la segunda el guión de la película de Hong Kong “Infernal Affairs”. En ambos casos, las libertades del guionista refrescaron el material original.

Reconocimiento a la Trayectoria

Finalmente Marty ganó el Oscar. Y la mayoría de los galardones que lo preceden. ¿Es The Departed una película menor en la filmografía de Scorsese? El director de “Raging Bull”, “Taxi Driver”, “GoodFellas”, “Casino”, “The Age of Innocence”, “Gangs of New York”, “The Aviator”, “The Last Temptation of Christ”, “Mean Streets”, “Kundun”, “The King of Comedy”, “Alice Doesn’t Live Here Anymore”, “Cape Fear” y “The Color of Money”, finalmente se une al ¿selecto? y esquivo club.

Quien nunca ganó un Oscar, pero fue reconocido la noche del 25 de febrero fue Ennio Morricone, compositor nominado cinco veces y autor de alrededor de 500 partituras para cine o TV, entre ellas “The Mission”, e “Il Bonno, Il Brutto, Il Cattivo”.

Es de esperar que “The Queen” o “Little Children” puedan ser exhibidas oportunamente en nuestras salas, y que no se repita lo que ocurrió con “Transamerica”, “The Squid and the Whale” u “Hotel Rwanda”, que llegaron tarde o simplemente no fueron distribuidas comercialmente en Chile.